Talleres online de Arte Multimedia

Visions of Art: Contemporary Art e-learning platform
www.visionsofart.org
info@visionsofart.org

Visions of Art presenta:
4 talleres a distancia de Arte Multimedia
Imparten: Daniel Palacios, Mario Asef, Andrea Coyotzi y Roberto Cárdenas
Fecha límite de inscripciones: 9 de Noviembre de 2011

Berlín – Iberoamérica
info@visionsofart.org
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01. Instalaciones Interactivas: Introducción a la programación y electrónica con Arduino
Del 17 de Noviembre al 15 de Diciembre de 2011
Información completa: http://www.visionsofart.org/interactivos.html

El curso teórico-práctico abordará el uso de la tecnología en el arte, sirviendo como una iniciación a la programación para usos creativos y a la electrónica digital aplicada al arte. Los participantes desarrollarán una pieza interactiva que se discutirá tanto a nivel estético, conceptual, tecnológico y en relación con el usuario

Imparte: Daniel Palacios
Duración: Del 17 de Noviembre al 15 de Diciembre de 2011
Fecha Límite de Inscripción: 9 de Noviembre de 2011
Costo: Un taller: €145 (200 dls.) / Dos talleres 125€ c/u, 3 Talleres 110€ c/u
Para inscribirse llenar la siguiente solicitud: http://www.visionsofart.org/admisiones/forma-de-aplicacion.html
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02. La construcción del espacio acústico: Taller de Arte Sonoro
Del 14 de Noviembre al 16 de Diciembre de 2011

Información completa: http://www.visionsofart.org/artesonoro.html
El taller se centra en el estudio del sonido como medio de expresión y comprensión del entorno. Se impartirán clases introductorias al arte sonoro, acompañadas de ejercicios de escucha y un trabajo final de composición.

Imparte: Mario Asef
Duración: Del 14 de Noviembre al 16 de Diciembre de 2011
Fecha Límite de Inscripción: 9 de Noviembre de 2011
Costo: Un taller: €145 (200 dls.) / Dos talleres 125€ c/u, 3 Talleres 110€ c/u
Para inscribirse llenar la siguiente solicitud: http://www.visionsofart.org/admisiones/forma-de-aplicacion.html
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03. Video instalación: Exploraciones Narrativas y nuevos medios
Del 19 de Noviembre al 17 de Diciembre 2011

Información completa: http://www.visionsofart.org/videoinstalacion.html

En este taller teórico práctico, abordaremos la video instalación como una extensión narrativa del video-arte, estudiando la utilización de recursos espaciales.
En los apartados teóricos del taller, se analizará el papel del sujeto y su posición como productor, espectador y usuario. En el apartado práctico se realizarán piezas que combinen el uso de video en con otras disciplinas, tomando en cuenta el video en su carácter espacial-objetual.

Imparte: Andrea Coyotzi Borja
Duración: Del 19 de Noviembre al 17 de Diciembre de 2011
Fecha Límite de Inscripción: 9 de Noviembre de 2011
Costo: Un taller: €145 (200 dls.) / Dos talleres 125€ c/u, 3 Talleres 110€ c/u
Para inscribirse llenar la siguiente solicitud: http://www.visionsofart.org/admisiones/forma-de-aplicacion.html
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04. VJ & Live Cinema : Aplicaciones artísticas del video en vivo
Curso de teoría y práctica del video en vivo
Del 18 de Noviembre al 20 de Diciembre de 2011

Información completa: http://www.visionsofart.org/vj.html

En este curso se mostrarán los elementos básicos de la producción de video en vivo (VJ / Live Cinema) orientado al arte contemporáneo, haciendo una revisión sobre el estado actual de la escena audiovisual.

En este terreno, el video en vivo cobra importancia como respuesta a una exigencia dentro del medio audiovisual y los discursos de apropiación, postproducción, cultura remix e hiperconsumismo que se encuentran presentes en el lenguaje del arte actual.

Imparte: Roberto Cárdenas
Duración: Del 18 de Noviembre al 20 de Diciembre de 2011
Fecha Límite de Inscripción: 9 de Noviembre de 2011
Costo: Un taller: €145 (200 dls.) / Dos talleres 125€ c/u, 3 Talleres 110€ c/u
Para inscribirse llenar la siguiente solicitud: http://www.visionsofart.org/admisiones/forma-de-aplicacion.html

vía w3art – la ::comunidad artística:: online.

Dates: del 19 al 22 d’octubre de 2011

Contingut:

El seminari de recerca Narratives Biogràfi ques en la Història de l’Art s’emmarca en les activitats per la commemoració històrica del cinccents aniversari del naixement de Giorgio Vasari, arquitecte, pintor i tractadista toscà al qual es deu la incorporació de la tradició clàssica de la biografi a al camp artístic. Les Vite es van publicar en la primera edició el 1550, i malgrat el seu caràcter fortament partidista en benefici dels pintors, escultors i arquitectes toscans, no només van contribuir a incorporar els artistes a l’àmbit dels personatges il·lustres i a difondre els procediments tècnics i plantejaments teòrics de l’època, sinó a afi rmar un gènere històric, el de les vides primer i el biogràfi c després, que ha continuat fi ns a l’actualitat amb una vigència renovada, especialment després del desencís de la modernitat per les grans narratives i la reivindicació del subjecte personal en el camp de les ciències socials i humanes. L’objectiu bàsic del seminari és reconsiderar les Vite de Vasari en el seu context i en la seva visió d’època, i analitzar de quina manera el gènere biogràfi c, com a font històrica, ha estat i és fonamental en el procés per conèixer la creació artística. Tenint en compte que en els últims anys del segle XX i inici del XXI la història i els estudis visuals s’han produït en l’àmbit d’una cultura cada vegada més globalitzada, es fa necessària una recerca basada en l’aplicació de metodologies i marcs teòrics rigorosos i no reductors ni en allò cronològic, ni en allò cultural, ni pel que fa al caràcter dels procediments, mitjans i estratègies emprats.

PROGRAMA DEL SEMINARI:

Dimecres 19

Primer panell: La biografia com a mètode en el camp de la història de l’art

Lloc:Aula Magna de l’Edifici Històric de la Universitat de Barcelona (Pl. Universitat)

9:15. Presentació del seminari per les autoritats acadèmiques

9:45.Giorgio Vasari, le Vite e il genere del ritratto

Alessandro Nova, Kunsthistorisches Institut in Florenz

PAUSA

11:15. Per una geografia e storia della prima edizione delle Vite vasariane

Barbara Agosti, Università degli Studi di Roma Tor Vergata:

12:30. Deus pictor. La biografia dels pintors religiosos.

Sílvia Canalda, Universitat de Barcelona, ACAF/ART

PAUSA

16:00. Los personajes están vivos. Modelos y espectáculo en el cine biográfico.

Ángel Luis Hueso, Universidad de Santiago de Compostela

17:30. Projecció de la pel·lícula Andrei Rublev d’Andrei Tarkovsky.

Presentació crítica d’Ángel Luis Hueso. Universidad de Santiago de Compostela.

Dijous 20

Segon panell: Vides i biografies

Lloc:Aula Magna de la Facultat de Geografia i Història de la Universitat de Barcelona (Montalegre 6, 4rt pis)

9:15.La stesura delle Vite di Vasari.

Marco Ruffini, Northwestern University, Chicago

10:30. Vasari i els artistes al marge de la divinitat: recuperacions biogràfiques.

Cristina Fontcuberta, Universitat de Barcelona ACAF/ART

PAUSA

11:45. El valor conceptual del proyecto arquitectónico según el pensamiento vasariano y su ilustración en el Libro de’ Disegni.

Carme Narváez, Universitat de Barcelona, ACAF/ART

13:00. Francisco de Holanda y Vasari.

Eloi de Tera, Universitat de Barcelona, ACAF/ART

PAUSA

16:00. La biografía en la construcción de la literatura artística en China.

Isabel Cervera, Universidad Autónoma de Madrid

17:30. Projecció de la pel·lícula Sunflower (Xiàng rì kúi) de Zhang Yang.

Presentació crítica de Manel Ollé, Universitat Pompeu Fabra.

Divendres 21

Tercer panell: Particularitats biogràfiques

Lloc:Aula Magna de la Facultat de Geografia i Història de la Universitat de Barcelona (Montalegre 6, 4rt pis)

9:15. Vasari a Palazzo Vecchio.

Antonio Pinelli, Università degli Studi di Firenze

10:30. Simon sanese i companys a l’obra de Vasari.

Rosa Alcoy, Universitat de Barcelona

PAUSA

11:45. El pintor en el seu estudi. Maneres de veure’s, maneres de representar-se.

Rosa Creixell, Universitat de Barcelona, ACAF/ART

12:30. Eugeni d’Ors i el model de les Vite de Vasari: El curs sobre Miquel Àngel a Terrassa.

Mireia Freixa, Universitat de Barcelona

13:15. El artista y el escritor. Biografía y ficción en las novelas de artista del siglo XIX.

Isabel Valverde, Universitat Pompeu Fabra, Barcelona

PAUSA

16:00.La Roma del Grand Tour: la formación de los artistas españoles durante el tercer cuarto del siglo XVIII. El taccuino de Antonio Primo.

Raquel Gallego, ACAF/ART

17:15. Sobre el viaje a Roma. El caso de Domingo Álvarez Enciso.

Joan Sureda, Universitat de Barcelona, ACAF/ART

18:30. Presentació del llibre Cartografías visuales y arquitectónicas de la modernidad i del projecte ACTA/ARTIS Estudis d’Art Modern.

Dissabte 22

Quart panell: Altres Vasari, altres biografies

Lloc:Auditori de la Universitat Pompeu Fabra, Àgora Jordi Rubió i Balaguer, Campus Ciutadella (Ramon Trias Fargas 25-27)

9:15. Karel van Mander, teórico y pintor.

Eva March, Universitat Pompeu Fabra, Barcelona, ACAF/ART

10:15. Los pintores de la Reforma en el Schilder-Boek.

Ariadna Sotorra, Universitat de Barcelona, ACAF/ART

PAUSA

11:30. De Palomino a Ceán. Narratives biogràfiques en el segle XVIII hispànic.

Joan Ramon Triadó, Universitat de Barcelona, ACAF/ART

12:30. Mecanismos vasarianos de reflexión intelectual en la literatura artística y arquitectónica hispánica de los siglos XVI-XVIII.

Juan Miguel Muñoz, Universitat de Barcelona, ACAF/ART

13:30. Del document a la narrativa social. Biografia del comerç artístic a la Barcelona del set-cents

Anna Vallugera, Universitat de Barcelona, ACAF/ART

PAUSA

16:00. El document com a font de narracions biogràfiques: el cas de Francesc Pla, El Vigatà.

Rosa Maria Subirana, Universitat de Barcelona,ACAF/ART

17:15. Entre la cort i l’Acadèmia: apunts biogràfics del pintor Pere Pau Montaña

Laura García Sánchez, Universitat de Barcelona, ACAF/ART

18:15. CLAUSURA DEL SEMINARI: Giorgio Vasari y sus fortunas críticas.

Juan María Montijano, Universidad de Málaga

vía ACAF-ART/Activitats.

Investigadores analizan en Barcelona la figura de Vasari y su obra ;Las Vidas;

vía Investigadores analizan en Barcelona la figura de Vasari y su obra ‘Las Vidas’.

vía Residencia en el taller de Grabado Electrolítico | Alfonso Crujera.

http://www.crujera.com/

El próximo 11 de octubre comenzará en Madrid el curso de cinco sesiones El cerebro y la mente creadora, organizado por el Colegio Libre de Eméritos e impartido por el neurólogo y humanista Alberto Portera.

sigue…

vía Curso sobre neurociencia y arte: el cerebro y la mente creadora.Hoyesarte.com

El cerebro y la mente creadora

Alberto PORTERA

vía Colegio Libre de Eméritos :: CURSOS PRESENCIALES :: El cerebro y la mente creadora.

Os pasamos información detallada sobre el curso que vamos a realizar en nuestro espacio centrado en la investigación e innovación en cultura y en herramientas para su análisis y gestión. Estamos muy ilusionados de poder desplegar conjuntamente estos contenidos que enmarcan tanto nuestra actividad diaria como nuestra visión del contexto en el que trabajamos. Contaremos con invitados de lujo (como Carolina Botero, Guifi.net, Goteo.org y Antonia Folguera) que participarán en algunas actividades públicas incluidas en el calendario del curso. El periodo de matrícula ya está abierto, la sesión inaugural del curso es el 22 de septiembre y el período de matriculación es hasta el viernes 23.

A continuación, toda la información sobre el curso:

1. Orientación del curso

La esfera cultural ha sufrido grandes cambios tanto en las formas de producir, difundir, gestionar cultura y, sin duda, de consumirla. También han mutado los actores que conforman este campo social y sus relaciones con un ámbito del que tradicionalmente parecía antagónico como es el económico. Esto ha supuesto una transformación del ideario de las políticas públicas centradas en cultura y en las formas de entender la cultura por parte del propio sector. ¿Es la cultura un derecho o un recurso? ¿Qué tipo de iniciativas y reivindicaciones se desarrollan desde el espacio social? ¿Qué papel debe jugar el sector privado y la emprendiduría en esta nueva realidad? ¿Qué proyectos se están llevando a cabo en este realidad y cómo se gestionan?

Fijando la mirada en este nuevo paradigma, queremos centrar este curso en dos ejes fundamentales: la innovación y la investigación en cultura. Las sesiones serán conducidas por miembros de ZZZINC, plataforma formada por comisarios, periodistas, profesores universitarios, investigadores independientes y productores culturales. En todas las sesiones se darán herramientas teóricas y ejemplos prácticos de los temas abordados.

2. Dirigido a: personas que quieran empezar a gestionar o estén gestionando iniciativas, proyectos y/o empresas de carácter cultural y que estén interesadas en comprender las nociones, códigos y formas que configuran el panorama de la cultura contemporánea.

3. Lugar: ZZZINC (C/Sant Vicenç nº33 local derecho) Mapa aquí (Metro L1 Universitat / L2 Sant Antoni)

4. Calendario

Días: Martes y jueves a partir del 22 de septiembre hasta el 20 de octubre

Horario: 18.30-20.30

5. Matrícula:

150€/persona

Período de matriculación: hasta el Viernes 23 de septiembre

Contacto: info@zzzinc.net (933 015 305)

6. Contenido de las sesiones

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jueves 22 de septiembre. 18.30-20.30h (actividad pública)

Presentación del curso y confererencia inaugural de Carolina Botero, “Cultura libre y procomún de la gente sin historia”

Un marco legal de derecho de autor reforzado durante el siglo XX para proteger el negocio de la industria del entretenimiento se viene expandiendo globalmente y provocando sismos y protestas en diferentes estamentos de las sociedades. Es evidente que las personas cuentan ahora con una tecnología que va más allá de la industria y la pone a la misma altura de otras formas muy antiguas también de producir y circular productos culturales, y eso genera resistencia. ¿Cómo estamos viviendo esto del otro lado del océano?. Desde un relato de prácticas culturales y resistencias jurídicas daremos una mirada a Colombia y a su entorno latinoamericano actual.

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martes 27 septiembre. 18.30-20.30h (sólo matriculados/as)

Sesión 1: José Luis de Vicente “Investigación en cultura / Culturas desde la Investigación”

Las prácticas culturales nunca han estado tan determinadas por la lógica del laboratorio como hoy. Nuevas disciplinas y espacios de conocimiento están surgiendo en el encuentro entre artistas, científicos, diseñadores y emprendedores sociales, marcadas por los procesos de investigación y la generación de prototipos temporales e inconclusos.

Esta sesión recorrerá de qué manera esta dinámica del laboratorio abierto y en red ha producido réditos cruciales para entender el espacio cultural de este momento, a través de disciplinas emergentes como la visualización de información, el nuevo urbanismo en red, la biología sintética, el “diseño crítico”, la fabricación digital, y otros ámbitos. También se explorará cómo las comunidades open source han generado un ecosistema de herramientas de innovación para la producción creativa, a través de entornos como Processing, Arduino, OpenFrameworks y otros.

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Jueves 29 de septiembre, 18.30-20.30h (sólo matriculados/as)

Sesión2: Gerald Kogler “La importancia del Software Libre para la cultura digital y su aplicación a proyectos artísticos”

invitado a la sesión: Guifi.net

Esta sesión se dividirá en dos partes, primero nos sumergiremos en Software libre y cultura digital y para la segunda parte contaremos con Guifi.net, que nos explicarán el proceso y estado actual de esta red de telecomunicaciones abierta, libre y neutral.

En la primera parte se destacará la importancia del software libre para la libertad y autonomía en el mundo digital. Definimos conceptos como copyleft, licencias de software libre y open data y mostramos proyectos importantes del ámbito de la creación colectiva, de la programación creativa y del uso desde la sociedad civil de datos abiertos. Para finalizar se repasará algunos proyectos artísticos que usan software libre y devuelven código a la comunidad.

Guifi.net es una red de telecomunicaciones abierta, libre y neutral que se vertebra a partir de un acuerdo de interconexión entre personas en el que cada participante (nodo) extiende la red y obtiene conectividad. guifi.net trabaja como plataforma colaborativa de innovación, investigación y desarrollo que promueve y fomenta la creación de redes e infraestructuras abiertas de comunicación. En la actualidad se han implementado más de 13.555 nodos operativos, lo cual representa 21.921,5 kilómetros de enlaces construidos por la ciudadanía en colaboración con entidades públicas y privadas.

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Martes 4 de octubre, 18.30-20.30h (sólo matriculados/as)

Sesión3: Daniel Granados (Producciones Doradas) “Cultura libre y nuevas industrias culturales”

El desarrollo de las nuevas tecnologías de la información y la comunicación (TIC) propició a inicios del siglo XXI un cambio de paradigma en las formas de consumir, difundir y compartir cultura. El auge de la cultura digital ha conllevado una transformación de los roles tradicionales que hasta la fecha habían jugado creadores, industrias culturales y consumidores.

Esta sesión quedará dividida en dos partes, una primera en la que nos centraremos en la Ley de la Propiedad Intelectual y el marco legislativo actual y una segunda en la que analizaremos el origen y desarrollo de la cultura libre, de sus postulados, sus herramientas (como las licencias Creative Commons) y algunas iniciativas (empresas, asociaciones, colectivos, instituciones, etc…) que parten ya de una nueva lógica que ahonda en las nuevas posibilidades políticas, culturales y económicas del medio digital.

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Miércoles 5 y jueves 6 de octubre, 18.30-20.30 (actividad pública)

Sesión4: Guifilab, taller a cargo de Guifi.net

Se realizarán 2 sesiones enfocadas a explicar las posibilidades de la Red Abierta en el ámbito de la cultura. Se explicará la base tecnológica y conceptual de la comunidad guifi.net, así como el estado actual del proyecto en los diferentes territorios en donde se ha implementado. Paralelamente se mostrarán proyectos que usan como base guifi.net y que generan relaciones con el entorno cultural.

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Martes 11 de octubre, 18.30-20.30h (sólo matriculados/as)

Sesión5. Guillem Aloy y Paco González “ciudad y cultura”

La cultura hace ciudad y la ciudad es también cultura. La cultura en los últimos 20 años ha sido utilizada como un instrumento de imagen y proyección exterior de las ciudades para atraer un público turista. Son excepciones los equipamientos y programas culturales de la ciudad que han resistido a esta tendencia, que ha supeditado al análisis económico y financiero a la función social de cultivar la cultura con los propios habitantes de la ciudad. En este tiempo han emergido prácticas culturales y urbanas alternativas que han ocupado este espacio de la construcción cultural de la ciudad.

El objetivo al finalizar la sesión es mostrar una síntesis del uso y gestión cultural del espacio público y prácticas urbanas más interesantes de los últimos años, llevados a cabo no solo por expertos (arquitectos, urbanistas, geógrafos…) sino por colectivos de artistas y ciudadanos que con sus acciones hacen de la ciudad un espacio del procomún.

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Jueves 13 de octubre, 18.30-20.30h (sólo matriculados/as)

Sesión6: Rubén Martínez (YProductions) “Innovación en cultura”

La innovación, cuya acepción contemporánea proviene de la teoría económica, ha tenido especial impacto en la esfera cultural durante los últimos años. Se han llevado a cabo políticas públicas que fomentan la producción cultural como fuente para el desarrollo económico y social bajo conceptos como capitales culturales, clases creativas e industrias creativas. Estas y otras acciones han dado a entender que la cultura puede pensarse como un proceso de I+D+i.

Esta sesión se dividirá en dos partes, una de carácter teórico y otra de carácter práctico. En la primera, analizaremos el impacto que ha tenido el discurso de la innovación a través de sus autores y contextos más destacados. En la segunda, veremos casos concretos -proyectos culturales, transformación de entornos urbanos, planes estratégicos- y debatiremos colectivamente su potencial innovador, las tensiones de este proceso de economización de la cultura, así como su relación con el contexto local y proyectos de los/as asistentes.

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Martes 18 de octubre, 18.30-20.30h (sólo matriculados/as)

Sesión7. Oscar Abril Ascaso “Investigación en cultura y metodologías performativas”

La performatividad es el campo de batalla donde se baten los actuales procesos culturales, políticos y económicos. Como motor de los actos productivos del capitalismo cognitivo y del biopoder y como resistencia a su proyecto de capitalización global del saber y de la vida, la performatividad emerge como una caja de herramientas desde la que analizar y, al mismo tiempo, construir los nuevos códigos de acción en nuestra cultura contemporánea.

¿Qué es la performatividad?  ¿Por qué es un término clave para detectar los mecanismos de creación y gestión de conocimiento en las sociedades de la información? ¿Qué proponen las metodologías performativas a la investigación en cultura? El objeto de esta sesión es abrir una panorámica introductoria para la comprensión de la performatividad como categoría analítica y como metodología científica en el ámbito de la investigación y de la producción cultural.

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Jueves 20 de Octubre, 19h (actividad pública)

Clausura del Curso. “Crowdfunding, ¿un sucedáneo del procomún?”Mesa redonda dentro del proyecto #masacritica

Invitados: Goteo.org y Antonia Folguera

El crowdfunding se basa en la financiación colectiva de una idea, iniciativa o producto a través de la suma de microdonaciones por parte de clientes, usuarios o fans. Durante los últimos dos años han aparecido toda una serie de plataformas que han revitalizado un viejo sistema que encuentra nuevas posibilidades en la red. Muchas de ellas se centran en proyectos de base creativa, y alojan propuestas de todo tipo de artistas, ya sean músicos, cineastas, diseñadores, etc. A través de estas plataformas, el creador cuenta con un límite de tiempo para conseguir el total de lo solicitado. Pero se ha hablado tanto del crowdfunding, que bien seguro todo esto ya os suena familiar.

El próximo 20 de octubre a las 19h, hemos invitado a la gente de Goteo.org y a Antonia Folguera para hablar con ellos sobre crowdfuding. Pero nos gustaría centrar el debate en algunas ideas que sacudan un poco las posibilidades que ofrece este sistema de financiación. ¿Es el crowdfunding algo más que un sistema de prepago?, ¿Qué papel tiene la comunidad además de financiar y posicionar el producto?, ¿Puede el crowdfunding generar o fomentar procesos de gestión colectiva de recursos? ¿Podemos relacionar crowdfunding y procomún?. Estas y otras preguntas son las que nos gustaría compartir con todos y todas vosotras en una nueva sesión de #masacritica, investigación colectiva que realizamos desde ZZZINC dentro del CCCB Lab.

vía Curso de gestión e innovación cultural en ZZZINC : ZZZINC.

04 septiembre, 2011 | Por María Jesús Burgueño |

En el curso “Memoria viva del arte español actual. El testimonio de los artistas”, organizado por la Real Asociación Amigos del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.

Del 5 de octubre al 1 de diciembre de 2011

Antonio López, Cristina Iglesias, Miquel Barceló, Pedro G. Romero, Soledad Sevilla, Eduardo Arroyo, Isidoro Valcárcel Medina, Rafael Canogar, Juan Navarro Baldeweg, Jaume Plensa, Luis Gordillo y Dora García, con el patrocinio de Fundación Caja Madrid, expondrán su muy personal forma de vivir, sentir y expresar el arte. Doce formas diferentes, experiencias y estilos, encontrados muchos de ellos, que les da una personalidad indiscutible y diferenciadora. Ellos, protagonistas de la historia de nuestros días, proporcionarán a los asistentes del curso una visión particular y global de lo que ha sido y es el mundo del arte a través de su siempre atenta mirada. Una visión que no sólo será artística, se tratará el polémico y muy actual estado del mercado del arte.

Este curso da la palabra a artistas españoles de varias generaciones, algunos nacidos en la década de 1930 y otros, los ahora emergentes, en la de 1980. Francisco Calvo Serraller, director del curso “Memoria viva del arte español actual. El testimonio de los artistas” inaugurará las jornadas en el Auditorio 200 del Museo Reina Sofía, el próximo 5 de octubre de 2011.

Datos de Interés:
Curso:Memoria viva del arte español actual. El testimonio de los artistas
Fechas y Hora: Del 5 de octubre al 30 noviembre de 2011, a las 19.30 horas.
Lugar: Auditorio 200 del Museo Reina Sofía.Acceso por Ronda de Atocha, s/n.
Matrícula:
Real Asociación Amigos del Museo: 70,00 €.
Público en general: 90,00 €.
Forma de pago: Tarjeta de crédito, pasarela de pago página web, cheque nominativo, ingreso o transferencia bancaria a nombre de “Amigos Museo Reina Sofía”, indicando número de matrícula y nombre. Banco Santander 0049 1892 60 2510391266.
Inscripción: www.amigosmuseoreinasofia.org Oficina de los Amigos del Museo.(Santa Isabel,52 – 28012 Madrid). Horario: de 10 a 14 horas de lunes a viernes. Teléfono: 91 530 42 87 (en el horario de oficina).
Créditos: Reconocido con 1 crédito de libre elección para los alumnos de la Universidad Complutense de Madrid que lo soliciten (pendiente de aprobación). A los alumnos de la Universidad Carlos III de Madrid se les reconocerán los créditos obtenidos a través de las actividades recogidas en el pasaporte como 2 créditos de humanidades o de libre elección para los alumnos de Licenciaturas, o como 1 crédito Optativo o de Humanidades (ECTS) para los de Grado.
Se exigirá asistencia y una breve memoria.
Al final del curso se entregará certificado de asistencia a los participantes que lo soliciten.

vía Doce artistas opinan sobre el ayer y el hoy del arte | Revista de Arte – Logopress.

Este curso va dirigido a aquellas personas que quieran trabajar en el ámbito artístico y cultural y que quieran entender mejor los contextos, dinámicas, personas y políticas que forman parte de dicha esfera. Para ello se ofrecerán toda una serie de herramientas teóricas y prácticas y un sinfín de ejemplos que puedan ayudar a conocer, analizar y ser partícipe de este escenario.
Impartido por YProductions
7 sesiones de 3 horas
Precio: 120 € (70€ para los socios de la AAVC)

vía Formació Contínua: Introducción al campo cultural: gestión, modelos de organización y contextos.

vía Presentación del proyecto Cultivo de Microbios – Medialab-Prado Madrid.

Cultivo: Dinámicas de lo micro

vía Cultivo de Microbios – Festival ZEMOS98.

Grabado electrolítico paso a paso (proceso no tóxico) (Contactar)
del Lunes 18 al viernes 22 de julio de 2011
Impartido por Alfonso Crujera (http://www.acrujera.blogspot.com)
Horario:de 10 a 14:00 y de 15:30 a 18:00
número máximo de alumnos: 10
precio: 350,00 € (incluye material)

Los participantes ingresaran 100.00 € en cuenta al confirmárseles su plaza,
el resto al comenzar el curso

Litografía sobre diferentes soportes (Contactar)
del lunes 11 al viernes 15 de julio de 2011
Impartido por Míriam Cantera
Horario: de 10:00 a 15:00
Nº máximo de alumnos: 10
Precio: 250,00 € (material incluido)
Los participantes ingresaran 100.00 € en cuenta al confirmárseles su plaza,
el resto al comenzar el curso

Impresión digital (Contactar)
del lunes 25 al viernes 29 de julio de 2011
Impartido por Caetano Villela
Horario: de 10:00 a 15:00
Nº máximo de alumnos: 10
Precio: 260,00 € (material incluido)

vía elmonodelatinta.

L´estiu a Murtra

Grabado Electrolítico proceso no tóxico Del 15 al 19 d’agost 2011 Heliogravat / Photogravure Del 22 d’agost al 27 d’agost 2011
			Grabado Electrolítico Paso a paso proceso no tóxico Curs d’estiu Del 15 al 19 d’agost Professor Alfonso Crujera Autor del llibre Manual del grabado electrolítico 30 hores de taller material bàsic inclòs idioma: Espanyol col.laboradors: Jordi Rosés i Pilar Lloret horari: de 10 a 17 hores Alumnes: mínim 7 maxim 10 Preferent per a alumnes de Jordi Rosés i Pilar Lloret
			Descripción y objetivos: En los últimos años los grabadores, preocupados por la agresividad tóxica de los productos que tradicionalmente se utilizan en los talleres de grabado, comenzaron a investigar con nuevos productos, bloqueadores y mordientes, rescatando olvidadas técnicas antiguas y en desuso. También aplicaron materiales y procesos modernos que resultaron bastante más seguros, y que ha venido llamándose genéricamente “grabado no tóxico”. De entre todos estos procesos, el grabado electrolítico -olvidada y prácticamente desconocida técnica del siglo XIX- nos ofrece un método más seguro útil para grabar planchas de cobre y zinc, hierro y aluminio,minimizando los riesgos para el grabador y el medio ambiente. El proceso de grabado electrolítico no genera gases tóxicos, no produce ni acumula residuos, los mordientes no se agotan con las sucesivas mordidas, y tampoco utiliza las nocivas vaporizaciones de resinas o asfaltos para las aguatintas, ofreciendo, a su vez, a los grabadores un interesante campo de investigación. El taller está dirigido preferentemente a grabadores que conocen las técnicas tradicionales del grabado calcográfico, y estén interesados en conocer este proceso alternativo. El curso expondrá los fundamentos de la electrólisis y su aplicación al grabado calcográfico; cómo instalar una unidad de grabado electrolítico; utilizar el proceso de grabado electrolítico sobre placas de cobre y zinc; valorar la importancia del grabado electrolítico para con la seguridad de los grabadores y medio ambiente y sus ventajas frente al desgaste de otros mordientes. Programa: - Historia del grabado electrolítico - Fundamentos de la electrolísis - Principios del grabado electrolico - Como instalar una unidad de grabado electrolitico paso a paso ( no se necesitan conocimientos de electricidad) - Instalación de la cubeta electrolítica - Preparación del electrolíto -Voltaje y amparaje Grabado con electrólisis paso a paso: - Preparación de la plancha y desengrasado - Barnices acrílicos - Tonos de mordida abierta sin polvos de resina ni asfalto - Reservas con tinta calcográfica de grafito - Reservas alternativas; lápiz litográfico, oxidaciones, salpicados galvanizados, etc. - grabado electrolítico “pasivo” sin electricidad.
			CVProfesor de grabado calcográfico en la Escuela Luján Pérez, desde el curso 98-99, hasta el curso 2009 – 2010. 2001 – Se inicia en el grabado por electrólisis en Ateljé Larsen en Helsingborg. Suecia. 2002 – Instala el primer taller de grabado electrolítico en las islas Canarias. 2003 – 2004 Imparte dos cursos de grabado por electrólisis en su taller de San Felipe (Sta. Mª de Guía), Gran Canaria. Ha impartido conferencias desde el año 2005 sobre El grabado electrolítico, una técnica para el siglo XXI, en el taller de grabado del Cabildo de Gran Canaria. Centro Murciano de Arte Gráfico El Jardinico. Caravaca, Murcia. Feria Estampa 2005 Madrid. Facultad de BBAA de Barcelona 2005. Facultad de BBAA. Pontevedra (Vigo) 2008. Universidad de Monterrey. México 2009. Bajo su dirección se han instalado unidades de grabado electrolítico y ha impartido cursos de iniciación en los siguientes talleres: 2006 Centro Murciano de Arte Gráfico El Jardinico. Caravaca, Murcia. 2007 Taller de Grabado del Cabildo de Gran Canaria. Curso 2006-2007 en los Talleres de Creación del Museo y Parque Arqueológico Cueva Pintada. Gáldar. Gran Canaria. 2007 Centro Murciano de Arte Gráfico El Jardinico. Caravaca, Murcia. 2008 Taller de Grabado del Cabildo de Gran Canaria. Escuela de Arte Fernando Estévez. Sta. Cruz de Tenerife. 2009 Encuentro Internacional de Grabado NoToxico. Casa de la Cultura de Nuevo León. Monterrey. México. 2009. Centro de las Artes de San Agustín Etla (CASA). Oaxaca México. 2011 Seminario en la facultad de BBAA de la universidad de Vigo, Pontevedra. Ha publicado los artículos: Grabado electrolítico. Una técnica de grabado no tóxico. Revista Grabado y Edición nº 1. Madrid, 2005. Grabando con electricidad. Catálogo Certamen de Arte Gráfico para Jóvenes Creadores. Calcografía Nacional. Madrid. 2008. Galvanografía. Revista Grabado y Edición nº 19. Madrid. 2009. Grabando con electricidad. Revista Xilon nº 99. Argentina. 2009 Electro-etching made easy. Página web Nontoxicprinte.com. Chicago. USA. 2010. http://www.nontoxicprint.com/electroetching.htm Autor y editor del Manual del Grabado electrolítico. No tóxico. Las Palmas de Gran Canaria. 2008. ISBN: 978-84-612-4703-5. Primera publicación monográfica en español sobre este proceso que ha contado con el patrocinio de la Obra Social de la Caja de Canarias. Libro recomendado por la revista especializada Grabado y Edición nº 15 Septiembre 2008. Madrid. Se presentó en Estampa 2008 Feria Internacional de Arte Contemporáneo Múltiple. Madrid. En este blog puedes ver el índice del mismo, e información de sus actividades artísticas y docentes. www.acrujera.blogspot.com

		Heliogravat / Photogravure Curs d’estiu Del 22 d’agost al 27 d’agost Professors Jan Petterson   and  Daniel Persson Autor del llibre Photogravure An Archaeological Research 36 hores de taller material bàsic inclòs Idiomes: Angles, Noruec i Suec intèrpret al català Milena Rosés col.laboradors: Jordi Rosés i Pilar Lloret horari: de 10 a 17 hores Alumnes: mínim 7 maxim 10 Preferent per a alumnes de Jordi Rosés i Pilar Lloret
		This class will deal with the aspects of the photogravure process on copper. The course will be led by Jan Pettersson, artist, researcher and the author of Photogravure an Archeological Research. The workshop will take you through every step in the executing of a photogravure plate of superior quality. You will be introduced to the theoretical, historical, philosophical and technical views of the photogravure process. All participants will learn the hands on approach in order to later continue their own work with this historical process and its recontextualization into a contemporary form.
		Programa Day 1 We meet and talk about the process and look at the instruction video. We discuss projects to be done at the workshop. In the evening sensitising of the pigment paper. Day 2 Preparing films, positives etc : They can be either photographic or done directly drawing on clear mylar which will be direct gravure drawing with pencil , magic markers or tusch or what ever will make a mark. Day 3 Exposure, lay-down, developing and drying. Day 4 Etching and start preparing plates for printing Day 5 Printing/ discussing results Day 6 – 7 Participants work individually or in a group with guidance from the instructors.
		CV Jan Pettersson Nació en el año 1956 en Malmö, Suecia. Vivió y trabajó en Bergen, Noruega. Estudia con Prof. Bertil Lundberg en FORUM School for Fine Art Printmaking (Malmö), con S.W Hayteren Atelier 17 (Paris) y con Prof. Krishnia Reddy en New York University Printmaking department. Fue miembro de Nordic Printmaking Union, de Norwegian Printmaking Association Norway y de The Swedish Printmaking Association. Fue profesor adjunto de grabado en New York University (USA, 1990-95) y profesor en Bergen National Academy of Arts (1995-2007). Su libro “Fotograbado: una investigación arqueológica”, fue publicado por Bergen National Academy of Arts en el año 2007. Director de Trykkeriet (Centre for Contemporary Print) en Bergen, Noruega; Presidente de Norwegian Printmaking Association y editor de Rapport the Norwegian Printmaking Councils magazine. Escribió numerosos artículos sobre grabado e hizo conferencias acerca de la impresión fotográfica, entre otros temas. Trabajó con muchos artistas como consejero artístico/técnico y como asistente en sus projectos, entre los que puede nombrarse a Carlos Capelán, David Lamellas, Tina Barney, Sol Levitt, Robert Motherwell, David Salle y Robert Ryman, entre otros. Realizó varias muestras grupales e individuales en diferentes partes del mundo. Actualmente se encuentra trabajando en el proyecto

vía L’estiu a Murtra.

¿Es posible un nuevo modelo pedagógico para el arte? Los talleres con artistas proponen diálogo y colaboración

Bea ESPEJO | Publicado el 01/07/2011

Coinciden estos días en nuestro país varios cursos y talleres de arte dispuestos a buscar un modelo pedagógico más cercano, autónomo y efectivo para el artista. Se trata de Campus, una escuela gratuita instalada en el espacio de CajaMadrid, en Barcelona, y de los talleres de Paul Graham en Santander, Los Carpinteros en Cádiz y Azucena Vieites en Madrid. Analizamos con ellos la vigencia y urgencia de este tipo de escuela temporal.

En la web de Rubén Grilo, el único artista español actualmente en la Rijksakademie, uno de los más importantes centros de residencia y educación para artistas en Europa, no hay ni rastro de su trayectoria, ni proyectos, ni siquiera de la exposición PowerPoint Karaoke (tercera del ciclo ‘Entrar en la obra’) que acaba de inaugurar en el MARCO de Vigo. En la pantalla, la imagen de un botiquín reclama ayuda tras el anuncio del gobierno holandés de recortes en cultura para 2013. De llevarse a cabo, no sólo este centro de referencia en Ámsterdam se cerraría. En la capital holandesa peligra la también residencia De Ateliers, por la que han pasado artistas como Paloma Polo, Asier Mendizabal o Lara Almárcegui, SKOR (Stichting Kunst en Openbare Ruimte) una de las mejores plataformas de producción de arte público, el prestigioso instituto NIMK (antes Montevideo) y también dejarían de tener financiación pública plataformas como Manifesta o Witte de With, entre muchas otras. “Es intervencionismo político del peor”, explica Rubén Grilo. “Su decisión es principalmente ideológica. El modelo de la Rijksakademie es muy generoso, ayuda a la gente a ser artista, de ahí su demanda. Por eso puede parecer elitista, aunque acoge a más de 50 artistas, muchos sin tantas oportunidades en sus países de origen. La mitad de las plazas son para artistas holandeses, y es que el sistema holandés estaba pensado para facilitar el acceso a la cultura”.

Nuevos modelos
Esta misma semana, dentro del proyecto Campus, una escuela de arte gratuita, temporal y sin créditos instalada, desde el pasado lunes, en el Espacio Cultural Caja Madrid en Barcelona, Bartomeu Marí, director del MACBA, analizaba el modelo de la Rijks, paradigmático por el contacto internacional que ofrece, buscando nuevos modelos pedagógicos válidos para el arte en nuestro país. Es uno de los cuatro casos de estudio para la educación artística con los que arranca este proyecto piloto dirigido por Latitudes, la oficina curatorial independiente fundada en 2005 por Max Andrews y Mariana Cánepa Luna.

En Campus no hay notas, ni títulos, ni costes por participar. Dura dos meses y se estructura en tres fases. La primera pasa por la presentación interna del trabajo de los 15 artistas participantes y el estudio de varios modelos educativos de primer orden internacional. La segunda son cuatro sesiones de trabajo de una semana de duración bajo la tutoría de los artistas Libia Castro & Ólafur Ólafsson -que el próximo diciembre veremos en el CAAC de Sevilla-, Renata Lucas, Peter Piller y Adrià Julià. La tercera fase es una exposición de los proyectos realizados en esos talleres. “Para nosotros -explica Max Andrews- una de las cosas más importantes de modelos como la Städelschule de Frankfurt y la Rijksakademie de Ámsterdam es que no hablan de ‘estudiantes’, sino de artistas jóvenes. No son lugares en los que se convierten en artistas por arte de magia, por el mero hecho de graduarse. De la misma manera nos acercamos en Campus. No es un modelo escolar donde los artistas más jóvenes reciben de manera pasiva la información de una autoridad incuestionable, sino una situación en la que la participación esperamos que sea activa y genere algo nuevo, un ambiente proactivo, crítico”.

Basado en la relación estudiante-tutor, Campus pone todo el énfasis en la colaboración mutua. “Lo que nos interesa -añade Mariana Cánepa- es crear un ‘círculo de confianza’, una red de gente con la que se pueda colaborar en el futuro. Encontrar personas con las que hablar sin tapujos. En la facultad eres uno de 200 y tienes la sensación de que no te explican cosas prácticas de la profesión, por ejemplo cómo presentar tu trabajo a nivel más básico, cómo preparar un presupuesto o llevar tus cuentas. En España tenemos la universidad y las becas para que los artistas se vayan fuera, pero no suficientes puentes entre el lugar de aprendizaje y el mundo profesional real. El objetivo es que haya sinergias, momentos de aprendizaje, intercambio de experiencias”.

A medio camino entre una escuela y una residencia, Campus surge, precisamente, como reacción a esa falta de plataformas formativas para artistas en Barcelona que hoy por hoy se suple con los cursos de Formació Contínua impulsados por la AAVC y llevados a cabo en Hangar, los premios Casablancas o la Sala d’Art Jove. Lejos de buscar un resultado final con obras de arte al uso, el proyecto prioriza el proceso de trabajo y la discusión en grupo, siempre bajo el parámetro internacional y bilingüe, otro de sus fuertes. “No sólo podemos hablar dentro de la ciudad o país, o dentro de un dominio lingüístico”, añade Max Andrews. La mitad de los participantes no son de Barcelona, de modo que se fortalece el intercambio desde el principio. Este tipo de proyectos pueden ayudar a reflexionar sobre las herramientas y plataformas que son más adecuadas para la conversación, la comunicación y la colaboración, el modo en que artistas crean y comparten (entre colegas, un grupo de amigos, el público en general…)”.

sigue…

vía Campus arty.

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FORMACIÓN CONTÍNUA

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ARTE & EDUCACIÓN

Agenda:

Cursos, Ciclos, Jornadas, Seminarios,

Formación contínua

Agenda – Estética y Teoría de las Artes.

30 de junio de 2011

10:30 // Entrega de documentación
Presentación del curso:  Xabier Arakistain + Lourdes Méndez

I –  Las dimensiones sociales del arte: artistas, obras, contextos
11:00 // Laura Mulvey
12:30 // Nathalie Heinich
17:00 // Teresa de Lauretis
18:30 // Mesa redonda: Laura Mulvey + Nathalie Heinich + Teresa de Lauretis. Modera: Xabier Arakistain.

LAURA MULVEY
Profesora de Cine y Medios de Comunicación en el Birkbeck College de la Universidad de Londres. Escribe sobre cine y teoría del cine desde mediados de la década de los setenta. Ha publicado Visual and Other Pleasures (1989, segunda edición con material añadido 2009), Fetishism and Curiosity (1996), Citizen Kane (1996), Death Twenty-four Times a Second: Stillness and the Moving Image (2006). A finales de los setenta y principios de los ochenta, fue co-directora en seis películas con Peter Wollen, incluida Riddles of the Sphinx. En 1994 co-dirigió, junto al artista y cineasta Mark Lewis, el documental Disgraced Monuments.

NATHALIE HEINICH
Socióloga en el CNRS (Centro Nacional para la Investigación Científica) de París. Además de numerosos artículos en revistas científicas y culturales, Heinich ha publicado una veintena de obras sobre temas como el estatus de artista y la noción de autor (La Gloire de Van Gogh, 1991; Du peintre à l’artiste, 1993; Etre écrivain, 2000; L’Elite artiste, 2005); el arte contemporáneo (Le Triple jeu de l’art contemporain, 1998; L’Art contemporain exposé aux rejets, 1998; Guerre culturelle et art contemporain, 2010); la identidad femenina (États de femme, 1996; Mères-filles, une relation à trois, 2002, con Caroline Eliacheff; Les Ambivalences de l’émancipation féminine, 2003); la historia de la sociología (La Sociologie de Norbert Elias, 1997; Pourquoi Bourdieu, 2007) y los valores (La Fabrique du patrimoine, 2009). Sus libros y artículos han sido traducidos a quince idiomas.

TERESA DE LAURETIS
Profesora emérita de Historia de la Conciencia en la Universidad de California, Santa Cruz, Lauretis nació y se educó en Italia. Ha escrito sobre teoría del feminismo, semiótica, psicoanálisis, cine, literatura y ciencia ficción tanto en inglés y como en italiano. Algunas de sus publicaciones son: Alice Doesn’t (1984; Alicia ya no: Feminismo, Semiótica, Cine, Madrid, 1992), Technologies of Gender (1987), The Practice of Love (1994), Soggetti eccentrici (Milán, 1999), Freud’s Drive: Psychoanalysis, Literature and Film (Londres, 2008; Pulsions Freudiennes, París, 2010). Las recopilaciones de sus ensayos sobre teoría del feminismo incluyen Figures of Resistance (2007) y Diferencias (Madrid, 2000).

del 30 de junio al 2 de julio de 2011

Inscripción gratuita. Plazas limitadas.
El alumnado asistente podrá sumar horas para obtener créditos de libre elección por las facultades de la UPV/EHU (Planes de Estudios previos a la ordenación fijada por el Real Decreto 1393/2007)

A principios de los años setenta del siglo XX un número significativo de historiadoras feministas del arte empezaron a revisar el canon utilizado para construir el valor social, estético y artístico de las obras producidas por las artistas. Esa revisión, a la par que permitió recuperar un número significativo de artistas mujeres y de obras ignoradas por la historia del arte, abrió vías de reflexión muy diversas que se han ido desarrollando gracias al incremento de las investigaciones sobre la situación de las artistas y de sus obras en el campo artístico. Sin embargo, al igual que la historia feminista del arte, dichas investigaciones todavía gozan de escasa legitimidad académica.

El objetivo de este curso, que cumple su cuarta edición, es el de proponer una panorámica de las principales aportaciones de la historia feminista del arte, incidiendo en las problemáticas teóricas y políticas a las que deben hacer frente las investigadoras feministas para seguir desarrollando un conocimiento libre de las estructuras sexistas que han orientado la construcción de las ciencias sociales y humanas.

Las dimensiones sociales del arte: artistas, obras y contextos
30 de junio: Laura Mulvey + Nathalie Heinich + Teresa de Lauretis

La construcción de la Historia Feminista del arte
1 de julio: Lynda Nead + Philippa Kaina + Tamara Trodd

Arte, Feminismo e Historia Feminsita del arte en el Estado español
2 de julio: Fina Birulés  + Estrella de Diego + Mar Villaespesa

ver programa completo

vía MH – producción artística y teoría feminista del arte: nuevos debates IV.

-          Mike Bonanno (The Yes Men)

-          Daniel Garcia Andujar

HELBURUA:

Tailerraren helburua hedabide bisualak praktika artistikoan nola erabiltzen diren aztertzea da, eta aplikazio hori ikuspuntu praktiko batetik balioestea, telebistan eta 2.0 webguneetan edukiak kudeatzeari eta manipulatzeari dagokionez. Gainera, eremu publikoan esku hartzeak izan ditzakeen ondorioez ere jardungo dute.

Tailer honetan, hausnarketa praktiko bat egin nahi dugu hedabideetan ikusten ditugun edukien sinesgarritasunaren inguruan. Azterketa horretatik abiatuta, eduki horien balioa zalantzan jarriko dugu, eta informazioa gizarteratzeko bitartekoen diskurtsoa praktika artistikoa baliatuz aldatzeak, manipulatzeak eta “zuzentzeak” kritika soziala egiteko zein hedabideak berak kritikatzeko zein aukera uzten duen balioetsiko dugu.

Sakonki landuko ditugu aztergai ditugun hedabideek erabiltzen dituzten hizkuntzak, ikasleek agerian utz dezaten nolako gaitasuna duten medien estrategietara eta pentsamendu kritikoaren korronte nagusietara egokituz eduki kritikoak garatzeko. Eztabaida eta parte-hartze aktiboa sustatuko dugu.

HARTZAILEAK:

Arte Ederretako eta Artearen Historiako ikasle eta lizentziadunak, hezkuntza artistikoaren profesionalak, eta artearen ikuspegi ironikotik abiatuta aktibismoarekin eta kritika sozialarekin lotutako gaietan interesa dutenak.

EGITARAUA:

1. eguna (ekainak 27) – Goizez

10:00 Aurkezpena, Arantza Lauzirikaren eskutik

Gaia: Hedabideen kudeaketa eta erabilera publikoa

12:00 The Yes Men taldeak egindako lanaren aurkezpena

15:30 The Yes Men Lab

2. eguna (ekainak 28) – Goizez

10:00 The Yes Men Lab

15:30 The Yes Men Lab tailerra

3. eguna (ekainak 29) – Goizez

10:00 Tailerra, G. Andujarren eskutik: “Cuando las imágenes mienten”

15:30 Tailerra, G. Andujarren eskutik (saioaren izena)

4. eguna (ekainak 30) – Goizez

10:00 Tailerra, G. Andujarren eskutik: “Cuando las imágenes mienten”

15:30 Tailerra, G. Andujarren eskutik

INFORMAZIO OROKORRA:

Data: ekainaren 27tik 30era

Lekua: Bizkaia Aretoa, Elhuyar aretoa

Ordutegia: 10:00etatik 13:30era, eta 15:30etik 18:30era

Prezioa: Ikasle eta langabeak: 60 €. Gainerakoak: 120 €. Maiatzaren 3tik 31ra bitartean egindako matrikulek % 10eko deskontua izango dute.

Matrikula epea: maiatzaren 3tik ekainaren 23ra

Balio akademikoa: 45 ordu

Koordinatzailea: Arantza Lauzirika (UPV/EHU)

Hizkuntza: gaztelania

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Taller: Gestión e intervención en contenidos mediales. La televisión y la red como medio de subversión

PROFESORES:

-        Mike Bonanno (The Yes Men)

-        Daniel Garcia Andujar

OBJETIVOS:

El taller pretende analizar el uso de los medios visuales en la práctica artística y valorar su aplicación desde un punto de vista práctico en relación a la gestión y manipulación de contenidos en la televisión y la Web 2.0 y las posibles  repercusiones de interferir  en la esfera pública.

Esta propuesta pretende ofrecer una reflexión práctica en torno a la credibilidad de los contenidos a los que se da visibilidad desde los medios de comunicación. A partir de este análisis podremos cuestionar su validez y valorar las posibilidades que la alteración, manipulación y “corrección” del discurso de los medios de socialización de la información, realizados desde la práctica artística nos ofrecen a nivel de crítica social y del propio medio.

Durante el taller se ahondara en los lenguajes propios de cada medio a trabajar, para desarrollar la capacidad del alumnado en el desarrollo de contenidos críticos adaptados a las estrategias  de los media así como a las principales corrientes de pensamiento crítico, propiciando el debate y la participación activa.

DESTINATARIOS:

EL Taller está dirigido a estudiantes y licenciados de Bellas Artes e Historia del Arte, profesionales de la educación artística y a todas aquellas personas interesadas en temas relacionados con el activismo y la crítica social desde la perspectiva irónica del arte.

PROGRAMA:

Día 1 (27 de Junio)–Mañana

10:00 Presentación a cargo de Arantza Lauzirika

Tema: Gestión y uso público de los media

12:00 Presentación del trabajo de The Yes Men

15:30 The Yes Men Lab

Día 2 (28 de Junio)–Mañana

10:00 The Yes Men Lab

15:30 Taller The Yes Men Lab

Día 3 (29 de Junio)–Mañana

10:00 Taller con G. Andujar: Cuando las imágenes mienten

15.30 Taller con G. Andujar (Titulo de la sesión)

Día 4 (30 de Junio)–Mañana

10:00 Taller con G. Andujar: Cuando las imágenes mienten

15:30 Taller con G. Andujar

DATOS DEL CURSO:

Fecha: Del 27 al 30 de junio de 2011

Lugar: Bizkaia Aretoa, Sala Elhuyar

Horario: De 10 a 13:30 y de 15:30 a 18:30

Precio: Estudiantes y desempleados/as 60 €. Resto de matrículas 120 €. A las matrículas realizadas desde el 3 hasta el 31 de mayo se les aplicará un descuento del 10%

Plazos de matrícula: Desde el 3 de mayo hasta el  23 de junio

Validez académica: 45 horas

Coordinación: Arantza Lauzirika (UPV/EHU)

vía Taller: Gestión e intervención en contenidos mediales. La televisión y la red como medio de subversión | Bizbak.

BIZKAIA BILBAO ARTE ETA KULTURA Udako Ikastaroak / Cursos de verano

vía Cursos de Verano UPV/EHU Bilbao | Bizbak.

La Escuela de las Artes constituye la más importante oferta formativa de verano en el campo de las artes y las humanidades. El Círculo de Bellas Artes (CBA) y la Universidad Carlos III de Madrid (UC3M) unen sus fuerzas en este proyecto, que comenzó su andadura en verano de 2008.

La Escuela de las Artes conjuga el saber hacer de uno de los centros culturales más importantes de Europa y de una de las universidades que más han desarrollado el interés por el área de conocimiento de las artes y las humanidades, haciendo de la excelencia en este campo una de sus razones de ser.

Al igual que en los años anteriores, en su edición de 2011 la Escuela de las Artes ofrece actividades de formación en los campos de las artes y el pensamiento humanístico en formato de cursos teóricos y talleres de experimentación artística. Los cursos y talleres se impartirán entre el 4 y el 15 de julio y tendrán una duración de 20 o 40 horas, dependiendo de la modalidad escogida.

PROGRAMA

CURSOS

V CURSO DE GESTIÓN CULTURAL <http://www.circulobellasartes.com/escueladelasartes/cursos.php?id_curso=1>
04.07.11 > 15.07.11 • 10:00 > 14:00 h (40 horas)
Tarifa general: 350 € • Tarifa reducida: 175 €
Dirección académica: César Rendueles

COMISARIADO: PRÁCTICA CURATORIAL
EN TIEMPOS CRÍTICOS <http://www.circulobellasartes.com/escueladelasartes/cursos.php?id_curso=2>
04.07.11 > 15.07.11 • 10:00 > 14:00 h (40 horas)
Tarifa general: 350 € • Tarifa reducida: 175 €
Dirección académica: Fernando Castro

INMERSIÓN EN EL ARTE ACTUAL: CINCO O SEIS
CLAVES Y ALGUNAS DUDAS <http://www.circulobellasartes.com/escueladelasartes/cursos.php?id_curso=3>
04.07.11 > 08.07.11 • 10:00 > 14:00 h (20 horas)
Tarifa general: 180 € • Tarifa reducida: 90 €
Dirección académica: Javier Arnaldo

FICCIÓN EN TELEVISIÓN <http://www.circulobellasartes.com/escueladelasartes/cursos.php?id_curso=4>
04.07.11 > 08.07.11 • 10:00 > 14:00 h (20 horas)
Tarifa general: 180 € • Tarifa reducida: 90 €
Dirección académica: Daniel Écija

FOTOGRAFÍA: REALIDAD Y REPRESENTACIÓN <http://www.circulobellasartes.com/escueladelasartes/cursos.php?id_curso=5>
04.07.11 > 08.07.11 • 10:00 > 14:00 h (20 horas)
Tarifa general: 180 € • Tarifa reducida: 90 €
Dirección académica: Oliva María Rubio

CIENCIA Y FILOSOFÍA: PROTEO Y OTRAS METAMORFOSIS <http://www.circulobellasartes.com/escueladelasartes/cursos.php?id_curso=6>
04.07.11 > 08.07.11 • 10:00 > 14:00 h (20 horas)
Tarifa general: 180 € • Tarifa reducida: 90 €
Dirección académica: Fernando Broncano y David Hernández

LA NECESIDAD DE LAS ARTES ESCÉNICAS
EN LA SOCIEDAD ACTUAL <http://www.circulobellasartes.com/escueladelasartes/cursos.php?id_curso=7>
11.07.11 > 15.07.11 • 10:00 > 14:00 h (20 horas)
Tarifa general: 180 € • Tarifa reducida: 90 €
Dirección académica: Juan Ángel Vela del Campo

GUIÓN DE CINE <http://www.circulobellasartes.com/escueladelasartes/cursos.php?id_curso=8>
11.07.11 > 15.07.11 • 10:00 > 14:00 h (20 horas)
Tarifa general: 180 € • Tarifa reducida: 90 €
Dirección académica: Inés París

NOVELA NEGRA 2.0. UN VIAJE EN 360° <http://www.circulobellasartes.com/escueladelasartes/cursos.php?id_curso=9>
11.07.11 > 15.07.11 • 10:00 > 14:00 h (20 horas)
Tarifa general: 180 € • Tarifa reducida: 90 €
Dirección académica: Lorenzo Silva

TALLERES

COLOR Y CREATIVIDAD <http://www.circulobellasartes.com/escueladelasartes/talleres.php?id_taller=1>
04.07.11 > 08.07.11 • 16:00 > 20:00 h (20 horas)
Tarifa general: 180 € • Tarifa reducida: 90 €
Coordinación: Juan Carlos Sanz

ESCRITURA NARRATIVA <http://www.circulobellasartes.com/escueladelasartes/talleres.php?id_taller=2>
04.07.11 > 08.07.11 • 16:00 > 20:00 h (20 horas)
Tarifa general: 180 € • Tarifa reducida: 90 €
Coordinación: David Conte

PINTURA Y MUSEOS <http://www.circulobellasartes.com/escueladelasartes/talleres.php?id_taller=3>
04.07.11 > 08.07.11 • 16:00 > 20:00 h (20 horas)
Tarifa general: 180 € • Tarifa reducida: 90 €
Coordinación: Alejandro Vergara

COLA, PAPEL O TIJERA <http://www.circulobellasartes.com/escueladelasartes/talleres.php?id_taller=4>
04.07.11 > 08.07.11 • 16:00 > 20:00 h (20 horas)
Tarifa general: 180 € • Tarifa reducida: 90 €
Coordinación: Sean Mackaoui

TRADICIONES ORALES. UN UNIVERSO DE MÚSICAS <http://www.circulobellasartes.com/escueladelasartes/talleres.php?id_taller=5>
11.07.11 > 15.07.11 • 16:00 > 20:00 h (20 horas)
Tarifa general: 180 € • Tarifa reducida: 90 €
Coordinación: Polo Vallejo

TEATRO: LA PALABRA EN ACCIÓN <http://www.circulobellasartes.com/escueladelasartes/talleres.php?id_taller=6>
11.07.11 > 15.07.11 • 16:00 > 20:00 h (20 horas)
Tarifa general: 180 € • Tarifa reducida: 90 €
Coordinación: Carlos Aladro

LITOGRAFÍA EN PIEDRA <http://www.circulobellasartes.com/escueladelasartes/talleres.php?id_taller=7>
11.07.11 > 15.07.11 • 16:00 > 20:00 h (20 horas)
Tarifa general: 180 € • Tarifa reducida: 90 €
Coordinación: Antonio Gayo

www.circulobellasartes.com <http://www.circulobellasartes.com>    ALCALÁ, 42 28014 MADRID   T. 913 605 400

<http://www.circulobellasartes.com/escueladelasartes/>

vía Círculo de Bellas Artes.

*Considerando la especial relación que existe entre la Unión de Asociaciones de Artistas Visuales y las Asociaciones federadas y el Círculo de Bellas Artes y teniendo en cuenta los especiales  contenidos de nuestra propuesta formativa en temas artísticos, queremos informaros que se aplicará la reducción del 50% de la matrícula a todos los asociados a las distintas Asociaciones  federadas dentro de la UAAV, que se inscriban a cualquiera de los Cursos y Talleres previstos.  Pretendemos que sea una propuesta que  complemente de una manera muy interesante el trabajo que estáis desarrollando.
Toda la información, así como la matrícula on line,  está a vuestra disposición en la página web del Círculo de Bellas Artes www.circulobellasartes.com <http://www.circulobellasartes.com>
Esperemos que podamos encontrarnos durante la Escuela de las Artes.

Círculo de Bellas Artes.

Para más información y/o matriculación:
www.circulobellasartes.com/escueladelasartes <http://www.circulobellasartes.com/escueladelasartes/>  • www.uc3m.es/escueladelasartes <http://auladelasartes.uc3m.es/contenido.php?id=71>
También en la secretaría de la Escuela de las Artes: tl +34 913605405 • escueladelasartes@circulobellasartes.com

Plan de Formación Contínua para Artistas Visuales.

vía Formación Contínua « U.A.A.V..

QUAM 2011 | WIKPOLIS

Convocatoria de proyectos y ponencias para presentar en el Forum de la QUAM 2011.
Abierta hasta el 17.06.2011
En el marco del proyecto QUAM 2011, impulsado por ACVIC Centre d’Arts Contemporànias, se abre una convocatoria de proyectos para presentar dentro del programa del foro que tendrá lugar el 8 y 9 de julio de 2011.

QUAM 2011. Cartografías y construcciones colectivas del espacio social.

Una de las experiencias contemporáneas que más claramente ha provocado transformaciones en el contexto social, político y cultural, es el conjunto de prácticas que construyen herramientas y tecnologías informáticas basadas en el código abierto. Un mecanismo basado en el hecho de compartir los resultados y los procesos, donde los logros alcanzados por un grupo o un individuo, son a la vez puntos de partida para otros. Una sucesión encadenada de elementos en los que se mezcla la creatividad, la habilidad y la producción material, construida y consumida desde la experiencia compartida.
Uno de los elementos que permite la generación de contenidos y que se basa en la experiencia colectiva es el wiki. Un wiki es un sitio web que permite la creación y edición de cualquier número de páginas web interconectadas entre ellas, que comparten un lenguaje común y que permite el acceso y el control colectivo.
Desde esta perspectiva, la construcción de herramientas, tácticas y prácticas colectivas aplicadas al contexto de la ciudad, es el tema que se debatirá en el foro y que se trabajará en el taller de proyectos, de esta nueva edición de la QUAM 2011.
Wikpolis traslada al contexto del espacio y las políticas que lo regulan, la posibilidad de conocer y plantear proyectos que se articulen en esta opción de nodo, con la posibilidad de
crear nuevas estrategias compartidas que modifiquen el contexto social y cultural.

Temáticas

El proyecto QUAM 2011 se estructura mediante el Foro y el Taller de proyectos a través de dos ejes temáticos complementarios:

- Cartografías y representaciones políticas del espacio. Hace referencia a trabajos que revelan situaciones conflictivas latentes en el territorio y generan elementos gráficos que contribuyen a interpretarlas, utilizando diferentes estrategias para mapear territorios, para representar o incidir en políticas del espacio.

- Construcción colectiva en el espacio social. Desde esta perspectiva se hace referencia a prácticas creativas y estrategias colectivas autogestionadas, que se articulan en red y buscan incidir en los procesos sociales mediante sistemas alternativos para la ciudadanía.

Desde esta doble articulación se plantean una serie de cuestiones a partir de la relación entre ciudadanía, prácticas creativas y procesos que inciden en el espacio social:

¿Puede la ciudad diseñarse y construirse bajo la lógica de la creatividad compartida y el código abierto? ¿Quién puede participar y cómo se articula un proyecto compartido? ¿Cómo se pueden cartografiar las prácticas existentes en el territorio? ¿Cómo se relacionan políticas y espacios? ¿Cómo se condicionan entre ellos? ¿De qué manera se pueden generar nuevas prácticas culturales? ¿Pueden estas transformar el espacio social? ¿Se pueden generar alternativas a los modelos económicos actuales desde la perspectiva de la creatividad aplicada?

Se convocan proyectos en proceso de realización o ya finalizados que, desde las prácticas artísticas, la arquitectura, el diseño, el activismo y las prácticas sociales trabajan en estos dos ámbitos propuestos en esta edición de la QUAM. Los proyectos seleccionados en esta convocatoria participarán en el Foro conjuntamente con una serie de invitados.

Calendario y presentación de proyectos
El plazo de presentación de proyectos es el 17 de junio de 2011.
Para participar en la convocatoria es necesario rellenar y enviar el formulario [acceso al formulario].

Selección de las propuestas
Se seleccionarán 6 propuestas para participar el Foro. La selección de proyectos correrá a cargo del equipo de dirección del Foro QUAM 2011 y dos personas invitadas a participar en el Foro.

Condiciones de participación
Rellenar y enviar el formulario con el siguiente material en un solo documento en PDF antes del día 17 de junio de 2011.
- CV resumido  (extensión máxima de 2 páginas)
- Descripción detallada del proyecto y documentación gráfica, si lo requiere (con una extensión máxima de 6 páginas).

ACVIC facilitará el alojamiento y dietas por los días del foro (8 y 9 de julio).
Se expedirá una certificación por parte de la UVic Universitat de Vic que acredite la participación como ponente en el Foro.
Los participantes seleccionados formarán parte de la publicación que se realizará sobre los temas y proyectos propuestos en la QUAM 2011.
ACVIC podrá utilizar todas las imágenes del proyecto para la comunicación específica y las publicaciones derivadas del conjunto de los proyectos.

Dirección ACVic: Ramon Parramon | Coordinación: Maite Palomo
Dirección del Fòrum QUAM 2011: Maral Mikirditsian (comisaria independiente), Ramon Parramon (artista y director de ACVic), Laia Solé (artista y profesora de la UVic).
Dirección de los talleres:
- Iconoclasistas. (Taller coproducido con el PEI Programa de Estudios Independientes del MACBA)
- David Juàrez- Straddle3, con la colaboración de Santiago Cirugeda – Diego Peris de Todo por la praxis, Sergio Moreno de Hackitectura y la participación de La Torratxa, Centre Cultural Autogestionat.

QUAM 2011 és una actividad de ACVic Centre d’Arts Contemporànies en el marco de la UVic. Universitat d’Estiu de Vic y en colaboración con:

H. Associació per a les Arts Contemporànies, Diputació de Barcelona, Universitat de Vic, Escola d’Art i Superior de Disseny de Vic, IMPEVIC Institut Municipal de Promoció i Economia de Vic, Escola La Sínia, Elisava. Escola Superior de Disseny, MACBA y La Torratxa. Centre Social Autogestionat

ACVic, Centre d’Arts Contemporànies es resultado de la cooperación entre el Ayuntamiento de Vic, el Departament de Cultura i Mitjans de Comunicació de la Generalitat de Catalunya y H. Asociación para las Artes Contemporáneas.

vía Wikpolis. Cartografías y construcciones colectivas del espacio social.

vía Latitudes: ‘Campus’, Espai Cultural Caja Madrid, Barcelona, 27 June-28 August 2011.