La Fundación Contemporánea ha presentado los resultados de la consulta del Observatorio de la Cultura, correspondiente al segundo semestre de 2011, donde el 78% de los encuestados afirman que los presupuestos del sector se han vuelto a reducir hasta un 20% (para el 37,4% de los panelistas) y hasta un 40% o más (para otro 40%). En el otro extremo, los presupuestos se han mantenido este año para un 15,45% y tan solo para el 6,6% han aumentado.
Preguntados con respecto a las perspectivas para el inicio de una recuperación económica perceptible en el sector, la gran mayoría la descarta a corto plazo. El 18,9% considera que no comenzará hasta el 2012, el 32,6% cree que no lo hará hasta 2013 mientras que un 26,3 y un 20% consideran que habrá que esperar hasta 2014 y 2015, respectivamente.

sigue…

vía Los presupuestos del sector cultural bajan un 20% en 2011.

La cuarta consulta del Observatorio de la Cultura ha sido respondida por noventa y nueve miembros del Panel de Expertos entre los meses de mayo y junio de 2011.

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vía Fundación Contemporánea.

El Observatorio de la Cultura apunta alternativas para afrontar la reducción presupuestaria en el sector

05 septiembre, 2011 | Por Irene G. Vara

En la consulta semestral del observatorio, correspondiente al segundo semestre de 2011, la mayoría de los sondeados descarta una recuperación económica perceptible a corto plazo en el sector. Se decantan por reconocer el valor social excepcional de la cultura y hacer un esfuerzo por mantener los presupuestos públicos así como racionalizar el gasto, insostenible en algunos casos.

Los encuestados también han señalado que es necesario ampliar el alcance y las ventajas fiscales de la actual ley de mecenazgo así como que la sociedad y medios de comunicación reconozcan el valor del mecenazgo y el patrocinio cultural.

Según los resultados, el Centro de Artes Visuales Fundación Helga de Alvear de Cáceres, Matadero Madrid y Laboral en el ámbito público, y CaixaForum, Fundación Mapfre y La Casa Encendida, en el privado, son las mejores iniciativas culturales de los últimos años, desarrolladas a pesar de las dificultades económicas.

Internet, la tecnología más extentida

Los usos de tecnologías más extendidos a nivel personal por los profesionales de la cultura son la lectura de prensa en Internet y la conexión a Internet desde el móvil. Las menos frecuentes son la lectura de libros electrónicos o ver cine en casa desde la red

En cuanto a su uso en instituciones culturales, destacan la utilización de redes sociales para comunicación y el envío de información digital. Entre los menos extendidos se encuentran el desarrollo de aplicaciones para móviles y la venta online

El Observatorio de la Cultura, una iniciativa de la Fundación Contemporánea, es un espacio para la recogida de información, reflexión y análisis que sondea la percepción del estado y la tendencia de la cultura actual pulsando la opinión de sus profesionales

Ha participado en la consulta un panel de expertos compuesto por 99 creadores, críticos, especialistas, programadores, gestores de instituciones y empresas culturales y responsables de áreas culturales de la administración pública

vía El Observatorio de la Cultura apunta alternativas para afrontar la reducción presupuestaria en el sector | Revista de Arte – Logopress.

Los artistas toman la palabra
Seis artistas reflexionan sobre el museo ideal.

Artistas vivos frente a grandes maestros
Mi museo ideal tendría estas características:
1. Antes de su construcción, el arquitecto del museo haría consultas previas a artistas, profesionales del sector y a los trabajadores habituales que vayan a hacer uso del centro. El arquitecto no concebiría su edificio como una obra de arte, sino como un espacio para acoger obras de arte. Así, el artista no tendría que adaptar sus obras a las excentricidades del arquitecto, sino que encontraría un espacio versátil y adaptable fácilmente a distintos usos expositivos. En este museo estarían prohibidas paredes en las que no se pueda taladrar, los montacargas demasiado pequeños o suelos que no puedan soportar el peso de grandes obras.

2. La dirección del museo quedaría asignada por concurso público, con un jurado de especialistas y profesionales del sector artístico.

3. El museo expondría (con orgullo y sin complejos de inferioridad) a artistas vivos de la comunidad artística local. No les concedería espacios marginales para realizar pequeños proyectos, sino que les daría la oportunidad de presentar su visión en una exposición individual con múltiples proyectos. El museo haría un trueque con sus exposiciones, intercambiando producciones propias con otras llegadas de museos de fuera, consiguiendo, de esta forma, revalorizar y poner en circulación valores locales.

4. El museo eliminaría departamentos basados en técnicas. Crearía áreas realmente innovadoras, interdependientes, ágiles y mucho más orgánicas que los actuales sistemas clasificatorios.

5. El museo tendría a artistas en su Patronato.

6. El museo daría una enorme importancia al departamento educativo y tendría, como eje fundamental, conectar con comunidades no directamente vinculadas al mundo del arte. Los talleres con artistas serían un eje principal de su actividad. Esta filosofía convertiría el museo en un verdadero centro de investigación.

7. El museo haría un esfuerzo por encontrar innovadores diseños de montaje de exposiciones para reducir significativamente las carísimas partidas destinadas hoy por hoy a este fin. El dinero ahorrado revertiría directamente en la producción de la obra de arte, cuya financiación es siempre tan difícil.

8. El museo crearía redes de colaboración con otras instituciones de creación contemporánea. Se crearía así una sinergia y se evitaría duplicar esfuerzos.

9. El museo no gastaría gran parte de su presupuesto en adquirir obras de los grandes maestros. Éstos se conseguirían a través de donaciones de colecciones privadas. El dinero ahorrado se destinaría a adquirir obras mucho más asequibles de artistas emergentes, quizás, los grandes artistas del futuro.

10. El museo no limitaría su actividad a su espacio museístico concreto. Sus proyectos se extenderían a espacios anexos, locales abandonados para proyectos expositivos concretos o espacios públicos. Se crearía así una institución mucho más permeable, dinámica y menos anclada en los límites físicos de la institución. DANIEL CANOGAR

El no-museo
Mi museo ideal es el no-museo. Las cosas mueren, debemos dejarlas morir. El arte contemporáneo no lo hace necesario, ya que el espacio del museo tiene límites concretos y lo contemporáneo es un tiempo sin límites. El arte actual se gestiona muy mal dentro de esta institución. Sus agentes (comisarios, directos, restauradores, vigilantes…) son cuidadores. Son roles maternos y no pueden considerarse autores. Aprendieron sus oficios en tiempos de la Academia donde pensaron el museo como un marco para conservar objetos y documentos, cuando la estrategia actual es el evento. Los objetos que conserva son objetos con poder. Pero cualquier objeto, sea o no sea artístico, es susceptible de emitir ese poder, y cualquiera puede crearlo. ¿Qué queda fuera del Museo? Los artistas estamos creando públicos y no un solo público, ni una sola memoria. Estamos en el ahora. EULÀLIA VALLDOSERA

Aspersores que empapan todo
A los museos el espacio se les está quedando pequeño. Si hacemos un repaso para ver de dónde venimos, comprobaremos que hemos pasado (salvo honrosas excepciones) de los museos abigarrados y sin criterio del siglo XVIII a la visión historicista del siglo XIX y, de ahí, a los museos como expresión de la identidad nacional.

Actualmente, hay una vocación expansiva y reproductiva en pos de la marca-museo, lo que apoya el absurdo papel de contenedores que todavía hoy se autoasignan. Repensar el papel de los museos nos llevaría a relacionarlos con la posibilidad de llevar a cabo una labor seria y concienzuda de análisis de la sociedad en la que han crecido. Los museos tendrán que ser aspersores que empapen todo a su alrededor o se pueden convertir en entes espectaculares propulsados hacia la nada. EUGENIO AMPUDIA

Donde la obra nos hable sin ruido
De contar con un escuálido grupito de museos de arte contemporáneo, en apenas varias décadas, hemos pasado a disponer de una flota de espacios para mostrar el arte muy considerable. Asistimos, de hecho, tras el mundialmente celebrado éxito del “efecto Guggenheim”, a una especie de gripe o pandemia contagiosa donde cada comunidad, casi siempre gobernada por políticos ambiciosos, parece obligatoriamente conducida a contar con una nueva catedral para el arte, que es parada obligatoria para el turista cinco millones, que al final es lo que parece importar hoy a los políticos y gestores de turno.

El museo es una vela encendida cuya sombra es la imagen de quien lo dirige. Debería ser el lugar que permita que la función del arte se cumpla, que la obra encuentre en ese espacio el nivel más depurado de su voz y nos hable sin distracciones y sin ruidos, acorde a las condiciones y mecanismos para los que fue ideada por el artista.

El museo ideal es un mecanismo vivo, un almacén orgánico y un laboratorio activo de doble piel: una sensible y permeable y otra piel más dura, estable y protectora de sus contenidos y capaz de reflejar el presente y visionar el futuro. JUAN USLÉ

Colecciones imperfectas
El museo es un gran contenedor de ideologías y su trabajo más importante es el de conservar y seleccionar aquellos hechos destacables y representativos de la época por sus discursos.

Ahora bien, cómo creamos archivo es uno de los aspectos que define si un museo es eficiente en sus funciones. Destaco tres de los riesgos que observo en los actuales museos de arte contemporáneo. El primero, es la importancia de exigir a un museo mantener la integridad de la obra del artista y su espíritu de presentación. Actualmente observo muchas exposiciones donde la obra del artista está fragmentada (en su concepto), descontextualizada y agrupada en entornos, muchas veces, hostiles. La manipulación de las obras es constante y en muchas ocasiones no reflejan la trayectoria ideológica y de pensamiento del artista. Sus obras son introducidas en colectivas, donde el parafraseante convierte las piezas en fragmentos de un discurso ajeno y lo asienta como una verdad histórica imperante, por el hecho de estar reconstruido con obras de artistas considerados.

Por otra parte, creo que es peligrosa una excesiva dependencia cuando las colecciones públicas se amplían sobre todo a costa de las colecciones privadas. Hay que pensar que una colección privada está concebida bajo un gusto personal y totalmente subjetivo. Este gusto subjetivo se va a convertir en reconocimiento público y se va a transformar en una colección objetiva, a través de sus donaciones y alquileres.

Por último, es necesario que los museos se especialicen y tengan un proyecto específico. Me parece un esfuerzo absurdo y poco eficiente el museo que se repite. Echo de menos colecciones donde verdaderamente se vea la evolución de los artistas y no fragmentos, que convierten el pensamiento del artista en citas resultonas y de pensamiento fácil. MONTSERRAT SOTO

Público y gratis
Un museo en el que sea un placer estar, un verdadero placer, debe tener por supuesto una gran colección. Pero una gran colección no es en modo alguno tener los cromos apropiados de la historia del arte; debe ser una colección que ha sido adquirida con pasión y convencimiento, una colección que transmite un modo de pensar el arte. La colección debería contener piezas raras, exquisitas, sorprendentes. Su disposición debería superar igualmente mis expectativas, no confirmarlas. Un museo debe tener una personalidad, en fin, una conversación interesante que nos haga disfrutar como nos hace disfrutar la conversación de ciertas personas: ocurrente, con humor, nunca acartonada, nunca de lugares comunes, sin miedo de ser irreverente, ácida, sarcástica incluso; completamente indiferente al buen gusto y a nociones tan soporíferas como el prestigio.

Con tales características, a mi museo ideal le daría igual el número de visitantes. Sería un museo elitista, pero para una élite que no se corresponde con ninguna clase social ni cultural existente; sería una élite creada por el propio museo, el museo crearía a su público y no el público a su museo, porque el público no sabe lo que quiere hasta que lo ve. Finalmente, este museo ideal tendría una política de publicaciones, eventos, conferencias, ciclos de cine y de teatro extraordinaria de nuevo por lo sorprendente, traería cosas desconocidas u olvidadas, piezas pequeñas pero claves, piezas que nadie pensó en recuperar hasta que llegó este museo ideal. Este museo no haría distinción de disciplinas pero no se llamaría nunca interdisciplinar, sería un lugar de alegría, soltura y espontaneidad, sin llamarse jamás lúdico ni entertaining, y tendría una gran relación con la ciudad y el barrio sin llamarse jamás popular. Sería un lugar público, y sería gratis. DORA GARCÍA

vía El Cultural ¿Cuál es el museo ideal?.

Ya era un viejo proyecto en la era Solbes. Es decir, cuando el dinero no era problema. Pero la necesidad se convierte a veces en virtud y ahora la crisis tremebunda ha hecho acelerar el paso. Fundir en una las tres sociedades estatales que afectan a la cultura resulta, así, prioritario. Dentro del plan de austeridad en que trabaja el Gobierno, se estudia la forma en que quedará la fusión para llevarla, en principio, al Consejo de Ministros del próximo viernes. Todo indica que las sociedades estatales de Conmemoraciones Culturales (SECC), de la Acción en el Exterior (Seacex) y de Exposiciones Internacionales (SEEI) quedarán en una. El propósito: una disminución de presupuestos y personal -la gran mayoría de sus integrantes son contratados, no funcionarios- y concentrar una gestión de vocación muy similar que ahora resulta un tanto dispersa en algo más eficaz.

Hay nervios e incertidumbre. Nadie quiere dar explicaciones. Las actuales responsables de la SECC y Seacex, Soledad López y Charo Otegui, no hablan, no están, no se ponen al teléfono. Tampoco saben mucho de su futuro. Cumplen con el programa, pero no ponen proyectos en marcha. El nuevo esquema entrará en funcionamiento bien en julio, al término de la presidencia española de la UE, o en enero próximo, con cargo al presupuesto de 2011. Todo se está cocinando en el Ministerio de Economía y Hacienda. Tampoco desde allí pueden ser muy concretos. “Están trabajando en ello”, dicen sus portavoces oficiales. La clave anda por el despacho de Juana Salazar, directora general de Patrimonio del Estado. Es la persona encargada por la vicepresidenta Elena Salgado de ejecutarlo.

El lío es considerable y eso hace pensar en el entorno de La Moncloa que las opciones se abren. También que la fusión pudiera afectar sólo a dos de las sociedades señaladas y dejar fuera la SECC, por ejemplo. Todo da lugar a muchos interrogantes. El primero: ¿de quién dependerá lo que surja de ahí? No es fácil y, por otra parte, resulta muy atractivo.

Actualmente, aunque las tres sociedades trabajan por y para la cultura, dependen de tres ministerios diferentes. La SECC entra en el ámbito del ministerio de Ángeles González Sinde, la Seacex es de Exteriores y la SEEI, de Hacienda. Los nervios y el silencio también responden a la lucha de poder que se juega en todo el asunto. Nadie quiere dar un paso en falso o decir algo inconveniente para no ser descartado en un futuro. Dirigir la nueva sociedad es un caramelo. Pero el responsable tendrá un perfil político alto y tanto en Cultura como en Exteriores nadie apuesta por quienes actualmente se encuentran al frente. Probablemente el cargo quede en manos de alguno de los secretarios de Estado que cesen tras el plan de austeridad en el que se contempla eliminar ocho o 10 áreas dirigidas con ese rango.

La nueva empresa del Estado se ocupará de lo que ahora hacen las existentes y estará muy volcada en la acción cultural exterior. Actualmente, la SECC se ocupa de conmemorar centenarios, aniversarios y demás. Su ámbito es más nacional. La Seacex se ha convertido en un instrumento potente dentro del mundo del arte. Desde que la impulsara Miguel Ángel Cortés, secretario de Estado de Cultura con el PP, ha sido objeto de deseo de galeristas, artistas, marchantes. Su cometido es organizar muestras, congresos y acontecimientos en todo el mundo para promocionar la cultura española. La SEEI, que ahora dirige José Eugenio Salarich, viene de principios del siglo XX y su función es dejar alto el prestigio de España en las exposiciones universales. Como este año en la de Shanghai, para la que cuenta con un presupuesto de 25 millones de euros con que sufragar lo que se produzca en el pabellón.

Las demás han sufrido un recorte importante en 2009. El presupuesto de la SECC pasó de 14 millones a 10 y el de Seacex, de 17,4 a 13,5. La nueva sociedad surgirá para optimizar gastos. Tendrá menos presupuesto, pero más poder. Es decir, habrá que sumar lo que gastan las tres al tiempo y de ahí recortar algo. También personal reducido, en torno a un 20% o 30% menos de los contratados, comentan en Exteriores.

La nueva sociedad será fundamental en la acción cultural exterior, junto al Instituto Cervantes y la Agencia Estatal para la Cooperación Internacional -que desarrolla un papel cada vez más intenso de promoción de la cultura hispánica en los países en vías de desarrollo-, ambos bajo la órbita de Moratinos.

Eso contribuirá a acabar con las fricciones que han existido siempre entre Cultura y Exteriores por esa órbita de influencia real. En la etapa de González-Sinde reina la paz en ese sentido. La batalla que planteó abiertamente el anterior ministro de Cultura, César Antonio Molina, la ha ganado claramente Moratinos. La actual ministra ha renunciado a luchar por esa parcela, lo que también anima a los responsables de Exteriores a pensar que la nueva sociedad caerá en su ámbito.

Radiografía de las agencias

- SECC. Creada en 2002 por el Gobierno de Aznar, la Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales la dirige actualmente Soledad López y cuenta con un presupuesto de 10 millones de euros. La actividad que más relumbrón le dio por todo el mundo fue la conmemoración del IV centenario de la publicación de El Quijote. Depende del Ministerio de Cultura.

- Seacex. Fundada también en 2002 bajo la órbita de Miguel Ángel Cortés como secretario de Estado de Cultura, la Sociedad Estatal de Acción Cultural Exterior centra su actividad en la organización de exposiciones, muchas dedicadas a artistas españoles contemporáneos. Hoy la dirige Charo Otegui, con un presupuesto de 14,3 millones de euros. Depende de Asuntos Exteriores.

- SEEI. La Sociedad Española de Exposiciones Internacionales se encarga de organizar la presencia española en las expos universales. Actualmente se encuentra en plena actividad con la muestra de Shanghai que se inaugura el próximo sábado y que cuenta con un presupuesto de 25 millones de euros, 18 de los cuales se han destinado a la construcción del pabellón. Depende del Ministerio de Economía y Hacienda y su responsable es José Eugenio Salarich.

vía La crisis une las sociedades estatales · ELPAÍS.com.

vía ¿Quién está detrás de la cultura? Una aproximación crítica sobre las políticas culturales contemporáneas. – Universidad Nómada.

J. J. PÉREZ BENLLOCH 21/03/2010

Un signo de madurez democrática es la disposición de los políticos y gobernantes a dimitir de sus cargos sin hacer de ello un drama. Se puede dimitir por numerosas causas que no figuran en ningún código y que son más o menos laxas a tenor de la sensibilidad social y personal. Se dimite por el disentimiento con un proyecto o propuesta política, por incompatibilidad con un superior, por conducta improcedente con o sin consecuencias judiciales y, de un modo más genérico, por dignidad, prudencia y hasta fatiga. La dimisión no habría de sugerir ningún género de sospecha y eso acontecería si no fuera una rareza por estos reinos. Aquí la mayoría inmensa de los cargos públicos son como lapas y no pocos consideran que su función ha de ser vitalicia. “Dimitir es de cobardes”, oímos exclamar en cierta ocasión a un vivales.

Estos días, sin embargo, hemos asistido a una dimisión insólita por lo sonada y movilizadora de las menguadas reservas cívicas valencianas. Nos referimos, como ya se habrá adivinado, a la del director del Muvim, el profesor Romà de la Calle, puesto en el brete de renunciar al cargo o amparar la estupidez de unos iletrados del PP que pretendían practicar con su anuencia la censura en esa sede de la -en adelante presunta- ilustración y del modernismo. El docente no tuvo más opción que encomendarse a su honradez y salir entre aplausos, dejando tras de sí una gestión tan brillante y eficaz como revela el haber avivado un aborto museístico. Un episodio ejemplar que debería abonar otros trances semejantes, con o sin ovaciones, para contribuir a la necesaria regeneración de la vida pública en esta autonomía.

Pero no creemos que ese gesto, ni las alabanzas que merece quien dimite por coherencia con sus principios o circunstancias, aliente a la clase política indígena, aleccionada desafortunadamente por actitudes y resistencias de muy otro signo. Ahí tenemos, sin ir más lejos, la trama corrupta Gürtel y el enroque nada menos que del presidente de la Generalitat en sus propias trapisondas. ¿Había o no motivo para poner distancia entre éstas y su persona, convertida en un filón de sospechas y de sarcasmos? Con una dimisión a tiempo habría sentado un plausible y riguroso precedente de responsabilidad pública, además de acabar con las limitaciones y acosos de quien se obstina en gobernar estando empapelado, cual es su caso. En tal situación, la dimisión no sólo era procedente, sino que hubiera sido personalmente catártica.

A la luz de esa resistencia se comprende que por estos pagos autonómicos ningún político con mando en plaza se sienta aludido por sus propios errores, a menudo, contumaces, como ha sido la política urbanística llevada a cabo pasándose por el arco las condenas de las instancias europeas, los disparates pedagógicos a propósito de la Educación para la Ciudadanía, o el reiterado desacato en punto a la homologación del catalán, por no mencionar el grosero favoritismo de algún consejero para con sus amigos o parientes. Aquí el escándalo se diluye y los implicados miran hacia otra parte por mucho que se les señale con el dedo. Para su fuero pensarán que más rostro tiene su cofrade Federico Trillo, el ministro de Defensa que se tiene por eximido de la catástrofe del Yak 42, o el presidente de la CEOE, Gerardo Díaz Ferrán, un patrono tan ejemplar. O sea, que la dimisión, aquí y por ahora, es casi únicamente cosa de gente digna, como el citado director, maestro de ética.

vía Dimitir no es indigno · ELPAÍS.com.

Casi todos los despegues profesionales son complicados, pero los artistas que quieren vivir de sus creaciones se enfrentan a un camino especialmente largo e incierto

Iván Gómez. Irunés de 26 años, formado y residente en Barcelona, en los últimos meses ha conocido su primera exposición individual, su primera feria, sus primeras ventas…

vía El arte de emerger. diariovasco.com.

La Comisión de Cultura de la Diputación de Salamanca decidió hoy sumarse a la propuesta de otras instituciones y asociaciones de proponer al torero salmantino Santiago Martín El Viti para la concesión del Premio de las Artes de Castilla y León 2009 “por su gran trayectoria en la fiesta de los toros y por su contribución a mantener un patrimonio cultural castellano y leonés, en relación con el toro de lidia”.

EUROPA PRESS. 24.03.2010

Por unanimidad de todos los miembros del Grupo Popular y Grupo Socialista que integran la Comisión, la propuesta dictaminada argumenta que Santiago Martín 'El Viti' “ha sido el primer gran torero surgido en Salamanca, en pleno florecimiento ganadero de la provincia charra, y se ha caracterizado por la sobriedad y el buen oficio de la llamada escuela salmantina”.

Del mismo modo, la Diputación de Salamanca argumenta en su escrito para la concesión de este galardón por la Junta de Castilla y León que 'El Viti' “está considerado unánimemente por el mundo del toro como figura indiscutible a lo largo de su gran carrera profesional, reconocida en el año 1997 por el Ministerio de Cultura del gobierno de España con la concesión de la Medalla de Oro de las Bellas Artes, al igual que es indiscutible su dimensión humana y sus valores como persona”.

vía La Diputación de Salamanca se suma a la petición del Premio CyL de las Artes 2009 para Santiago Martín ‘El Viti’ – 20minutos.es.

Formación abierta | Open workshop. Una propuesta formativa práctica para profesionales y aficionados

Formación abierta | open workshop es una nueva línea de formación que el Centro Regional de Artesanía de Castilla y León ofrece a todas las personas interesadas en ampliar sus conocimientos sobre técnicas relacionadas con los oficios artesanos.

Son, por tanto, cursos de duración reducida en los que pueden participar tanto profesionales artesanos como personas aficionadas, y que están concebidos de manera eminentemente práctica.

Su duración varía entre las 8 y las 24 horas a lo largo de una o varias jornadas de trabajo.

Un profesional de reconocido prestigio enseña una técnica concreta –o abre camino en torno a una disciplina– vinculada con los oficios artísticos y tradicionales (cerámica, la serigrafía, el grabado, la madera, textil, joyería, micro escultura, diseño, modelado…). Junto a técnicas más conocidas, un repaso a esta primera programación muestra algunas propuestas novedosas que inciden en el empeño de CEARCAL por abrir espacios de trabajo o complementar los que ya se llevan a cabo.

La financiación de estos cursos corre por cuenta de los alumnos aunque, dentro de su objetivo de promover la formación y el conocimiento del saber hacer artesano, el Centro Regional de Artesanía de Castilla y León ofrece unas cuotas de inscripción muy ajustadas en relación a la calidad de los cursos programados.

vía CEARCAL. FORMACIÓN. Información general.

FORMACIÓN CONTINUA

Los Beneficios de la Cultura

Del 29 al 31 de Marzo de 2010

NOSOTROS CREAMOS, NOSOTROS DECIDIMOS

Cumbre ciudadana para abrir las mentes de los ministros de cultura de la Comunidad Europea, que se reunirán en Barcelona en el marco de la Presidencia Española de la Unión Europea.

Los días 30 y 31 de marzo, los ministros de cultura de los 27 países de la Unión Europea (UE), invitados por la ministra española, Ángeles González-Sinde, se reunirán en Barcelona con motivo del Congreso de la Industria Cultural organizado por la Cámara de Comercio. El Congreso tiene el elocuente título “La economía de la cultura” y comienza el día 29 de marzo.

Visto el inequívoco enfoque que sugiere el título, la comunidad creativa y la sociedad civil, a pesar de no haber sido invitadas al evento, han organizado tres días de actividades para mostrar la cultura que proponen para la era digital: un modelo de cultura que beneficie a todos, ciudadanos y creadores: un modelo que incentive la creatividad y no sólo la recaudación y, sobre todo, que no ataque a Internet ni a las nuevas posibilidades que ofrece la Red a los creadores y a la sociedad en general.

Conscientes de que posiblemente hayan dejado fuera de su Congreso a la comunidad creativa y a la ciudadanía debido a la apretada agenda de los ministros, los ciudadanos hemos querido paliar esta laguna creando un evento paralelo: el (D’) EVOLUTION SUMMIT: Los Beneficios de la Cultura.

Invitamos a los ministros, a los participantes, a la prensa y a todos los ciudadanos y ciudadanas a participar en el (D’) Evolution Summit, para comprender lo que está pasando realmente con la cultura y los creadores.

Los horarios están planteados para que sea posible conciliarlos con la agenda del programa ministerial y en todo momento habrá personal cualificado para informarles.

El Summit Ciudadano (D’) Evolution, Los Beneficios de la Cultura, explica y ofrece soluciones legales prácticas a las nuevas problemáticas basándose en el documento internacional Carta para la Innovación, la Creatividad y el Acceso al Conocimiento que se ampara en la declaración del Comité de Derechos Económicos, Sociales y Culturales de la ONU [1].

Del 29 al 31 de marzo 2010 se retransmitirá en directo desde esta misma web todas las actividades del programa; un streaming permanente explicando lo que se dice en el congreso y en el encuentro de ministros y dando, las respuestas, propuestas y perspectivas de la ciudadanía, como si nos las hubiesen pedido.

En el programa se alternarán explicaciones detalladas de cuál sería la evolución hacia un modelo beneficioso para todos y cómo conseguirlo y ejemplos prácticos.

D’ EVOLUTION se divide en 6 áreas de acción:

- Nosotros(as) creamos nosotros(as) decidimos: (Click aquí)

Los artistas tienen que poder vivir de su trabajo si así lo desean

- El Cobrador del Track, reality show: (Click aquí)

Reparto justo de derechos de autor y reforma de las entidades de gestión.

- Compartir es necesario: (Click aquí)

Cómo proteger nuestro derecho a compartir, a citar y a enlazar en un mundo de individuos autónomos e interconectados

- Yo soy coproductor(a) de Vicky Cristina Barcelona: (Click aquí)

De como el dinero público tiene que repercutir en lo público y no ser privatizado.

- Nuevos modelos de beneficios: (Click aquí)

Los ciudadanos no somos el problema, somos la solución

Mangas Verdes dixit

- Internet no será otra TV: (Click aquí)

Defendemos la neutralidad en la red y nos encaminamos hacia Granada, próxima cita.

Los momentos explicativos:

Ministros, olviden el pasado y vengan con nosotros al futuro:

6 horas de vídeos explicativos de lo que se puede hacer y cómo. Con la participación de la ciudadanía y de expertos en la materia: Michel Bauwens (P2p Foundation), el Cosmonauta (Riot Cinema), YProductions, Hackta… Los vídeos abordan las 6 áreas temáticas anteriores con un lenguaje sencillo, para que cualquier ministro pueda entender lo que la sociedad civil viene manifestando desde hace años.

Ejemplos prácticos en acción por Barcelona:

- Entrega de música a las peluquerías vs. la avaricia no entiende de futuro.

- No pagaremos el Pato de una industria que se resiste a adaptarse a la realidad, por Leo Bassi.

- En busca de un amigo (norte)americano: buscando ayuda para hablar con el embajador de EEUU sobre el Informe 301.

- La ponencia que falta

- Querida ministra, queridos ministros, esto es lo que ustedes creen que está pasando y esto es lo que pasa:

actuaciones en directo de la comunidad creativa tal como es de verdad: Derivart, Màquina de Turing en concierto de libre descarga…,

*(Sin duda los ministros preferirán ver a la comunidad creativa en acción, antes que ir al Liceu a ver un espectáculo pagado con nuestro dinero, pero que nunca nos podremos permitir).

Punto de Información Permanente

29 de marzo 2010, de 11h a 21h en Conservas, (calle Sant Pau 58 bajos – Metro: Liceu – Barcelona)

30 de marzo 2010, de 11h a 21h en la plaza Fossar de les Moreres, (a pocos metros del congreso de los ministros -Metro: Jaume I o Barceloneta – Barcelona)

31 de marzo 2010, de 11h a 21h en Conservas, (calle Sant Pau 58 bajos – Metro: Liceu – Barcelona)

Teléfono: (+34)648 641 336

Del 29 al 31 de Marzo,

Retransmisión en directo las 24h

Sin interrupciones en esta misma web.

Organizan y/o participan:

Red SOStenible (nacional), FCForum (internacional), Only VIPs Barcelona (Redes creativas ciudadanas), eXgae, Avv Casc Antic, Creative Commons España, Grupo de Facebook del Manifiesto En defensa de los derechos fundamentales en internet, Associació d’Artistes Visuals de Catalunya, Telenoika, Màquina de Turing, Yproductions, Abg.do Carlos Sánchez Almeida, Javier Maestre Rodríguez, Conservas, Alqua, P2P Foundation, La Quadrature du Net, European Digital Rights, Electronic Frontier Foundation, Scambioetico, Open Standards Alliance, ScriptumLibre, Traficantes de Sueños, Students for Free Culture, Universidad Nómada, Foundation for a Free Information Infraestructure España, Networked Politics / Mayo Fuster, Leo Bassi, Miguel Brieva, Isaac Hacksimov, Espai Social Magdalenes, Electric Park, CulturaLibre, OffTv, Lectrovision, Angel Uzkiano, , AVV de l’Óstia, OVNI, Compartir Dóna Gustet, Taller de Músics, Radio Contrabanda, Hamsterloco, artistas y creadores de la Taberna del Escocés…

Y los cientos de ciudadanas y ciudadanos que han estado constantemente aportando sus habilidades y conocimientos para realizar estas acciones.

Financiado por:

El (D’) Evoultion Summit, los Beneficios de la Cultura está en parte financiado con el dinero del canon que algunos artistas han recibido de su entidad de gestión y que han decidido devolver a lo común, ya que consideran que no les pertenece.

Programa

Ver programa completo

[1] Comité de Derechos Económicos, Sociales y Culturales de la ONU [GE.06-40060 (E) 020206]. “Se considera que solamente el “autor”, a saber, el creador, ya sea hombre o mujer, individuo o grupo de personas, de producciones científicas, literarias o artísticas(…), puede ser beneficiario de la protección de los “intereses materiales” (Art. 15, párrafo 1 (c)). Bajo los regímenes de protección de los tratados internacionales existentes, las personas jurídicas también están incluidas entre los ostentadores de derechos de propiedad intelectual. Sin embargo, como se puede ver arriba, sus derechos, al ser de diferente naturaleza, no pueden protegerse a nivel de los derechos humanos”.

vía (D)Evolution Summit: “Los Beneficios de la Cultura”.

Internautas españoles preparan una cumbre alternativa a la de ministros de Cultura

Se trata de una acción de protesta contra la ‘ley antidescargas’

Los internautas movilizados contra la normativa antidescargas que alberga el proyecto de ley de Economía Sostenible han convocado una cumbre alternativa a la que celebrarán en Barcelona los ministros de Cultura a finles de este mes. La D-Evolution Summit propone seis áreas de actividad: Nosotros(as) creamos nosotros(as) decidimos (Los artistas tienen que poder vivir de su trabajo si así lo desean),El Cobrador del Track, reality show (Reparto justo de derechos de autor y reforma de las entidades de gestión),Compartir es necesario (Cómo proteger nuestro derecho a compartir, a citar y a enlazar en un mundo de individuos autónomos e interconectados),Yo soy coproductor(a) de Vicky Cristina Barcelona (De como el dinero público tiene que repercutir en lo público y no ser privatizado),Nuevos modelos de beneficios (Los ciudadanos no somos el problema, somos la solución) y Internet no será otra TV: (Defendemos la neutralidad en la red).

En el texto de la convocatoria se justifica la misma porque los ministros “posiblemente hayan dejado fuera de su Congreso a la comunidad creativa y a la ciudadanía debido a la apretada agenda” y los ciudadanos “hemos querido paliar esta laguna creando un evento paralelo”.

Los convocantes remitirán el programa a los ministros para que puedan participar en la misma y las actividades se ofrecerán en directo a través de webcam. Como iniciativa preliminar, las plataformas convocantes ya han enviado una invitación a los citados ministros. Entre los responsables de la iniciativa se encuentran, la plataforma Red Sostenible, el grupo de Facebook ‘Manifiesto En Defensa de los derechos fundamentales de Internet, Creative Commons España o eXgae.

vía Internautas españoles preparan una cumbre alternativa a la de ministros de Cultura · ELPAÍS.com.

NOW es un proyecto focalizado en las transformaciones científicas, tecnológicas, artísticas, sociales y espirituales que están teniendo lugar en el inicio del siglo XXI.

Un proceso de investigación, creación y difusión que pretende reunir diferentes agentes locales e internacionales implicados en las acciones y alternativas que promueven un cambio de paradigma en la sociedad de la información y el conocimiento y en las culturas globalizadas.

La primera edición de Now 2010 estará dedicada a tres temas: redes complejas, cultura móvil y masa crítica. Contará con la presencia de Philip Ball, Zzzinc, Ricard Solé, Invasive Code, Mobile Cells, Iñaki Amate, Genís Roca, Rudy de Waele y Fabien Girardin, y la colaboración especial de Dolo Beltrán, cantante de Pastora y Kònic Thtr.

La ciencia de las redes descubre una serie de propiedades universales inherentes a la totalidad de los sistemas tanto naturales como artificiales. La cultura móvil emerge como un instrumento de creación artística y desarrollo social, y el concepto de “masa” evoluciona de un ente social gregario y manipulable a un cerebro colectivo interconectado y con capacidad autoorganizativa.

Durante tres días, NOW 2010 ofrecerá conferencias, debates, talleres y documentales sobre tres temáticas clave de los profundos cambios a los que estamos asistiendo en la primera década del siglo XXI. Se proyectarán, entre otros, el documental The century of the self, de Adam Curtis y cortometrajes de varios festivales de cine portátil, y se organizarán talleres de videoclips y aplicaciones para móviles.

Horario de apertura del espacio:
Jueves 25, viernes 26 y sábado 27 de marzo, abierto desde las 11 hasta las 22 h

Para consultas y comentarios contactad con now@cccb.org

Entrada libre a todas las actividades
Inscripción previa a los talleres: tel. 933 064 135. C/e: seducatiu@cccb.org
El CCCB se reserva el derecho de modificar la programación por motivos de fuerza mayor.

CCCB
Montalegre, 5. 08001 Barcelona. Tel.: +34 933 064 100. www.cccb.org/now

jueves 18 de marzo de 2010

Cultura contra la crisis

ECL. Madrid. La ministra de Cultura, Ángeles González-Sinde, defendió ayer en Pajarrancas de la Alamedilla el valor de la cultura como método eficaz para afrontar de manera decidida las alteraciones económicas producidas por la crisis. En un circunloquio (mesa redonda) que tuvo lugar al final del IX Congreso “Cultura y arrepentimiento” promovido por la concejalía de festejos de Pajarrancas de la Alamedilla, la ministra señaló -con una libreta en la mano para no perder el hilo del razonamiento- que los problemas económicos por los que actualmente está atravesando el país tienen dos orígenes concretos: el primero, las avaricias de ciertos sectores financieros estadounidenses y británicos (Drake Brothers y Somalia Investing & Consulting), y, el segundo, un grave problema estructural de la economía patria: la construcción. Como poco se puede hacer contra países entrenados en el pillaje, la piratería y las mafias económicas, la señora ministra propuso un ambicioso proyecto para sustituir paulatinamente la burbuja de la construcción española por productos culturales que finalmente tengan el mismo peso.

En este sentido, todos los presentes alabaron las buenas intenciones de Julio Medem, autor de obras muy sólidas, como Los amantes del círculo polar o Lucía y el sexo, y que ahora propone otro trabajo también muy resistente: Room in Rome. En el campo cinematográfico, sin embargo, el gran promotor inmobiliario es Jaime Rosales, cuyo afortunadísimo matrimonio le permite hacer construcciones como La Soledad o Las horas del día. Otros cineastas proclives al ladrillo son Vicente Aranda, Bigas Luna, Jesús Franco (adobe) o Agustín Díaz Yanes.

Las editoriales de Santillana, siempre dispuestas a colaborar con las políticas gubernamentales, aportaron, como ladrillos sólidos, los trabajos de Javier Marías (¡ahora la trilogía en una caja!), de Lucía Etxebarría y de unos señores guatemaltecos de nombres compuestos. En el congreso, la ministra también alabó La catedral de las fátimas, Vientos del ocho, Anatomía de un viento, etcétera, y se ensalzaron nombres como Ángeles Caso, Juan Cruz, César Vidal, Aburres Izaguirre, Almudena Grandes y otros grandes productores de materiales para la construcción. En el transcurso del circunloquio, los expertos presentes afirmaron que confiaban mucho en la grumosidad del nuevo libro de Arturo Pérez-Reverte: El auxilio.

Todas las editoriales, en realidad, hicieron sus apuestas para contribuir a sustituir la construcción por la cultura, y aportaron sus planes con profusión de vigas en ojo ajeno, ladrillos, bóvedas y bobadillas, engrudos, cementos, y etcéteras. Vázquez-Figueroa, que combina a la perfección cemento y ladrillo, anunció seis o siete novelas para el próximo año; y el representante de Juan Manuel de Prada prometió una autobiografía que se titulará: Más baboso no se puede ser. También se dijo que había que potenciar todos los premios amañados, puesto que así se favorecía el negocio y se mantenía alejado de intrusos y advenedizos con nuevas ideas. Los periodistas de El Mundo, la Cope, Libertad Digital e Intereconomía aseguraron que seguirán publicando cosas, aunque no puedan llamarse propiamente libros (por eso una de sus editoriales se llama A la Espera de los Libros).

La ministra concluyó su oración de despedida proclamando, con los ojos en blanco, una suerte de profecía:

-Confiad en los ladrillos culturales: os llevarán más lejos de lo que jamás habríais imaginado. Si lo sabré yo.

vía El Corresponsal Literario: Cultura contra la crisis.

El director de la Tate Modern anuncia que dejará la dirección de la Tate el próximo verano

El secreto de su éxito quizá esté en dejar hablar al artista y cederle a éste todo el protagonismo, como explicó en una entrevista en El Cultural a las puertas de ocupar su puesto en la Tate: “Las líneas generales no me interesan. Lo que me interesa es lo particular. Corresponde al artista hablar de lo que le preocupa, de lo que le apasiona, de lo que le pesa emocional e intelectualmente. Yo voy siempre detrás del artista, nunca paralelo y nunca por delante.

( 16/03/2010 )

ELCULTURAL.es

La Tate Modern anunció el pasado lunes que el español Vicente Todolí, dejará la dirección del centro el próximo verano tras siete años ocupando el cargo. Precisamente este mes de mayo la galería más importante del Reino Unido y una de las más populares del mundo celebrará su décimo aniversario. Desde la isla solo llegan elogios, Nicholas Serota, una de las personalidades más poderosas de la cultura inglesa, el hombre que dirige los cuatro museos de la Tate alabó la “enorme contribución que Vicente ha hecho al éxito de la Tate Modern durante su periodo en Londres”. “Su distintiva visión -afirma- ha dado forma a la exposición de la Colección del centro, mientras que una serie de exposiciones han redefinido el modernismo temprano”.

Vicente Todolí (Valencia, 1958) fue el encargado de llevar la gran retrospectiva de Juan Muñoz a la Tate en 2008, durante su mandato también ha programado importantes exposiciones como las de Kandisky (2005); Albers y Moholy-Nagy: de Bauhaus al Nuevo Mundo (2006); Dalí y el Cine (2007); Duchamp, Man Ray, Picabia (2008); Rodchenko y Popova (2009) y la actual Van Doesburg y la vanguardia internacional: construyendo un nuevo mundo.

La Tate Modern anunció el fichaje de Todolí un 29 de mayo de 2002, cuando el español dirigía el museo Serralve de Oporto (Potugal), cargo que ocupaba desde 1996. Anteriormente, estuvo al frente del Instituto de Valenciano de Arte Moderno (IVAM), desde su puesta en marcha en 1986 y hasta 1996. En ambos centros su trabajo dejó huella, construyendo colecciones con un tinte conceptual, con piezas de los 60 y 70 que marcaban “un cambio sísmico en la cultura”. Al frente del Museo Serralve organizó muestras de James Lee Byars, Franz West, Gary Hill, Hamish Fulton, Lothar Baumgarten, Roni Horn, Claes Oldenburg, Coosje van Bruggen, Richard Hamilton/Dieter Roth y Francis Bacon. Avalado por su experiencia como comisario de grandes exposiciones también en España como las de John Baldessari (1989), James Rosenquist (1991), Richard Tuttle (1992), Tony Cragg (1992), Juan Muñoz (1992), Julião Sarmento (1994) y Pedro Cabrita Reis (1996), Vicente Todolí llegó a Londres por méritos propios tras un duro proceso de preselección y una serie de entrevistas, que formaban parte de un concurso abierto por parte del centro.

El secreto de su éxito quizá esté en dejar hablar al artista y cederle a éste todo el protagonismo, como explicó en una entrevista en El Cultural a las puertas de ocupar su puesto en la Tate: “Las líneas generales no me interesan. Lo que me interesa es lo particular. Corresponde al artista hablar de lo que le preocupa, de lo que le apasiona, de lo que le pesa emocional e intelectualmente. Yo voy siempre detrás del artista, nunca paralelo y nunca por delante.

vía Vicente Todolí, siempre detrás del artista.

Vicente Todolí acumula nerviosamente palabras que brotan al ritmo de disparos y rebotan sobre todos los ángulos. Le gusta el futbolín y apunta directamente a la portería. Todolí todavía está atrapado en los efectos posteriores a la inauguración de la exposición de Dieter Roth y Richard Hamilton la noche anterior. Roth es un artista anárquico que trabaja mediante arranques explosivos de energía y Hamilton un papa del pop inglés, más acerbo y frenético que sus primos americanos.

“Lo que hemos hecho -dice Todolí- es una exposición de dos grandes egos y, en efecto, no se puede ser artista sin tener un ego algo exagerado. Ellos dos han colaborado mucho pero un revival rancio nostálgico no sirve para nada. Ambos tienen esta fascinación por lo extraño y por todo lo que suscita curiosidad. Existía una admiración mutua, aunque los caminos no estaban escogidos sino encontrados. ¿Qué es lo que comparten? Quizá una actitud basada en el humor y la mala leche, y un trabajo resumido en una pregunta clave: ¿por qué no? Es decir, no hay nada prohibido. El proceso es siempre el mismo. Dieter coge una obra de Richard y la altera y sigue alterándola hasta que llega a obliterarla. Al llegar a este punto, Richard suele decir que no piensa firmarla, con un: ‘te has pasado, eso ya es tuyo’. En cada colaboración, Richard veía las jugadas y empezaba con material preparado con antelación ya que sabía que ante la habilidad de Dieter de cambiar de paso muy rápido, él tenía que estar preparado. Como si se tratara de una partida de ajedrez, Richard se prepara en casa antes y Dieter siempre la juega al instante. Pero, a la vez, los dos artistas tienen mucha obra que el otro no conoce. Si no hubieran colaborado anteriormente, una parte fundamental de su obra, centrada en esta capacidad de dialogar, se habría perdido. He intentado revelar aspectos que nunca se podrían ver en una exposición individual”.

Trabajar con Serota
Todolí está un poco cansado de escucharse después de tantas entrevistas, pero una vez involucrado en el torrente de percepciones, cortas y precisas, no hay manera de pararle. Escucha la mitad de la pregunta e intuye lo demás: “Hay gente que piensa que, cuando se repiten mucho, las cosas son verdad; para mí es al contrario: cuando se repiten demasiado, se convierten en huecas y son sólo caparazones vaciados de contenido. Al final se empiezan a poner en duda a base de repetirlas”.

El nombramiento como director de la Tate Modern lleva consigo implicaciones muy positivas: los circuitos sajones han tenido que mirar hacia el sur para encontrar l’ésprit du temps. Tanto en el IVAM como en Serralves el trabajo de Todolí ha dejado huella, construyendo colecciones con un tinte conceptual, con piezas de los 60 y 70 que marcan, a su parecer, un cambio sísmico en la cultura. Ahora tiene que enfrentarse con Nicholas Serota, una de las personalidades mas poderosas de la cultura inglesa, el hombre que dirige los cuatro museos de la Tate. No va a ser una tarea fácil ya que la subvención estatal, aunque sigue siendo de unos 43 millones de euros, empieza a flaquear como consecuencia de la crisis económica. Para este puesto suculento al final se barajaron cuatro nombres, el de Todolí y los de otros tres candidatos: Paul Schimmel, Ricard Calvocoressi y otra persona cuya identidad no ha sido revelada. ¿Cuál fue el proceso de selección para este puesto?

-Fue un concurso abierto al cual todo el mundo podía presentarse: un proceso de preselección y una serie de entrevistas. Hubo además una serie de acercamientos tentativos para saber de tu disponibilidad, para ver si te interesaba o no presentarte para el puesto. De todas formas, todo lo que rodea un nombramiento de este tipo sigue siendo bastante agotador, ¡espero no tener que hacerlo de nuevo! En cuanto a Serota, le tengo un gran respeto y el respeto suele dar resultados positivos. Ambos tenemos campos muy específicos en los cuales trabajar pero hay zonas que forzosamente se solapan.

Contador de historias
-¿Qué piensa de las políticas culturales autonómicas y de las colecciones que suelen repetirse en lugar de distinguirse: siempre los mismos nombres, la mayoría sin contar aún con el beneplácito de la historia?
-Hace siete años que no vivo en España. Voy al MACBA con cierta frecuencia porque soy asesor, pero me entero muy poco del resto. Es cierto que las colecciones se asemejan y hay modas peligrosas y poco fundamentadas que empujan a la compra en ciertas direcciones. Una de las piedras angulares que guían mi vida profesional es que para decir lo que ya está dicho, mejor callarse. Eso es una máxima básica. Las colecciones han de contar historias,en minúscula, que no hayan sido contadas, y relatarlas de manera diferente desde un lugar o una situación donde tenga sentido, tanto para la comunidad en la que están como para el resto de la comunidad artística y del público. Por formación soy un historiador y por vocación soy un contador de historias.

-¿Cómo ve la situación del arte español en los 80-90? Sus inclinaciones más claras han sido hacia la obra de Juan Muñoz y Juan Uslé. Es una lectura que corresponde sin duda al consenso de la crítica internacional y no tanto al orden de preferencias nacionales, donde ciertas figuras no tienen que hacer más que cambiar de silla para que “El País” les dé dos paginas. ¿Por qué no logramos introducir más figuras, ya que las tenemos, en los circuitos internacionales?
-Son maniobras político-culturales complejas. Francia, por ejemplo, hizo un esfuerzo tremendo por lanzar artistas pero no dio un resultado especialmente significativo, ya que no hay tantos artistas franceses en los foros internacionales. No existe una fórmula para llegar al éxito internacional o penetrar en el mercado o en el propio sistema de arte más amplio. Es un campo misterioso. Las fórmulas intervencionistas son carísimas y no funcionan. Lo vivimos nosotros en los ochenta a través del Ministerio de Cultura. No dan ninguna garantía. Lo que debemos hacer a mi parecer es ahorrar dinero, no hacer ningún baile extravagante y apoyar iniciativas que surjan desde foros profesionales en lugar de proponerlas como packages.

»Como dice, Muñoz y Uslé son sin duda las dos figuras más establecidas, por sus méritos, y cuentan con un amplio apoyo internacional. En los 80 había una gran euforia. Cualquier país que sale de una situación de cerrazón, de dictadura, tiene un momento, digamos, en el que las ideas confluyen y se convierte en el foco de atracción. Innegablemente es una energía abundante, pero también es una gran ilusión que corre el riesgo de convertirse en fuegos de artificio. Que los enciendes y después ¿qué queda? Es pasajero. Pero yo no me he planteado mucho el problema nacional porque creo en el individuo y no en la tribu. Creo en las asociaciones de los individuos y ahora resulta que tenemos en Serralves a dos ingleses, a Francis Bacon y a Steve McQueen, junto con otro artista alemán, Thomas Ruff. La gente va a pensar que soy un filogermánico o filosajón. Sin embargo, los he elegido como individuos, ni siquiera pensé que Ruff era del mismo país que Tobias Reberger, a quien acabamos de clausurar. Nada de eso tiene la más mínima importancia para mí.

La línea “nacional”
Todolí dimitió del IVAM porque insistió en su independencia para tomar decisiones sobre la programación. A pesar de sus diferencias momentáneas con Juan Manuel Bonet, él siempre ha seguido una línea de acción muy clara, sobre todo en su defensa de lo nacional y en su compromiso de construir y aclarar la historia de nuestra modernidad. Pienso en las exposiciones dedicadas al ultraísmo o a Ramón Gómez de la Serna. Parece increíble que hayamos tenido que esperar tanto tiempo para obtener un acercamiento a nuestra única manifestación de la vanguardia o a una figura cuya originalidad se podría comparar quizá a la de Apollinaire, en el sentido de su visión inventiva del mundo y la amplitud de sus innovaciones lingöísticas. Esta forma de actuación cumple con una de las responsabilidades de un museo nacional: ordenar la historia. Por ejemplo, ¿qué es lo que valía de El Paso, de la Escuela de Cuenca o del Realismo Madrileño?

-Obstinarse en lo nacional es una manera de auto-limitarse de un modo, primero innecesario, segundo miope. Yo no creo en productos nacionales. No se pueden poner puertas a la actividad creativa. Para mí, cualquier museo que tenga como agente definitorio la palabra nacional, me parece que es una visión reduccionista y nacionalista en el peor sentido del término. No le veo ningún sentido a un museo de arte español, de arte valenciano, castellano, o a un museo de arte inglés. Incluso en la Tate Britain, la colección es internacional, lo que ocurre es que se ha desgajado en dos, una la colección internacional hasta el siglo veinte, la otra hasta hoy en día: una a un lado del río y otra al otro. Muy distinto del caso del Whitney Museum of American Art que se ha encontrado en una trampa.

»El contexto forma e informa y se ha de tener en cuenta el peso especifico de la cultura a tu alrededor. En el IVAM quizá hubiera entrado en algo semejante relacionado con la historia de la comunidad, quizá hubiera dicho: es mi obligación. Ya que, si cada museo ha de lidiar con su propia comunidad y con una segunda que es la española, entonces qué nos queda para el resto. Es decir, hay cierto deber ético de cumplir con la comunidad, con la nación, pero las dos juntas son sólo una parte pequeña del conjunto de lo que hay en el Arte Contemporáneo. Siempre he ido a los sitios solo, sin bagajes; cuando llegué aquí, a Serralves, dije: yo ahora soy un portugués más, voy a trabajar para vosotros. De hecho, únicamente ha habido dos invitaciones a españoles: Cristina Iglesias y Juan Uslé.

»Por supuesto hay que revisar tu tradición, leerla críticamente. Se han de revisitar todos aquellos campos donde se sembraron semillas que, queramos o no, han sido las que han ido creando la situación en la que nos encontramos. España y Portugal, por ejemplo, no llegan ni a una cincuentésima parte del mundo y si a esto le das la mitad del programa, te crees que el país es la mitad del mundo,¡ por favor! No voy a intentar presionar a la gente para que acepte a un artista porque sea de interés para nosotros como españoles si no lo es para ellos como portugueses o ingleses. Creo que hay artistas que tienen un interés internacional y nosotros los hacemos. Pero no somos agentes propagandísticos. En España en los años 80 sí había una situación de cierto interés; ahora es el arte mexicano, el suramericano y el africano. Y después éste también pasará. Estoy totalmente en contra de las exposiciones de arte nacional. Nunca las he hecho y nunca las haré. No me interesan. Pienso que son contraproducentes, y que son malas para los artistas.

-¿Cómo ve la desaparición del Centro del Carmen, de Valencia?
-La desaparición del Carmen, y te lo digo sin reservas, me parece el resultado de una actitud estalinista que cancela la memoria de la cultura. El Carmen fue un sello único del museo, de su frescura, de su voluntad de apostar, de su particularidad. El museo y el Carmen son gemelos siameses. Separarlos no sólo no tiene sentido, sino que derrumba de un plumazo lo que costó años, esfuerzo y dinero conseguir. Cerrarlo ha sido consecuencia de una prepotencia ciega e ignorante.

-¿Qué le parece la situación galerística española?
-Hay galerías que se mueven en un contexto internacional, sobre todo a nivel de ferias, y con cierto empeño en conseguir intercambios, aunque también hay que decir que recibimos más que enviamos. Nuestro mercado no es de los más poderosos. De todas maneras, pienso que sin una política cultural estatalmente dirigida los resultados seguirían siendo los mismos. No estoy muy seguro de que las ayudas económicas sean estímulos. Holanda es un caso muy conocido de una inversión sustancial con muy pobres resultados. Lo que sí es cierto es que los lugares donde hay una actividad cultural intensa se convierten en foros donde la creatividad encuentra el ambiente de fermentación adecuado.

Un puesto temporal
-Dejemos nuestro circo particular para hablar de su papel en la Tate Modern. Se trata de un tremendo reto ya que es una institución emblemática de un proyecto nacional cultural y político. ¿Qué es lo que pretende hacer?
-Yo soy, de hecho, un comisario, un curator, un editor, no un director. Mi papel es similar al de un productor de cine que a la vez es montador de la película. He trabajado como director artístico y director. Y éste es el precio que he pagado para tener la libertad de elaborar el programa y concebir, y en parte conseguir, la colección que he querido. Hablando claro, soy sobre todo un curator, además, el puesto de director es siempre temporal. Nunca podría ser un simple ejecutor, por eso me fui del IVAM. Incluso en las exposiciones que no he comisariado siempre he elegido al comisario que me parecía que mejor la podía hacer.

-¿Cuál es el papel del arte dentro de las nuevas complejidades del mundo globalizado, en el cual aumentan las diferencias entre pobreza y riqueza? ¿Le parece que la vuelta hacia temáticas sociales es casi inevitable dadas las circunstancias geopolíticas y económicas? ¿De qué más van a hablar los artistas en el cono sur si no es de la violencia, la corrupción, y el derrumbamiento de la sociedad y sus valores?
-Las líneas generales no me interesan. Lo que me interesa es lo particular. La tendencia a lo social que acabas de mencionar es una elección. Corresponde al artista hablar de lo que le preocupa, de lo que le apasiona, de lo que le pesa emocional e intelectualmente. Yo voy siempre detrás del artista, nunca paralelo y nunca por delante. Me puede interesar más o menos pero lo que no se puede cuestionar es la libertad de actuación del artista. Tomemos por ejemplo el caso de Lygia Clark que empieza como una artista constructivista a la manera de Max Bill, pero después pasa a unas experiencias más ligadas al cuerpo, a un mundo sensorial, casi de psico-drama. El hecho de que ella trabaje en un mundo social y Agnes Martin en uno más íntimo y cerrado, no añade ni quita valor. El hecho de que ella trabaje en un mundo social no añade ni quita valor. Al final, lo que me interesa es la obra, hable de lo que hable. El artista no puede ser inmune a lo que pasa a su alrededor, pero trabajar en lo social no debe ser nunca un valor añadido.
-¿Cuáles fueron sus reacciones frente a la última Documenta? ¿Hasta qué punto le pareció una muestra políticamente correcta, elegida bajo los criterios de cierto estilo neoyorquino del global chic con el énfasis puesto en el vídeo y el cine?

Arte con etiqueta
-Sí, vi la Documenta. Para mí los medios y los vehículos son como si alguien escribe en letra times o en letra gótica. A mí eso no me interesa. El arte es inmaterial, y se expresa en el medio físico que el artista elige. Yo únicamente seguí un orden de visita, y sólo cuando llegue a la Bindingbraverei, dije: ¡Ah!, finalmente han dado la voz a los artistas en lugar de a los comisarios. No en el sentido de que lo otro no sea arte. Yo no soy quién para decidir qué es arte y qué no es arte, pero sí para decir lo que me interesa y lo que no. Al final lo encontré ahí, un poco en la Kulturbahnhof y mucho menos en el Fridericianum; en el Documenta Halle nada, cero. El arte que me interesa debe trascender el sujeto y el objeto. Vi muchos documentales que normalmente veo en el “National Geographic”, digamos que vi demasiado arte con etiqueta, al que yo denominaría, no socialismo realista, sino “sociologismo realista”. Si un artista elige predicar, puede hacerlo, pero no debe quedarse sólo con la prédica, con la coartada. Para que interese, para que trascienda, ha de haber algo más. Y el problema es que muchas veces no lo encontraba. La experiencia visual es insustituible y sin esta experiencia no hay Documenta. Puede atacar a la cabeza, al corazón, a los intestinos, a donde sea, pero ha de haber una experiencia sensorial. Ha de haber una intencionalidad estética. La Documenta siempre da la sensación de pretender explicar el mundo y eso me parece absurdo.

-¿Tiene ya definida, para este nuevo proyecto británico, una serie de líneas conductoras? ¿Va a tener un papel en la elección de piezas para la colección?
-Aún estoy metido de lleno en las exposiciones de Francis Bacon, Steve McQueen y Thomas Ruff en el Serralves. Si supiera lo que iba a hacer sería un mal director. Cuando vaya a Londres y comience con mi compromiso en el museo, será el momento en que me impregne del lugar. Eso no va a definir el programa, pero dará muchas pautas que harán que el programa no sea sólo huesos sino también carne y nervios. Y otro factor fundamental es la colección. Sin ser consciente de la colección, que es la propia memoria del museo, difícilmente puedes empezar a funcionar. Hay que sumergirse en ella y eso exige tiempo. Por otra parte, hay que entrar en contacto con la comunidad y eso también requiere tiempo.

-Inglaterra tiene una sociedad multirracial con un porcentaje significativo de la población que es consecuencia de su pasado colonial. Las relaciones de las instituciones con el arte producido por este segmento de la población han sido muy espinosas. ¿Piensa abrir las puertas hacia una mayor participación?
-¡En la Tate ahora tienes a Orfili con las pelotas de mierda de elefante! No se debería funcionar con un sistema de cuotas a la americana. No tiene sentido esta necesidad de cumplir con la cuota. Es una imposición que ata innecesariamente. El año que viene vamos a hacer una exposición aquí en Serralves de Mangelos, un artista croata ya fallecido. Se podría preguntar ¿y por qué este artista? Precisamente porque es bueno y poco conocido. En Inglaterra tendré que empaparme del clima cultural, acumular un equipaje para poder actuar de manera eficaz. ¡En armonía interrogativa!

Kevin POWER

>Vicente Todolí deja su puesto al frente de la Tate Modern elpais.com
>Todolí deja la dirección de la Tate Modern diariosur.es
>Vincente Todolí leaves Tate Modern artreview.com
>Tate Modern Director Steps Down artforum.com
>Vicente Todolí to leave London Tate Modern in summer thinkspain.com

>Vicente Todolí reconoce dejar la dirección del Tate de Londres por desgaste publico.es
>Vicente Todolí: “Mi ciclo había llegado a su fin” entrevista elpais.com

MADRID DIARIO
EL PAIS

TABACALERA LAVAPIÉS

Visitas guiadas, nueva propuesta de trabajo. Lado Sur. 26/01/2010 – Fotos de Santiago Ochoa

La ministra de Cultura defiende que el inmueble “sea utilizado simultáneamente mientras se desarrollen las obras”

MADRID, 16 (EUROPA PRESS)

Vecinos de la Red de Colectivos de Lavapiés utilizan desde hace unos días el edificio de Tabacalera, situado en la calle Embajadores de Madrid, como centro autogestionado, donde realizan actividades sociales, hasta que terminen las obras del Ministerio de Cultura para convertir este inmueble en sede del Centro Nacional de Artes Visuales.

En declaraciones a los medios de comunicación antes de entrar a la reunión del Patronato del Museo Reina Sofía, la ministra de Cultura, Ángeles González Sinde, manifestó que la idea es que el centro, “en la medida en que se pueda, sea utilizado simultáneamente mientras se desarrollen las obras”.

“Es un asunto que trataremos en otro momento, porque quien mejor conoce este tema y puede contarlo con más detalle es la directora general de Bellas Artes. El Centro Nacional de Artes Visuales es un proyecto muy bonito. Lo ideal es que el edificio se utilice paralelamente a esas obras. Iremos viendo con los arquitectos en qué medida se puede hacer”, agregó.

No obstante, responsables del centro autogestionado señalan que en una reunión con el Ministerio de Cultura del día 3 de marzo les facilitó “acceso libre al edificio para comenzar a organizar los grupos que tienen más urgencia por intervenir”.

En los últimos días, las labores de los vecinos se centran en los trabajos de acondicionamiento de seguridad, con un acceso restringido, sin actividad pública y que sería el tiempo de organización inicial en grupos de trabajo que preparen y piensen.

La segunda fase consistirá en el acondicionamiento colectivo del espacio y sesiones, talleres y reuniones de discusión y diseño de las líneas principales de definición del funcionamiento, ordenación y gestión del espacio.

“Entendemos que esto va a ser un proceso permanente, pues uno de los objetivos del “experimento” es tratar de diseñar un modelo participado de gestión democrática de la producción social, política y cultural, sobre el valor de lo común y la cooperación”, indicaron.

La última fase, que se realizará después de Semana Santa, será la apertura al público. Para ello, el centro social pondrá en marcha actividad.

Pero antes, mañana mismo, los vecinos celebrarán una reunión con los ex trabajadores de la Antigua Fábrica de Tabacos, “que en muchos casos se reencontrarían con ese fantasma luego de diez años”.

vía Vecinos transforman el edificio de Tabacalera en centro social hasta que se convierta en Centro de Artes Visuales – Cultura (general) – Noticias, última hora, vídeos y fotos de Cultura (general) en lainformacion.com.

Las imágenes de la asamblea en Traficantes de Sueños son de Victor Caviano del colectivo Cronotopo

Últimas noticias aparecidas  en los medios sobre el proceso de La Tabacalera:

• Autogestión en Tabacalera (El País)
• El antiguo edificio de Tabacalera, ‘Centro Social Autogestionado (El Mundo)
• La Tabacalera abrirá en abril como centro autogestionado (15/03/2010)(Madrid Diario)
• ¿Arte alternativo impulsado por el Ministerio de Cultura (02/02/2010) ( El Mundo)

Fotos de Victor Caivano

IR A CAPTURANDO LA TABACALERA

LA MEMORIA DE LAS CIGARRERAS

La Tabacalera.net

Centro Social Autogestionado en la antigua fábrica de tabacos de Lavapiés

Para mañana miércoles 17 de marzo se había fijado una cita con los y las ex trabajadores de la Antigua Fábrica de Tabacos. Como sabéis se trataba de una visita muy especial, ya que además ser ellos quienes nos guiarían por el espacio, en muchos casos se reencontrarían con ese fantasma luego de diez años.

Pues bien, estamos todos de acuerdo en que semejante ocasión merece un mínimo de preparación que hasta el momento solo ha tenido lugar en forma lluvia de ideas por medio de esta lista. Entonces, haremos algo al respecto de ello, cambiando el género de reunión del día de mañana:

Grupo de Documentación y Comunicación: Organización de la Recuperación de la Memoria de LT
Reunión de trabajo preparatoria: 17 de marzo 2010 a las  16h.30.
Misma localización entrada central de La Tabacalera de Lavapiés.
Puntualidad, acceso por identificación (DNI)

Propuesta de trabajo y objetivos:

1. Llevar a cabo un documental sobre la vida y uso del edificio, su relación con el barrio, con la historia de la ciudad.
2. Montar una instalación permamente de vídeo, texto, etc. en el espacio de La Tabacalera de Lavapiés y en la red.
3. Proponerles llevar los domingos el baile popular de La Tabacalera (La Perla de la Cigarreras). Documentar el proceso de su puesta en marcha como grupo, si es que aceptan la propuesta.

Nos vemos.
D.