CHANTAL MAILLARD 15/10/2011

Aplaudo la indignación democrática, siempre que sea coherentemente democrática: el demos, el pueblo, en época de globalización, se extiende mucho más allá de nuestras pequeñas fronteras, personales y políticas. No estamos en 1944, tampoco en 1968. Los derechos universales han de ser entendidos y defendidos, ahora, globalmente, sin excepción de pueblos ni de razas, humanas y no humanas, pues lo que afecta a uno sólo de los seres del planeta nos afecta a todos.

Me indigno porque hablar, hablamos mucho, pero ¿daríamos un ápice de nuestras comodidades diarias por salvar a un inocente cuando éste no es “de los nuestros”? ¿De verdad? Siempre que trazamos fronteras, éstas nos hacen ser entidades mezquinas.

Me indigno cuando nos indignamos por un recorte de nuestros sueldos pero no lo hacemos por los dos millones y medio de desplazados que mueren de hambre en los campos de Somalia.

Me indigna que no nos indignemos y pidamos responsabilidades a nuestros Gobiernos, a los que tal vez podríamos acusar de genocidio por omisión. Pero claro, tenemos otras prioridades.

Me indigna que consideremos que esto no nos atañe y que recibamos al rey del Vaticano (¡qué poco y qué mal recordamos la Historia!) con bombos y platillos. ¿Por qué no darían los cristianos el coste de su fiesta papal para evitar la muerte de una parte de estos dos millones y medio de personas? Me indigno cuando las sectas se indignan bañadas en su hipocresía.

Me indigna que la mayor parte de la población veamos aproximarse el desastre sin variar en nada nuestra forma de vida consumista.

Me indigno porque no acabamos de considerar a los demás seres de este planeta como semejantes. Porque hay que seguir pidiendo perdón por pensar que un animal es uno de nosotros y por decir en voz alta que son mejores que nosotros.

Me indigna que no sintamos en nosotros al animal, al auténtico animal, clamando por un poco de sosiego.

Me indigna que no nos alcemos más alto y desenmascaremos esta farsa que llamamos democracia cuando sabemos pertinentemente que el sistema no funciona, que no votamos a quienes queremos que gobiernen sino que más bien participamos en un torneo preparado por quienes controlan económicamente el circo de las candidaturas y sus ferias electorales. Y sabemos, también, que no hay ideal ni sabiduría en la mayor parte de quienes pugnan por representarnos sino, todo lo más, la pericia del jugador que participa, conscientemente, en un juego amañado por las grandes empresas, frente a las que no todos los políticos tienen el arma que conviene: un espíritu educado en la templanza y otras virtudes necesarias para calmar el ansia.

Y ¿qué hacer? ¿Qué modelo inventar?

Clamar por la sabiduría. Educar a un niño poniendo a su alcance los medios para la más alta comprensión. Mirar hacia otros pueblos: los últimos supervivientes de las selvas tropicales, Bhutan tal vez, pueblos felices, si los hay. Aprender de ellos, de su felicidad: su eudaimonía: la buena (eu) voz interior (daimon), el buen-estar. El buen daimon es algo con lo que se nace, pero se ausenta en cuanto uno insiste en procurarse un bienestar calculado en forma de pertenencias y derechos adquiridos. El Estado de bienestar se sostiene sobre un paquete de derechos adquiridos a costa de otros, de muchos otros, y a los que no estamos dispuestos, al parecer, a renunciar. No hay felicidad que se asiente sobre tales bases.

Urge pensar en formular otro tipo de Gobierno, que no sea precisamente del demos: gremial y etnocéntrico, ni tampoco se sostenga en el krátos: el poder, sino en la comprensión, la compasión y el conocimiento.

vía Indignación · ELPAÍS.com.

Occupy Art World #!/OccupyArtWorld

Artists join Occupy LA movement at City Hall LAT
OCCUPY TOGETHER occupytogether.org
Occupy Wall Street occupywallst.org

This Saturday at 5pm we take: Times Square theoccupationparty.com
Occupy NYC, Minnesota, Amsterdam… livestream.com
Occupy Wall Street adbusters.org
Workshops of Resistance at the Museum of Arts and Design madmuseum.org
Full coverage: ‘Occupy’ protests LAT

15M/15O, madrid, mani, dibujos de Enrique Flores:
-la charla de antes de comer
-los manifestantes
-la asamblea y la ocupación

VÍCTOR LENORE 03/06/2011

El periodista Guillem Martínez es el padre de un concepto cada vez más utilizado: la Cultura de la Transición. Resumiendo mucho, viene a significar que desde los años ochenta la izquierda española prefirió evitar cualquier tipo de conflictos (culturales, políticos o generacionales) en favor del consenso y la paz social. Treinta años después, el hechizo parece haberse roto debido al Movimiento 15-M, que cosechó el mes pasado un triunfo arrollador al ocupar las plazas de grandes ciudades con decenas de miles de personas.

Tras años de consumismo narcisista, muchos creadores vuelven a hablar de inteligencia colectiva, se mezclan con los movimientos sociales y huyen de los escaparates artísticos. Los contenidos se difunden mejor desde la calle o Internet que dentro del museo más moderno y prestigioso. Saben que la ciudad no es exactamente suya: hay que disputar el espacio público a la avalancha publicitaria y a los acontecimientos festivos precongelados, ya sea una boda real, La Noche en Blanco o una celebración futbolera. ¿Estamos viviendo el fin de una era?.

Consultamos a la artista gallega María Ruido, que en 2005 sufrió la censura de un conocido banco por una de sus instalaciones. Curiosamente, ocurrió en la misma plaza de Catalunya de Barcelona, donde una multitud de acampados clamaban en 2011 contra los rescates de entidades financieras con dinero público. “La instalación estaba dentro de una sucursal que es como un escaparate. Allí puse un panel que mostraba datos económicos sobre los negocios inmobiliarios del banco. Nada inventado: todo eran cifras sacadas de la propia web del banco o de la prensa económica”. La obra fue desmontada. “Una cifra positiva para la junta de accionistas, ya sean sus ganancias o el porcentaje de suelo que poseen, se vuelve incómoda cuando se muestra en un lugar público de paso”.

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vía 2011: El año de la acción directa · ELPAÍS.com.

Estrategias y herramientas de la inteligencia colectiva

19:34 a #Bcultura per Cristina Riera

Se ha hablado mucho de la inteligencia colectiva. Y en quince días se materializó como pocas veces.

No surgía de la nada, desde hacía un tiempo se venían gestando movimientos que hacían sospechar un runrún en estado de ebullición subterránea, y se habían ido tejiendo redes rizomáticas cada vez más extensas y sólidas. Redes generadas de forma natural y orgánica, basadas en intereses y preocupaciones comunes, y esas son redes solidarias y poderosas.

Y finalmente algo explosionó, la gota desbordó el vaso y las gentes las plazas. Plazas físicas y virtuales. Porque pocas veces hasta ahora las dimensiones 1.0 y 2.0 se interrelacionaron más eficaz e intensamente, aunque quizá falte aún algo de plasmación del potencial del 2.0 en el 1.0 en cuanto a formatos y herramientas. Plazas a las que cada uno llegaba con su particular alforja de pequeña gran experiencia, dispuesto a ponerla a disposición de una suma quizá algo desordenada, pero que poco a poco y con la ayuda desinteresada y espontánea de todos iba tomando forma, y que sin duda irradiaba una energía imparable.

De expertos en guerrillas urbanas a expertos a guerrillas comunicativas. De la acción pura al intento de abstracción y reflexiones de estudiosos e intelectuales desbordados. De jóvenes por una vez ilusionados a mayores con la carga de escepticismo que acarrean las batallas perdidas.

Alforjas llenas de tiendas de campaña, cartones, post-its e ideas, libros indispensables, vídeos de referencia, bibliotecas, lecturas colectivas, radios, tv streamings, cámaras, pucheros, periodismo social, voces y sonidos, escritos cargados de emoción directa (como los de @ptqk, @silvink o @kamen), micro-obras de teatro, charlas (como las de Castells o Punset) asesoramiento legal, sistemas de votación online… Armas y municiones diversas, pero todas ellas con un único objetivo, hacer oír una voz anónima pero poderosamente unida. Y surgieron manifiestos, comisiones, mapas conceptuales… Y las estrategias locales respondieron a sentimientos globales, y la #spanishrevolution se convirtió en #globalcamp.

Quizá aún estamos demasiado inmersos en la intensidad del momento, pero si uno para un segundo para analizar la cantidad de estrategias y herramientas generadas en tan sólo quince días, da vértigo imaginar de lo que es capaz esa inteligencia colectiva. Probablemente sea necesario tomar conciencia de todo ello, ordenar mejor esa caja de herramientas para explotar al máximo su potencial, coordinar y marcar caminos conjuntos, pero atención a esa caja, es altamente explosiva, cargada de pequeñas grandes sabidurías. (ver mucho más en “Los virales de la spanishrevolution 1 y 2 ”, recopilación publicada en el blog de El País)

vía #Bcult | Blog | Estrategias y herramientas de la inteligencia colectiva.

“Caminamos hacia una mente colectiva hiperconectada”

vía “Caminamos hacia una mente colectiva hiperconectada”.

La UE dictaría una directiva para permitir el cierre de sitios que albergaran contenido protegido

T. D. - Barcelona – 13/05/2011

La ley Sinde, tan discutida en España, puede servir de ejemplo a las autoridades europeas que planean exportar el régimen de clausura de sitios que impone el citado texto. Euractiv, una página fiable sobre la actividad de la Unión Europea, asegura que las autoridades europeas preparan una directiva en este sentido y titula la noticia : “M. Barnier quiere un sistema de control de Internet a la española para la UE”. Barnier es el comisario europeo de mercado interior responsable de la política sobre la propiedad intelectual.

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El pleno del Congreso español aprobó la llamada ley Sinde en febrero de este año con 323 votos a favor -PSOE, PP y CiU-, 19 en contra -PNV, ERC, IU-ICV, BNG, CC, UPyD y Na-Bai- y una abstención. La ley es una disposición incluida en la Ley de Economía Sostenible , un documento que incluye medidas en varios ámbitos con las que el Gobierno quiere impulsar un cambio del modelo productivo. Tras ser rechazada en el Congreso en un primer momento, la polémica ley Sinde fue aprobada en el Senado, con el apoyo de la mayoría de los grupos parlamentarios, entre ellos el PSOE, el PP y CiU. El resultado fue de 244 votos a favor y 12 en contra.

El Senado modificó algunos aspectos de la ley con enmiendas que garantizan la intervención judicial durante el proceso de cierre de una web. La ministra Ángeles González-Sinde confía en que una vez aprobada la ley será en “verano cuando se empezarán a aplicar los primeros casos”. La citada normativa está siendo vivamente criticada por la comunidad de internautas. Esta semana se ha presentado un “Manual de desobediencia” a la ley Sinde.

vía Europa se propone imitar la ‘ley Sinde’ · ELPAÍS.com.

Ángeles González-Sinde valora que la UE quiera copiar su ley antidescargas

La ministra de Cultura defiende en Valencia que el modelo español de defensa de la propiedad intelectual es exportable

vía Ángeles González-Sinde valora que la UE quiera copiar su ley antidescargas – ABC.es.

Autora: Nekane Aramburu et alteris

Este libro presenta los resultados de la investigación y análisis de los espacios independientes y colectivos de artistas en el Estado Español desde 1980 realizado por Nekane Aramburu en el año 2010. Modelos de autogestión, producción y comunicación para la creación contemporánea que desarrollaron una labor fundamental en una época en la que apenas existían infraestructuras.

Esta otra historia de la creación contemporánea relativamente reciente pero aún desconocida, sin apenas documentar ni analizar su evolución con criterios imparciales. Por ello conocer sus génesis y mutaciones, los caminos paralelos, oscilantes y ensortijados que han recorrido en el devenir del arte entre lo oficial y lo alternativo, lo visible y lo subterráneo, resulta fundamental para comprender la situación de las prácticas creativas y modelos de gestión que están abocadas a cambios estructurales profundos tras una nueva crisis.

La actividad desplegada en estos treinta años por un gran número de organizaciones queda reflejada en la web archivoscolectivos.net.

En paralelo los agentes activos que han desarrollado su labor en estos ámbitos de la gestión cultural han trabajando en unos textos de análisis para ser publicados en esta edición: Florenci Guntín, Clara Garí, Karin Ohlenschläger, Paco Salinas, Jana Leo, Tomás Ruiz Rivas, Alicia Jiménez, Juan José Martín, Juan Ramón Barbancho, Carlos Trigueros y Nekane Aramburu han dado lugar a un manual útil y único.

vía Historia y situación actual de los colectivos de artistas y espacios independientes en el Estado español (1980-2010) : Instituto de Arte Contemporáneo.

Archivos Colectivos

Historia y situación actual de los espacios independientes y colectivos de artistas en el estado español (1980 – 2010)

vía Archivos Colectivos | Historia y situación actual de los espacios independientes y colectivos de artistas en el estado español (1980 – 2010).

El Ministerio de Educación ha editado con colaboración del Instituto de Arte Contemporáneo El arte como criterio de excelencia, folleto elaborado por Juan Luis Moraza y Salomé Cuesta que explica las posibilidades del modelo ARS (Art, Research, Society) en el proceso de modernización y mejora de las universidades. Con él, el Instituto de Arte Contemporáneo cumple un primer objetivo en esta línea de trabajo que pretende acercar el mundo profesional del arte a la Universidad.
El día 9 de febrero, en un encuentro convocado por la Secretaría General de Universidades al que asistió Juan Luis Moraza en representación del IAC, se entregaron ejemplares a los rectores de las universidades españolas.

Introducción de Màrius Rubiralta, Secretario General de Universidades
El Programa Campus de Excelencia Internacional se basa en la agregación estratégica de universidades, de instituciones relacionadas con el Triángulo del Conocimiento, y del sector productivo, que actuando en un entorno o campus, busquen tanto una mayor influencia en el desarrollo regional, como su referencia y posicionamiento en el contexto internacional. A partir de dicha agregación, y alineando los intereses individuales a una estrategia común, se pretende alcanzar un proyecto, que en el horizonte de 2015, logre mayores niveles de excelencia e internacionalización en alguno de los sectores de especialización en que los actores de dicha agregación presenten mayores fortalezas y oportunidades.
En tal sentido podría ser conveniente que el desarrollo de esos sectores de especialización contemple la creación artística como un elemento a considerar para alcanzar los niveles de referencia internacional y, por ello, atendiendo a las demandas recibidas, en la convocatoria del Programa Campus de Excelencia Internacional correspondiente al año 2011 se podría considerar la concesión de ayudas para promocionar la creación artística como cruce disciplinario Arte-Ciencia-Tecnología, al objeto de constituir un espacio estratégico para la excelencia universitaria y su gestión próxima a la demanda de la sociedad y el mercado.
El 4 de octubre de 2010 la Secretaría General de Universidades y el Instituto de Arte Contemporáneo, asociación de profesionales de las artes visuales, firmamos un convenio para “fomentar la elaboración de modelos de excelencia, que integren aspectos vinculados con la sensibilidad artística interdisciplinar entendida como núcleo fundamental de la educación ciudadana y de la cultura”. Como primer resultado de este acuerdo de colaboración, el Instituto de Arte Contemporáneo ha propuesto a la Secretaría General el modelo ARS, que aspira al fortalecimiento de la intersección real entre Arte, Ciencia y Tecnología, lo que sólo es posible desde el reconocimiento de la experiencia artística como una experiencia de conocimiento imprescindible para un modelo de excelencia integrador y cooperativo entre Universidad, sociedad, y empresa.
El objeto de la presente publicación es ayudar a las universidades participantes en la próxima convocatoria del Programa CEI, al objeto de que al diseñar sus proyectos referentes al ámbito de la creación artística puedan conocer algunas ideas de cómo podrían perfilarse, si quiera parcialmente, esas actuaciones.

Leer y descargar: CEI. El arte como criterio de excelencia

vía Publicación: El arte como criterio de excelencia : Instituto de Arte Contemporáneo.

La historiadora Encarna Jiménez Losantos, directora de comunicación del IVAM y ex jefa del Gabinete de Prensa del Ministerio de Cultura y del Museo Reina Sofía de Madrid, ha publicado un libro que, con esa pregunta Cómo enseñar un museo (IVAM) analiza el papel de los museos de arte contemporáneo hoy y discute qué estrategia resulta cabal para acercarlos a un público amplio.

“Si la Revolución Francesa abrió las colecciones reales al pueblo”, escribe, “las políticas sociales y estrategias de comunicación han hecho posible que nadie olvide que un museo de arte moderno debe ofrecer servicios que no se dejen arrastrar por el oportunismo y que no confundan un museo con un parque temático”…

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vía ¿Cómo enseñar un museo? >> Del tirador a la ciudad >> Blogs EL PAÍS.

Cómo enseñar un museo (IVAM) de Encarna Jiménez Losantos, directora de comunicación del IVAM ivam.org/catalogopdf

“No llamemos arte al arte contemporáneo”

J. M. MARTÍ FONT – Barcelona – 28/09/2010

La historia no tiene un sentido determinado y el arte contemporáneo no merece ser llamado arte. Marc Fumaroli (Marsella, 1932) ha estado en Barcelona para presentar París-Nueva York- París. Viaje al mundo de las artes y de las imágenes (Acantilado), “un panfleto erudito”, en palabras de su editor, en el que vuelve al eterno debate entre los antiguos y los modernos.

Pregunta. ¿Es usted reaccionario?

Respuesta. ¿Reaccionario? Es verdad que me gusta mucho reaccionar y las gentes que reaccionan están muy vivas. Lo tomo en el sentido exacto del término. No creo que la historia tenga un sentido ni que tengamos que inclinarnos ante el sentido de la historia. La gente que me interesa son aquellos que van contracorriente. He conocido la época en la que todo el mundo marchaba en el sentido de la historia, que no era otro que el que se marcaba desde Moscú. Me hace feliz estar contracorriente e incluso ser muy reaccionario. Cierto, ahora hay que reaccionar contra otras cosas distintas a las del momento en el que la URSS era considerada en Francia como la promesa del futuro de la humanidad.

P. Hay quien dice que Francia es un país soviético que ha tenido éxito.

R. O que Francia es el último país del Este, sí, pero no hay que tomárselo en serio. Lo que sí es cierto es que nuestra modernidad es nuestro Estado, lo que desde el punto de vista anglosajón es una cosa extraña, pero ahora lo hemos sustituido por la sumisión servil a una imagen falsa que Europa se hace de Estados Unidos.

P. Es usted especialmente crítico con el arte contemporáneo, con esta concepción del arte espectáculo…

R. No solo del arte espectáculo, sino del arte negocio. Hay una nueva clase social que surge de la acumulación del dinero en una esfera extremadamente estrecha, pero mundial. Estos millonarios ya no quieren tener en casa un tiziano o un delacroix, sino signos exteriores de riqueza. Y eso es lo que les proporcionan las galerías que les ofrecen tiburones dentro de tanques de formol o juguetes sofisticados como los que produce Jeff Koons.

P. ¿No cree que este arte pueda llegar a ser popular?

R. A la gente le gustan otras cosas, el deporte, la música rock… No me parece mal. Lo que me resulta odioso es vender a esta gente, que no lo quiere y que tampoco se lo puede permitir, un arte reservado a la imagen de los famosos. La gente común va mucho más al museo del Louvre, a los museos de arte antiguo… Esos lugares convocan auténticas peregrinaciones.

P. ¿En qué momento el arte toma esta deriva? ¿La culpa la tiene Marcel Duchamp?

R. No, claro que no. ¡Pobre Duchamp! Era un snob francés muy elegante que jamás se hubiera encontrado con Warhol. Lo suyo era el privilegio de pequeños grupos muy exquisitos. Cuando el MOMA hizo la primera retrospectiva de Warhol, Duchamp devolvió la invitación, que no era sino la imagen de La Gioconda con bigotes, que él mismo había realizado. Consideró obsceno que aquel mal artista utilizara una imagen que él había inventado para hacerse su propia publicidad. Hay un mundo entre Duchamp y Warhol. La fórmula de Duchamp era: ‘todo lo que se pone en un museo se convierte en obra de arte’. Warhol la utiliza en el sentido de que todo lo que hay en los supermercados puede entrar en museo y convertirse en obra de arte. Nunca Duchamp pensó esto.

P. ¿La línea roja la marcaría el pop americano?

R. Creo que ha influido mucho transportándonos a este universo que no está hecho para los europeos. Hay un punto común en el arte, la exigencia de una obra, y hemos entrado en un mundo en el que el arte no supone una obra, sino solo un concepto, una cosa efímera que durará un tiempo breve y que, momentáneamente excita un poco a los periodistas. Esta es la gran ruptura. No hay derecho a utilizar la palabra arte para lo que se llama el arte contemporáneo, no lo llamemos así; habrá que inventar otra palabra, tal vez entertainment para millonarios.

P. Pero hay artistas que aún hacen arte…

R. Sí, pero no tienen el favor de los medios de comunicación, ni de los museos. En España hay gente interesante, hay pintores notables. Si vuelve la pintura y la escultura, lo que sucederá, España estará en primera fila. Sartre dijo una vez: hay gente retrasada que está por delante.

P. ¿No será usted sartriano?

R. No, pero sucede que Sartre, de vez en cuando, dijo algunas verdades. Sartre es un fenómeno de la posguerra, un profesor que nunca debió ocupar el lugar que tuvo, pero la guerra y el hecho de que una buena parte de la intelligentsia francesa fuera colaboracionista le convirtió en una especie de vedette que nunca debió ser. Y él se volvió loco, a fuerza de creerse vedette. Personalmente -y no soy el único-, nunca consideré que Sartre fuera un maître à penser.

P. Tampoco parece tener usted muchas simpatías por el Mayo del 68.

R. El único aspecto simpático de la gente de Mayo del 68 es que se reían del general De Gaulle y del gaullismo, que en el fondo era un régimen estrecho, mezquino. Por lo demás no hicieron más que abrir la puerta a la mercantilización general del universo. Todos se han convertido en capitalistas y en controladores del sistema mediático. Los sesentayochistas son quienes ahora tienen el poder. Desde el primer momento me di cuenta de que no eran más que hedonistas que se iban a lanzar a la sociedad de consumo.

P. Pero hubo varios 68…

R. Sí, en Estados Unidos era mucho más interesante, porque era un movimiento anticapitalista, un movimiento un poco ingenuo pero antiutilitarista, se trataba de reencontrar la felicidad, la voluptuosidad, la naturaleza… Estaba Bob Dylan, Allen Ginsberg, era un movimiento de salida del universo material, fordista, había algo noble en ello. En Francia era totalmente glacial, la gente que estaba vendida de antemano, gente como Cohn Bendit… insoportable. Ahora se les ve gordos, viejos.

P. ¿Es usted un optimista o un melancólico?

R. Es necesario un optimismo que sea capaz de absorber el pesimismo, no de esconderlo o rechazarlo, sino de devorarlo, de quemarlo. En la medicina antigua había la idea de que los melancólicos podían ser locos o genios. Los unos quemaban su melancolía y se convertían en genios iluminados por el incendio, y los otros se volvían locos porque la melancolía es pesada y aplasta, es como el petróleo. Es profundamente verdadera esta idea. Ahora estamos en la fase del petróleo y estamos ahogados por el petróleo. La literatura, cuando vuelva, será la literatura de lo grotesco, porque hacer reír ya es curar. Hacen falta dos o tres Rabelais.

vía “No llamemos arte al arte contemporáneo” · ELPAÍS.com.

28-06-2010

Si la investigación y la innovación son dos términos asociados de forma natural, el reconocimiento de la creatividad, y de manera más amplia, de la cultura como factor de innovación, puede parecer más novedoso.

El Ministerio de la Cultura y de la Comunicación de Francia, consciente de la importancia de coordinar Investigación, Innovación y Cultura, viene promoviendo desde hace años programas y líneas de actuación que permitan establecer sinergias provechosas entre estos tres vértices.

El último número de la publicación “Culture et Recherche”, promovido por este Ministerio, tiene un doble objetivo:

• por un lado, mostrar la manera en que se integra la cultura en el nuevo panorama francés y europeo de la investigación y la innovación con sus diferentes componentes: los agentes y dispositivos que promueven la investigación o la difusión de la innovación

• por otro, ilustrar esta integración de la forma más concreta posible y en toda su diversidad, presentando bajo el ángulo de la innovación diferentes campos de la investigación cultural: industrias culturales, la arquitectura, artes visuales y diseño, museología, música, audiovisuales…

Este dossier ilustra cómo se enfrentan al reto de la innovación los diferentes actores culturales, bien desde el punto de vista social, tecnológico y digital, bien desde la perspectiva económica u organizacional. Dibuja un paisaje complejo, multidisciplinar, cuyos contornos siguen creciendo hacia una innovación abierta como es la cultural.

Así, algunas de las experiencias más destacables que contiene la publicación están:

• La convocatoria de “Servicios digitales culturales innovadores, dirigida a promover la experimentación basada en los contenidos digitales disponibles en Internet, y estimular nuevas asociaciones entre entidades públicas, servicios del Estado, colectividades locales, agentes privados y laboratorios de investigación. Son propuestas dirigidas al público en general, que destacan por su carácter innovador y su visibilidad.
• Cap Digital,, polo de competitividad de contenidos y servicios digitales creado en 2006, es una agrupación de más de 500 empresas y organismos innovadores que invierten en servicios, contenidos y tecnologías del conocimiento. Aporta su experiencia y capacidad de gestión, financiación y competitividad internacional para promover la I+D+i. El polo también desarrolla acciones de reflexión y prospectiva a través de su programa Think Digital.
• Apoyo a la innovación en el Centre nacional du cinéma et de l´image animée (CNC) gestiona diferentes dispositivos para ayudar a la creación artística que explora las posibilidades de los nuevos medios de comunicación y tecnologías digitales. En colaboración con Oséo Innovation, la CNC también apoya la innovación en las PYME de los sectores del cine, el audiovisual y multimedia.

• La difusión de la innovación. La innovación y sus interacciones con la investigación, la invención, la economía, la sociedad tienen su lugar en las instituciones de difusión de la cultura científica y técnica. La Ciudad de las Ciencias y de la Industria le dedica un ciclo de exposiciones temporales, y el Observatorio de innovación, un dispositivo multimedia y un foro de experimentación y debate: la futura Tech’galerie.

Además de los artículos seleccionados, en este número de “Culture et Reserche” se abordan proyectos que comprenden ámbitos más específicos dedicados a la investigación y la innovación en la música, el audiovisual, el arte contemporáneo la arquitectura, el diseño, etc.

vía Cultura, Innovación e Investigación, el caso francés | Kulturklik.

Culture et Recherche
DERNIER NUMERO PARU:

N° 121, AUTOMNE-HIVER 2009, 44 PAGES

Vía DOSSIER : RECHERCHE, CREATIVITE, INNOVATION

Voir le numéro complet (PDF, 44 p., 1,09 Mo).

Que el arte asuma responsabilidades? ¡Qué desatino! ¡Qué anticuado! Y, sin embargo, amigo mío, siempre ha sido así. A veces pareciera que la poética romántica, con su insistencia en la pura expresividad subjetiva y su lema de l’art pour l’art, desentendido de cualquier otro designio que no sea el arte mismo, haya sido cosa de siempre, cuando sucede lo contrario, es el Romanticismo el que, en un vuelo de pájaro sobre la historia universal, aparece como fenómeno reciente, apenas de un par de siglos atrás, por mucho que últimamente su cosmovisión haya tintado la entera conciencia moderna hasta tornarse la imagen natural del mundo del hombre contemporáneo. Por mi parte, opino que el verdadero arte, a lo largo de los diferentes periodos históricos, nunca ha dejado de servir responsablemente al progreso moral del hombre, y a esta regla no es excepción el arte romántico de la subjetividad, que contribuyó, de manera refleja, aun sin proponérselo, al buen suceso de la causa civilizatoria entonces en liza.

Dirán: ¿qué relación con esta causa pueden tener, por ejemplo, Los padecimientos del joven Werther, cuyo suicidio final incitó a una juventud alemana ya bastante inflada de sentimentalismo a quitarse estúpidamente la vida ante el primer contratiempo amoroso (algunos llevaron su mimetismo hasta vestir en el fatídico momento, como el modelo literario, levita azul y chaleco amarillo)? ¿No es esta novela más bien -como la mayoría de las obras maestras de los siglos XIX y XX- un ejemplo de torpe negligencia moral? ¿Qué responsabilidad cabe apreciar en las hermosísimas pero decadentes rememoraciones del narrador de En busca del tiempo perdido o en las mórbidas aventuras de Aschenbach, el héroe de Muerte en Venencia? ¿Qué en las experimentaciones formales y lingüísticas del Ulises de Joyce? Por no mencionar la literatura dadaísta o la surrealista, porque ¿qué otra inspiración hallamos en ellas sino la embriagada autoafirmación del yo y el desprecio nihilista hacia las instituciones sociales de convivencia, cuya ruina anhelan?

Y, sin embargo, sí, en todas estas manifestaciones del arte de la subjetividad romántica, y en otras tantas que podrían citarse, descubrimos un altísimo servicio a la humanidad. Desde la Ilustración, la única elección posible para el hombre civilizado era militar en la bandera de la liberación subjetiva en lucha contra la opresión ideológica y política que habían convertido en norma los Estados absolutos del Antiguo Régimen. Y esas novelas que narran de mil maneras las tribulaciones del individuo en conflicto con una sociedad que lo aliena contribuyeron decisivamente a la educación sentimental del yo moderno y le despertaron al sentimiento de su propia dignidad, resistente al interés general del Estado y al bien común que éste administra, porque, simpatizando con esos personajes cuyos destinos se agitan entre tantas adversidades, los lectores percibimos como injustas las violaciones que sufren en sus vidas y, de paso, también en las nuestras y, aprendiendo a aborrecer esos atropellos, nos nace el apetito de más y más libertad.

Paralelamente, la experimentación formal que practica la vanguardia artística y literaria es también una forma de liberación, en este caso estilística, porque en esos juegos formales se reivindica la originalidad del creador, que rompe con las técnicas, las rutinas y los oficios heredados, aparentemente necesarios y sancionados por una tradición de grandes maestros, pero que los artistas modernos, con sus audaces transgresiones, demuestran que son artificios históricos y susceptibles de cambio.

De manera que, en suma, tanto en el fondo como en la forma, la literatura de la subjetividad, gracias a la genuina persuasión del arte, mucho más eficaz en la reforma de la sentimentalidad que los tratados discursivos, nos enseñó la pasión por la libertad y el amor a nosotros mismos.

Esta lección ya está aprendida. Ese amour de soi que recomendaba Rousseau está sobradamente establecido en nuestros corazones. La misión histórica del arte de la subjetividad está cumplida. La nueva misión es ahora otra y está relacionada con hallar la manera de armonizar, en convivencia pacífica, a millones de subjetividades enamoradas de ellas mismas y poco acostumbradas a no concederse a sí mismas todos sus caprichos.

Bien mirado, es una especie de milagro que el hombre acepte las inhibiciones inmanentes a la civilizada vida en común, que suponen restricciones a la libertad individual. ¿Por qué conducirme como persona civilizada si es más gratificante ser un bárbaro? Han de ponerse en juego todos los resortes que resulten persuasivos para convencer al hombre a que incline su voluntad por la civilización, pese a todos los gravámenes que conlleva. La tarea civilizatoria ahora pendiente es la urbanización de la espontaneidad instintiva del yo como paso previo a la transformación de éste en ciudadano.

Y en este cometido, el arte, que acumula elevadas reservas de poder carismático y transformador del corazón, es un cooperador necesario. Esa promesa de felicidad del arte -de todo arte, incluso del más sórdido-, ese encantamiento que vierte sobre la realidad inhóspita del mundo, contribuye a hacer más soportables las limitaciones impuestas por la sociedad de los hombres a las pulsiones bárbaras del yo. Es impensable una civilización sin una poética, pues sin ella los gravámenes a la libertad se nos harían odiosos.

El problema estriba en que la mayoría del arte que hoy se produce permanece aún enredado en el añejo paradigma de la liberación subjetiva pese a que sus fuentes hace tiempo que quedaron exhaustas, y esta discordancia está retrasando el momento en que el arte asuma su responsabilidad también en el nuevo periodo histórico, el democrático, que, si quiere ser viable, ha de arreglarse una poética propia, no heredada. El desfase se aprecia con particular pregnancia en las artes plásticas, pero también en la literatura. Alguien debería razonar sobre la actualidad de las olvidadas novelas de educación. Quizá yo mismo lo haga en una entrega próxima.

vía Compromiso en el arte · ELPAÍS.com.

“Los humanos somos aquello que de nosotros dicen nuestras imágenes”. La frase, una de las muchas citas de antología que casi obligan al subrayado, explica en cierta manera de qué va la maravilla de Autobiografía sin vida (Mondadori), el último libro de Félix de Azúa. En este lúcido y casi poético ensayo, este escritor y profesor de Estética recién jubilado (“para trabajar sin otras distracciones”, dice) va recorriendo las imágenes que han marcado su vida, la de su generación y, en cierta manera, la de todo el arte occidental. Desde los caballos rupestres de la cueva de Chauvet hasta la última performance, póstuma como el arte mismo, de James Lee Byars. Este paseo vital le lleva por la cruz (“desde niños veíamos esta barbaridad colgada, ¡lo que debió traumatizarnos esta imagen!”), la escultura clásica (“todos hemos sido griegos en la adolescencia”), las catedrales góticas, la pintura flamenca, La muerte de Marat, de David, los Desastres, de Goya, o el suicidio de Rothko. Y en cada fase constata cómo el arte ha ido desgastando la vida, robándole su magia, para convertirla en la sombra de lo que fue, en pura representación, hasta su aniquilación.

“Hay un momento final. A partir de Hiroshima, los humanos nos damos cuenta de que podemos autodestruirnos hasta desaparecer del cosmos. Se produce entonces una grieta gigantesca con el pasado y comienza una nueva era. Es como el paso del paleolítico al neolítico. Y el arte de esta nueva era está empezando aún. Por eso nos parece rarísimo, desconcertante, porque viene a decir ‘he muerto’, pero esto es la obra de arte. Presenta como obra de arte su propia desaparición. Es difícilísimo en este momento trabajar sobre cuestiones artísticas. Creo que hay que ser filósofo, vaya, y en el sentido técnico de haber estudiado la carrera. Estamos en el puro vacío, en la representación artística de la muerte del arte, que ha alcanzado la fase hegeliana de la autoconsciencia. Esto le lleva a la autodestrucción pese a que, simultáneamente, esta destrucción es artística. Es una contradicción muy interesante para los que nos dedicamos a la teoría, pero, claro, a la gente le desconcierta mucho. Es todo complicadísimo y al mismo tiempo es nuestra representación. Llevamos una vida así de complicada”.

Pese a que el libro rezuma vida y ganas de vivirla, Azúa está convencido de que “habitamos un mundo ya destruido por la bomba atómica”. Asegura que el terror nuclear que atenazó a su generación se ha dulcificado porque “es imposible mantener la tensión de la muerte tanto tiempo”, pero ya está interiorizado de tal manera que sólo lo percibimos en el reflejo de este arte complejo y duro que nos desorienta.

“La historia del arte, con mayúsculas, está cerrada. Va a ser muy difícil que se mantengan los grandes discursos antiguos”. ¿Qué vendrá? “No tengo ni idea. Lo que está claro es que el arte así como se ha concebido en los últimos 30.000 años se ha acabado. Pero también sé que no podemos prescindir del arte, como no podemos hacerlo de la religión o la ciencia”. La magia, ese punto de simpatía o comunión con la vida o el cosmos, es una pulsión, dice, que no desaparecerá. “Suele decirse que lo propio de los artistas es mantener viva esta magia, pero cualquiera, por muy alejado que esté de las cuestiones estéticas, sabe de qué hablamos. También un hincha de fútbol en plena euforia etílica puede tener este momento artístico. Y no hace falta exagerar tanto, esta comunión con el cosmos se le da a todo el mundo en el momento en que se enamora. Enamorarse no es otra cosa”. Arte.

vía “La historia del arte está cerrada” · ELPAÍS.com.

“Es una de las obras maestras de la literatura del Holocausto”. Con esta contundencia define Claudio Magris Necrópolis, de Boris Pahor, uno de los sobrevivientes eslovenos del horror del nazismo en la Segunda Guerra Mundial. El escritor italiano se refiere en esos elogiosos términos en el prólogo que acompañará la edición española del libro que Anagrama pondrá a la venta el próximo 13 de mayo. Ante la trascendencia del valor testimonial y literario de Necrópolis, Babelia adelanta hoy este texto de Magris en ELPAIS.com, donde tras estas páginas el lector se encontrará con un Boris Pahor cuyo nombre y obra queda ya unido al de otros autores que han narrado desde su experiencia el infierno del Holocausto, tales como Primo Levi, Elie Wiesel, Imre Kertész, Robert Antelme y Jorge Semprún.

“La mirada micrológica del autor atrapa lo esencial -el horror difícilmente expresable- desde partículas aparentemente insignificantes y coloca cada cosa, aunque sea mínima, dentro de una perspectiva global, dentro de la totalidad de la vida y de los procesos naturales e históricos”. Es la mirada del italiano Magris sobre el texto que ha creado Pahor, un hombre de 97 años nacido en Trieste y que estuvo en el campo de concentración de Natzweiler-Struthof en la Alsacia francesa, el primero de los campos de la muerte que fue descubierto por los aliados en 1944.

“Con este gran libro Pahor afronta la tortuosa pesadilla de la culpabilidad del superviviente, de quien ha regresado”, analiza el autor de El Danubio.

vía El último texto de Claudio Magris, en ‘Babelia’ · ELPAÍS.com.

El Holocausto con voz eslovena

Babelia avanza en primicia el prólogo que Claudio Magris ha hecho para el libro imprescindible de Boris Pahor, ‘Necrópolis’ (Anagrama), sobreviviente del nazismo

“Es una de las obras maestras de la literatura del Holocausto” Con esta contundencia define Claudio Magris Necrópolis, de Boris Pahor, uno de los sobrevivientes eslovenos del horror del nazismo en la Segunda Guerra Mundial. El escritor italiano se refiere en esos elogiosos términos en el prólogo que acompañará la edición española del libro que Anagrama pondrá a la venta el próximo 13 de mayo. Ante la trascendencia del valor testimonial y literario de Necrópolis, Babelia adelanta hoy este texto de Magris en ELPAIS.com, donde tras estas páginas el lector se encontrará con un Boris Pahor cuyo nombre y obra queda ya unido al de otros autores que han narrado desde su experiencia el infierno del Holocausto, tales como Primo Levi, Elie Wiesel, Imre Kertész, Robert Antelme y Jorge Semprún.

Extracto de la novela imprescindible de Boris Pahor ‘Necrópolis’

DOCUMENTO (PDF – 126,99Kb) – 26-04-2010

Claudio Magris

A FONDO

Nacimiento:

1939

Lugar:

Trieste

“La mirada micrológica del autor atrapa lo esencial -el horror difícilmente expresable- desde partículas aparentemente insignificantes y coloca cada cosa, aunque sea mínima, dentro de una perspectiva global, dentro de la totalidad de la vida y de los procesos naturales e históricos”. Es la mirada del italiano Magris sobre el texto que ha creado Pahor, un hombre de 97 años nacido en Trieste y que estuvo en varios campos de concentración como Dachau y Natzweiler-Struthof en la Alsacia francesa, y el primero de los campos de la muerte que fue descubierto por los Aliados en 1944.

Una historia que parte, se reconstruye y vivifica a partir de una visita que Boris Pahor realiza a ese antiguo campo de la muerte de la Alsacia en medio de los turistas que hoy lo recorren. A partir de ahí, el autor logra imbricar de manera natural ese presente bullicioso de gente que pasea y quiere homenajear y no olvidar, con el infernal pasado evocado y revivido en una prosa poética. El escritor entabla un diálogo consigo mismo y con el resto del mundo. Todo ello esparcido de reflexiones sobre sentimientos, emociones, ideas y sensaciones conocidas y desconocidas que crean una cartografía de lo mejor del ser humano pero también de los precipicios empeñados en crear él mismo.

“Con este gran libro Pahor afronta la tortuosa pesadilla de la culpabilidad del superviviente, de quien ha regresado”, analiza Claudio Magris, autor de títulos como El Danubio. “Él no se deshace de la culpa, la asume como asume la presencia a cada instante de su existencia vivida en la necrópolis, que no sólo es la necrópolis de ese lugar y de los campos de concentración, sino la existencia en general”.

La narración de Pahor describe un mundo aterrador creado por Hitler y el nazismo que aunque ya contado por otros autores aquí parece y se aparece diferente. Su voz, con sus frases, metáforas y recuerdos son como una cerilla que se enciende en la oscuridad del mal.

Una de las imágenes que podría acercarse a lo que este libro contiene en forma y fondo y su trascendencia es la coincidencia y fusión de un hecho fortuito de la naturaleza con la maquinación del ser humano: “Así, la luz sorprendió en su nido a un gorrión que había muerto de hambre antes de que le saliesen las plumas y que ahora se mueve inerte de acuerdo con los movimientos de la mano que ejecuta las órdenes del examinador”.

Es la vida de un Boris Pahor que de joven tuvo la suerte de tener el dedo meñique malo, cubrirlo con una venda y gracias a eso poder contarlo. Un hecho “bendito” que le permitió “jugar al escondite con el destino”. Las páginas de Necrópolis también repasan la historia del pueblo esloveno, su cultura, el destino que por momentos se ensaña con ellos mientras ellos se rebelan contra la asimilación. Una obra imprescindible como escribe Magris en el prólogo que se puede leer hoy en la edición digital de este diario.

Ya en las páginas del propio libro se escuchan voces, pisadas, lluvias; escapan susurros; se ven los uniformes a rayas blancas y violáceas, la oscuridad; se percibe la esperanza que habita detrás de los montes Vosgos que no llegará hasta 1944; se siente el frío de la nieve, el anhelo y los remordimientos por comerse el pan del que ya no volverá; los temores agazapados que no dejan dormir. “La puerta sigue cerrada. En el bosque empieza a ulular un búho, surgido de repente de la imaginación amedrentada de un niño que se ha dejado llevar por el cuento de su abuela. El suelo está sembrado de bultos de los que crecen blancos cuerpos desnudos”.

vía El Holocausto con voz eslovena · ELPAÍS.com.

Nº1 // Libertad, Autonomía y Procomún. Movimientos urbanos en la era de la precariedad – Nicolás Sguiglia Nº2 // Comunismo / Instituciones del Común – Antonio Negri Nº3 // Política y Subjetividad – Franco Berardi “Bifo”

Desde la Universidad Libre Experimental (Ulex)/ Universidad Nómada-Málaga, espacio de formación y promoción del pensamiento crítico vinculado a La Casa Invisible, nos congratulamos en presentaros una nueva línea de edición de materiales que consideramos interesantes y útiles para comprender y atacar la realidad que vivimos, alentando debates y procesos de autoorganización en nuestros territorios más cercanos.

Hemos optado por poner en circulación textos relativamente breves aunque cargados de sentido y que faciliten su multiplicación y difusión para lo cuál se pueden conseguir en su formato cuadernillo o bien decargar de la web y distribuirse sin ningún problema.

EQUIPAJE DE MANO Textos breves para abordar nuestra realidad más inmediata, por eso vuelan veloces, sin horas previas de facturación, sin intermediarios, sin esperas ni demoras.

Iremos informando cuando estén listas las próximas entregas. Que los disfruten y esperamos sean útiles.

Universidad Libre Experimental (Ulex) Universidad Nómada Biblioteca Copyleft de La Invisible

vía Nuevas ediciones de la Ulex/Casa Invisible – Equipaje de mano | LA CASA INVISIBLE.

LA CRISIS Y LA POLÍTICA DE LO COMÚN / Encuentro-Conferencia Política

12/03/2010 12:39

Tendrá lugar lo días 19, 20, 21 de Marzo en el Ateneu Candela, Terrassa (Barcelona)

Ha trascurrido un poco más de un año después del Encuentro/Conferencia Crisis sistémica, nuevos derechos, máquinas creativas de lucha y contrapoder, realizado en el Centro Social Seco de Madrid (los materiales pueden encontrase pinchando aquí))

No cabe duda que ese encuentro fue positivo. Permitió un primer avance sobre el territorio crisis advirtiendo de las dificultades, y, especialmente, señalando también su oportunidad para pensar otras políticas diferentes a las neoliberales. Sirvió también para poner a razonar a una red política heterogénea, formada por iniciativas y proyectos políticos metropolitanos. Ese razonamiento en red ha aumentado la comunicación y cooperación entre éstos y otros proyectos a fin de encontrar prototipos y maquinas creativas más eficientes……

Toda la información del encuentro en la web:

http://communia.info/conferencia/

Programa

VIERNES TARDE_ La «época de la crisis» y el poder constituyente: nociones comunes, investigación, prototipos organizativos

19h. Mesa redonda y posterior discusión general. Intervienen: Beatriz García (participante en el Ferrocarril Clandestino de Madrid); Emmanuel Rodríguez (investigador Traficantes de Sueños); Giggi Roggero (red Edu Factory y uno de los editores del libro La gran Crisis de la Economía Global: Mercados Financieros, luchas sociales y nuevos escenarios políticos, publicado por la Editorial Traficantes de Sueños). Introduce: Raúl Sánchez Cedillo (miembro de la Universidad Nómada)

SÁBADO MAÑANA_Insertados en la época de la crisis: ¿Qué hemos hecho? ¿Qué Hacer?

10-11h Presentaciones. Introduce: Miriam (Ferrocarril Clandestino Madrid). Exposiciones de breves de los distintos grupos sobre el trabajo hecho en el marco de la crisis, los campos políticos sobre los que se ha actuado, las posibilidades abiertas y también sus límites. En concreto las intervenciones deberían tratar de responder a las siguientes cuestiones, adaptándolas y concretándolas para sus casos particulares: 1) Breve descripción del trabajo hecho; 2) Análisis de los agenciamientos con otros grupos, dinámicas, etc, a nivel local; 3) Valoración del trabajo en la red política transmetropolitana; 4) Agenda de trabajo

11-14.30h. Taller de Trabajo. Introduce Pablo Carmona (ODS-Seco). Mapa de problemas y canales de fuga, los puntos calientes de la crisis y los dispositivos de lucha frente a ellos. Se trata de poner en discusión los mecanismos (discursivos, materiales, simbólicos) que se pueden implementar desde nuestras estructuras y desde otras. Será una sesión de trabajo dónde algunas personas (Nicolás Sguiglia de CIM, Francesco Salvini de Exit, Laia Plaza de ODS-Terrassa, Marta de la Universidad Invisible), entre otras abrirán la discusión con una breve introducción a partir de la necesidad y el deseo de consolidar y sedimentar la creación de nuevas máquina políticas alrededor del sindicalismo y el sindicalismo social, la autoformación e investigación militante y la empresarialidad política.

Posteriormente se pasará a una discusión general en grupos de trabajo.

SÁBADO TARDE_ Renta Básica: utopía concreta en tiempos de crisis

16h. Presentación del Web Journal Swarm sobre la Renta Básica. Tomi Herreros y Montserrat Galcerán (de la Universidad Nómada). En marzo está prevista la salida del primer número del Web Journal Swarm, con un número monográfico dedicado a la cuestión de la Renta Básica. Se trata en ésta sesión de presentar la nueva herramienta comunicativa y la temática de la Renta Básica.

17.30h ¿Cómo trabajar las cuestiones de la Renta Básica? Coordinan: Arnau Monterde (Ateneu Candela), Javier Toret (Universidad Nómada). En ésta sesión se trata de pensar las potencialidades y plausibilidades de la obtención de renta por medio de luchas, acompañándose de algunas reflexiones concretas sobre 1- Los canales de economía alternativa y empresarialidad política que estamos abriendo y sus discusiones (redes de economía, cooperativismo, emprendimiento político, etc.). 2- Las herramientas puestas en práctica para repartir-autoorganizar empleo y renta (caja de resistencia, red de trabajos, “planes trabajar”, exigencias de renta básica…). 3 – Alianzas con sindicatos, trabajadores de lo público y lo social, ecologistas…

También se discutirá la posibilidad de reactualizar el May Day a partir de reivindicaciones y campañas que estamos realizando (ciudad sin fronteras, derecho a la ciudad, despenalizar el top manta,..), junto con otras que queremos desarrollas (la renta básica entre ellas)

DOMINGO MAÑANA_ Síntesis e Iniciativas Públicas

11H. Presentación de iniciativas públicas. Se abre un espacio para informar de movilizaciones previstas en el marco de la presidencia española de la UE y organizara la participación transmetropolitana más amplia posible.

* Barcelona, 25-29 Marzo. Cumbre de la Cultura. Introduce: Simona Levi (Red Sostenible)
* Zaragoza, 15-18 Abril. Ciudad Sin Fronteras (Elena y Guillermo de la Red de Zaragoza)

12.30h. Valoración y manifiesto. Además de valorar el Encuentro, se presentará un documento breve a partir de las diversas aportaciones de los dos días, con conclusiones, elaboración política, discusión de líneas, ideas y de imaginación de escenarios y tendencias. Tendría que ser un documento breve pero incisivo que anuncia otro plan contra la crisis, que pasa necesariamente por derechos como el de la renta básica y por una nueva fase de movimiento y ciclo de luchas. El documento no sería de uso interno. La idea sería mandarlo a distintos medios (Diagonal, Público,…), colgarlo en las webs

Para que esto sea posible, desde el viernes se creará un pequeño grupo de trabajo, que recogiendo las discusiones de los dos días anteriores, presentará el domingo por la mañana una primera propuesta on the road. Esa propuesta, con las aportaciones que lleguen de la asamblea de síntesis, dará forma al manifiesto en 10-15 días para tenerlo listo a principios de abril.

16h. Comida fraternal y despedida

vía Traficantes de Sueños, Librería, Editorial, Distribuidora.

¿Existe un arte femenino y un arte feminista? La respuesta es sí y la da la filósofa asturiana Susana Carro en su libro;”Mujeres de ojos rojos” (Trea), que se presentará con motivo del Día de la Mujer

06.03.10 – 03:11 -

No importa tanto la calidad de las obras como su valor como reflexiones públicas.

Es un viejo debate el de la relación entre ética y estética, una discusión filosófica que aborda muchos espacios y tiempos y que ahora, de la mano de Susana Carro Fernández (Mieres, 1971) toma forma de libro tras haber sido tesis doctoral para centrarse en la conjunción de feminismo y arte. ¿Hubo tal encuentro? ¿Se dejaron influir las artistas de los setenta por lo que dejó escrito Simone de Beauvoir? ¿Hay un arte feminista y un arte femenino? La respuesta es sí. A lo largo de 212 páginas, la filósofa asturiana explica las relaciones entre arte, política y filosofía desde que en 1949 se escribó “El segundo sexo”.

“Mujeres de ojos rojos” es el título de la obra que presenta Trea con motivo del Día de la Mujer el próximo martes y que es fruto de dos años de análisis y reflexión y otro más de reescritura. No es baladí el título porque ya en él se posiciona su autora sobre esas relaciones entre ética y estética tan difíciles de evidenciar. Le ha robado la frase a Gilles Deleuze, un filosofo francés que entendía que un artista es aquel que ha encontrado en su experiencia cosas intolerables e injustas, que regresa del abismo «con los ojos rojos» y las traslada a la materia, ya sea la literatura, la pintura u otras disciplinas. Eso han hecho muchas mujeres artistas a lo largo de las últimas décadas en Estados Unidos y Europa y muchas de ellas bajo la inspiración del feminismo. Un feminismo que es tan variable como el propio arte y que ha ido generando debates sobre el papel de la mujer. Hay una dicotomía que marca las diferencias: el feminismo de la igualdad, el que promueve que hombres y mujeres son iguales y las características que se le atribuyen a las mujeres como propias (tolerancia, sensibilidad, cariño, etcétera) son culturales y no innatas, y el de la diferencia, que proclama que las mujeres deben defender lo que les separa de los varones. Uno y otro feminismo han inspirado diferentes maneras de entender el arte en distintos momentos históricos: el arte feminista y el arte femenino. La reflexión de Susana Carro Fernández parte de otra previa, la vigencia del mensaje de Simone de Beauvoir que también algunos cuestionan. Ella entiende que su contemporaneidad es tal que su influencia se deja ver en todas las filósofas feministas posteriores.

Dejó huella impresa en negro sobre blanco y también en las artes plásticas. «La impronta de De Beauvoir abarca también al arte, en muchas manifestaciones artísticas de los setenta aparecen representadas ciertas categorías filosóficas que ella había utilizado», detalla la autora. De lo que en principio era sólo una intuición surge el trabajo que ahora toma forma de libro y recupera la obra de creadoras que si bien no han pasado a la historia del arte, sí dejaron sus pensamientos, su visión del mundo y la política, en forma de lienzos, fotografías, performances o esculturas. No importa en su trabajo tanto la calidad como la valía que tuvo en su momento que esas reflexiones sobre la situación de la mujeres salieran del ámbito privado para exponerse en público. Todo empieza en 1949. Es entonces cuando se escribe ‘El segundo sexo’, la obra de De Beauvoir en la que aparecen sus conceptos de lo otro y el patriarcado, esos conceptos que hablan de un mundo en el que el varón es lo esencial y la mujer vive a la sombra. Ese pensamiento ya tiene su primer reflejo en el arte de una contemporánea y paisana de la filósofa francesa, Louise Bourgeois. Ellas dos, ambas europeas, son, en cierta forma, las madres de lo que llegaría más tarde, a finales de los años sesenta y principios de los setenta a los Estados Unidos de efervescencia y la contracultura. El paralelismo entre ambas se observa a la perfección una obra de Bourgeois previa a la publicación de ‘El segundo sexo’ y que lleva por título ‘Femme maison’. Es el dibujo de la silueta de una mujer en la que su cabeza ha sido sustituida por una casa. El de la autora de la famosa araña del Guggenheim es, a decir de Susana Carro, un claro ejemplo entre esa relación entre ética y estética, en esa transmisión en tinta sobre lino de algo más que arte, de un pensamiento, una filosofía, una visión del mundo. A finales de los años cuarenta esas dos mujeres dejaron una primera huella de lo que se define como arte feminista. Pero no fue hasta finales de los sesenta y principios de los setenta cuando se escribe con letras mayúsculas esta historia de la que ambas, pese al paso del tiempo, siguen siendo partícipes. Fue no ya en Europa, sino al otro lado del charco, donde se produjo el boom de esta forma de arte, que tiene nombres propios como los de Martha Rosler y Judy Chicago. ‘La mística de la feminidad’, de Betty Friedan, ‘Política sexual’, de Kate Millett, y ‘La dialéctica del sexo’, de Shulamith Firestone, son las obras claves del pensamiento feminista que aparecen retratadas en el arte y lo curioso es que lo están, en ocasiones, independientemente de que las artistas conocieran en profundidad o en la superficie sus pensamientos. Lo están porque en aquel momento y en aquel lugar, en el Estados Unidos de los setenta, se despertó esa conciencia feminista que afloró en todas las artes, porque era algo que se respiraba y se palpaba, algo que formaba parte del día a día de muchas mujeres. Observar algunas de las obras de Marta Rosler, como los fotomontajes de ‘Bringing the War home’ deja clara cuál era su visión del mundo. Pero los setenta empezaron con un feminismo igualitario y terminaron con el nacimiento de otro, el de la diferencia, el mismo que inspiró un arte, el femenino, con una serie de características comunes, con la utilización de la figura de la mujer en muchas de sus representaciones. «Con ‘La dialéctica del sexo’ empieza ya una cierta deriva hacia el feminismo de la diferencia, se empieza a hablar de la proximidad de la mujer a la tierra, la naturaleza, la revindicación de las esencias femeninas», detalla Susana Carro, quien explica que Francia vuelve a ser foco de cambios a través de filósofas como Luce Irigaray, que buscan resaltar esa disparidad. «El feminismo de la diferencia dice que hay un lenguaje propio de las mujeres, que se va a plasmar de una forma muy concreta en las artes plásticas, que las mujeres trabajan sobre unos motivos peculariares, utilizar un colorido particular, tienen temas de interés diferente a los de los hombres», indica Susana Carro. Y con esa filosofía, se proclamaba el gusto de las mujeres por las formas curvas, redondeadas y rugosas sobre las planas, aspectos que hoy pueden resultar ingenuos pero que en su momento formaron parte de densos manifiestos sobre el arte femenino. Pero, por encima de todo, había algo que lo definía, que era la búsqueda de esa esencia de mujer que muchas artistas descubrieron en el cuerpo, protagonista absoluto de numerosas obras. Esas diferencias, esas formas de ser y hacer diferentes a las masculinas, son las que se reivindican tanto en la filosofía como en el arte. En el segundo caso, con nombres propios como Ana Mendieta, «que defendía que existe una gran proximidad entre la mujer y la naturaleza, y en esa fusión es donde se va a encontrar la verdadera identidad femenina». Otro de las firmas relevantes es la de Nancy Spero, que llegó incluso a reproducir en sus obras algunas citas de filósofas de la época. Las feministas de la diferencia aunaban una ética y una estética común mientras que las de la igualdad ahondaban en la ética muy por encima de la estética. El análisis que realiza la filósofa Susana Carro continúa más allá de los ochenta y se adentra incluso en el principio de los noventa, pero se queda sin entrar a fondo en qué ha ocurrido con los movimientos más rabiosamente contemporáneos. Esa es una asignatura pendiente que habrá que analizar -Carro tiene en mente en hacerlo- pero, a falta del estudio en profundidad, apunta ya hacia dónde ha ido evolucionando ese arte de mujeres con mensaje: «El feminismo contemporáneo ha tenido muchas derivas y corrientes, pero de alguna manera lo que viene a continuación son reelecturas de estos dos feminismos, no son cosas nuevas sino reinterpretaciones, tanto en el ámbito de la filosofía como de las artes plásticas».

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vía Con ética y estética de mujeres. El Comercio.

«Hay que cambiar el mundo y romper con la ideología del patriarcado»

«Las artistas que aparecen en mi libro tienen la mirada de quienes han vivido la opresión de la mujer y la reflejan»

J. L. ARGÜELLES

Autora de «Educación para la igualdad de oportunidades» y «Tras las huella de “El segundo sexo” en el pensamiento feminista contemporáneo», la filósofa Susana Carro Fernández (Mieres, 1971) presentó ayer en el Antiguo Instituto «Mujeres de ojos rojos (Del arte feminista al arte femenino)», editado por Trea, un libro en el que prosigue su personal investigación, en esta ocasión en las lindes de la ética y la estética.

-¿Qué es «Mujeres de ojos rojos»?

-Es un título tomado de una cita de Deleuze, en la que éste dice que artista es aquella persona que penetra en la profundidad de la vida, descubre algo intolerable y regresa, con los ojos rojos, para trasladar ese conocimiento. Yo he aplicado ese mensaje a todas las pensadoras y artistas que aparecen en mi libro. Tienen la mirada de quienes han vivido la opresión de la mujer y la reflejan en la pintura, en la escultura…

-¿Hay diferencias entre los «ojos rojos» de una mujer y los de un hombre?

-En este caso, los de las mujeres que salen en mi libro están especialmente «enrojecidos» por la problemática de la opresión de género. La diferencia entre unos y otros viene dada por la experiencia. La mujer vive esa opresión en primera persona, mientras que el varón tiene una visión desde otra perspectiva.

-¿Arte feminista y arte femenino?

-Pues sí, pero no es una ocurrencia mía. Si repasamos el arte comprometido con las mujeres, a partir de los años setenta, nos damos cuenta que hay un arte feminista: el que condena la situación social de la mujer y la denuncia. Y hay también un arte femenino, que no niega el lugar de «lo otro», de esa situación de la mujer, pero que atiende más a la sensibilidad específica de las mujeres.

-Pero no tiene por qué existir incompatibilidad entre la posición feminista y la femenina.

-Para las feministas de la diferencia no la hay; para las de la igualdad existe, porque lo femenino es un constructo social y cultural. En el momento en que es una construcción impuesta, estamos ante algo negativo. Las feministas de la diferencia consideran que lo femenino es el valor a reivindicar; para las de la igualdad, depende.

-La palabra «feminista» ha ganado prestigio en ciertos ámbitos intelectuales y políticos, al contrario que el vocablo «femenino». ¿Comparte esta opinión?

-No, no la comparto. Creo que la mayoría de la gente tiene muchos prejuicios ante la palabra «feminista», y en el mundo académico se acepta referida a estudios de género. La palabra «feminista» aún tiene connotaciones peyorativas para quienes nunca han entendido las luchas por la igualdad.

-En su libro, usted señala a Rousseau como el culpable de una educación basada en la subordinación de la mujer al varón.

-Durante la Ilustración se predican valores como el de la igualdad, pero, por desgracia, no es una igualdad universal. Rousseau excluye de esa categoría, la de la igualdad, a las mujeres. La educación que defiende para Sofía es totalmente distinta a la de Emilio, y siempre al servicio del hombre, nunca para que ella se pueda formar intelectualmente. Podía haber dado un paso más, pero quien lo hace es Mary Wollstonecraft, que reclama una igualdad para todos, incluidas las mujeres.

-¿Esa posición de Rousseau lastró muchas de las ideas de la izquierda política?

-Hay ahí una ideología de fondo de la que no escapa ninguna filosofía, construidas desde el sistema patriarcal. Si tenemos en cuenta que la mayoría de esos pensadores, y no porque no haya habido mujeres filósofas, han sido hombres, pues se explican muchas cosas. ¿Es Rousseau el culpable? No creo, él conceptualiza ideas que están en el ambiente. Los ideólogos de izquierda, incluidos los marxistas, deberían haberse dado cuentas de cómo estaban las cosas.

-A veces, leyendo algunos análisis feministas, tengo la sensación de que hay un olvido importante: el hombre también es víctima de esa sociedad patriarcal y edificada sobre un determinado modelo de relaciones económicas.

-Puede ser, pero no es un problema por el que considere que debo preocuparme. Me explico: el hombre tiene ciertos privilegios y no va a salvar a la mujer de la situación que ésta padece. La lucha es de las mujeres. ¿Los hombres son también víctimas de la sociedad patriarcal? De acuerdo, pero su situación es totalmente distinta a la de las mujeres.

-¿El adversario es el hombre o la sociedad patriarcal?

-La sociedad patriarcal, evidentemente, pero a veces se encarna en sujetos…

-Y en «sujetas»…

-Es cierto que la opresión de la mujer es fruto de una ideología, la del patriarcado, y la responsable de la ideología es el conjunto de una comunidad de hombres y mujeres. Y es cierto, también, que a las mujeres, en muchos casos, nos cuesta mucho trabajo darnos cuenta de esa situación de opresión. Le cuento una anécdota: Simone de Beauvoir no tenía derecho al voto y, sin embargo, al inicio de «El segundo sexo» comenta que nunca había sentido la opresión. El primer paso, y el más difícil, está en la percepción de esa opresión.

-Menciona a Simone de Beauvoir, que es un evidente apoyo intelectual de su trabajo. ¿La frase «No se nace mujer, se llega a serlo» está detrás de su planteamiento?

-Sí, «Mujeres de ojos rojos» surge a partir de la lectura de Simone de Beauvoir. Cuando me inicié en el feminismo, escuchaba que Simone Beauvoir no merecía la pena, que estaba trasnochada. Me acerqué a «El segundo sexo» sin ninguna expectativa, pero encontré un discurso actual y que las cosas estaban muy bien explicadas. Me parece que su influencia en el feminismo, en el ilustrado y en el de la diferencia, es muy importante.

-¿Y el de «Una habitación propia», la obra de Virginia Woolf?

-No sé en el plano literario, en el de la historia de la literatura, que no domino, pero para el feminismo es de una gran importancia. El título del libro se ha convertido casi en una consigna. Y claro, en el asunto que yo estudio, es una de las reivindicaciones de las artistas: una habitación propia, un espacio autónomo en el que poder trabajar. Lo comentaba, por ejemplo, Louise Bourgeois, que trabajaba en la mesa de su cocina. Bourgeois dirá más tarde, paradójicamente, que la «habitación propia» también quita cosas.

-En su libro habla de varias artistas, entre ellas, Louise Bourgeois. ¿Qué le interesa subrayar?

-Intenté seleccionar a aquellas artistas de mayor prestigio, con una obra plástica que ha trascendido y en la que la teoría feminista resulta evidente.

-¿Cuáles son los retos del feminismo del siglo XXI?

-Vuelvo a Simone de Beauvoir: no soy feminista para ocupar el lugar de los hombres sino para cambiar el mundo. Puede ser un objetivo muy ambicioso, pero ésa es la idea: cambiar el mundo y la sociedad en que vivimos; hay que romper con la ideología del patriarcado.

«La mayoría de la gente tiene muchos prejuicios ante la palabra “feminista”»

«El hombre tiene ciertos privilegios y no va a salvar a la mujer de la situación que ésta padece»

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vía La Nueva España – Diario Independiente de Asturias – Gijón – «Hay que cambiar el mundo y romper con la ideología del patriarcado».

Más mujeres y más discreción para la Bienal del Whitney

El museo reduce este año a la mitad el número de artistas que participan

BARBARA CELIS – Nueva York – 08/03/2010

Se acabó la era del arte-espectáculo. Con la crisis pisándole los talones a instituciones, galerías y creadores, parece más que razonable que el Museo Whitney de Nueva York haya optado este año por organizar una Bienal con la mitad de artistas que en años recientes (55) y, sobre todo, con un perfil discreto y alejado de ostentaciones. La 75ª edición de la Bienal del Whitney (hasta el 30 de mayo), titulada escuetamente 2010, ofrece, eso sí, un titular para quienes estén dispuestos a observar de cerca: es la primera de la historia en la que la presencia femenina es mayoritaria. Y eso queda aún más patente en la última planta del museo, donde se ha organizado la retrospectiva Coleccionando Bienales. Ahí se muestra lo mejor de cada década, desde Rauschenberg hasta Andy Warhol o Jasper Jones, pero los nombres femeninos son casi anecdóticos -Eva Hesse, Cindy Sherman y pocas más-.

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vía Más mujeres y más discreción para la Bienal del Whitney · ELPAÍS.com.

La curiosa economía del arte contemporáneo y las casas de subastas

Don Thompson

Sinopsis:

Un banquero multimillonario invierte 12 millones de dólares por el cadáver de un tiburón descomponiéndose dentro de una tinaja.

Un lienzo lleno de gotas de colores se vende por 140 millones de dólares.

Una chaqueta de cuero abandonada en una esquina se subasta por la suma de 690.000 dólares.

Si el negocio del arte moderno es serio, ¿por qué parece una broma?

En este recorrido ameno y fascinante por las casas de subastas, las galerías y el mundo de los coleccionistas, Don Thomson desvela los secretos económicos y las estrategias de marketing que impulsa al mercado a producir los precios astronómicos a los que se cotizan las obras de los grandes artistas, desde Baquiat a Koons, Tàpies o Jasper Johns.

Thompson nos acerca a la psicología y los intereses que mueven el mercado del arte para recordarnos que en el arte contemporáneo, como en tantos otros campos, la línea que separa la cultura y el negocio es difusa pero clara.

Datos técnicos

Material adicional del libro

Capítulo 1

vía Un tiburón de 12 millones dólares – Editorial Ariel.

Siete días en el mundo del arte

¿Cuál es el irresistible atractivo del exclusivo mundo del arte contemporáneo? ¿Por qué coleccionar arte se está convirtiendo en la actividad más difundida entre la gente más rica del planeta? ¿Qué es arte y qué no lo es? “Coleccionar arte contemporáneo es como comprar una entrada para un club de personas apasionadas que se reúnen en sitios extraordinarios, miran arte juntas y van a fiestas. Es tremendamente atractivo”, explica un consultor, citado en este libro. Pero en este gran teatro hay otros actores con vidas e intereses casi contrapuestos a ellos y sin los cuales la trama simplemente no funcionaría. Y surgen más preguntas, por ejemplo, ¿cómo piensa o trabaja un artista en su estudio? ¿Qué función tienen la crítica y las revistas especializadas?…
EL LIBRO DE LA SEMANA
El gran teatro del arte contemporáneo

vía El gran teatro del arte contemporáneo · ELPAÍS.com.
FIETTA JARQUE

BABELIA – 20-02-2010 ¿Cuál es el irresistible atractivo del exclusivo mundo del arte contemporáneo? ¿Por qué coleccionar arte se está convirtiendo en la actividad más difundida entre la gente más rica del planeta? ¿Qué es arte y qué no lo es? “Coleccionar arte contemporáneo es como comprar una entrada para un club de personas apasionadas que se reúnen en sitios extraordinarios, miran arte juntas y van a fiestas. Es tremendamente atractivo”, explica un consultor, citado en este libro. Pero en este gran teatro hay otros actores con vidas e intereses casi contrapuestos a ellos y sin los cuales la trama simplemente no funcionaría. Y surgen más preguntas, por ejemplo, ¿cómo piensa o trabaja un artista en su estudio? ¿Qué función tienen la crítica y las revistas especializadas?

Siete días en el mundo del arte es un gran reportaje. Es “el” reportaje sobre la escena plástica contemporánea. Sarah Thornton, socióloga y periodista canadiense con residencia en Londres, ha planteado de forma inteligente una aproximación a lo que considera, a priori, como un fenómeno cultural en alza desde hace cerca de dos décadas. Un círculo en el que conviven el joven estudiante de arte sin medios económicos con el multimillonario coleccionista; el martillazo fulminante del subastador con la lenta mirada analítica del crítico; la moda pasajera y lo llamado a convertirse en clásico perdurable; el circo del glamour y el retiro monacal; la especulación millonaria sobre bienes de un valor aleatorio y los gestos más radicales de la crítica social. La grieta casi invisible entre lo valioso y lo costoso. Un círculo que envicia a los que entran en él y llegan a conocer sus claves. “Una ‘economía simbólica’ donde el trueque se realiza en ideas y el valor cultural suele ser más significativo que la bruta abundancia”, según Thornton. La autora, que ha escrito sobre arte en medios como The Economist, Artforum, The Art Newspaper y New Yorker, conoce desde hace años los ámbitos en los que se desarrolla esta escena. Por eso ha optado con acierto por dividir el libro en siete capítulos que transcurren en seis ciudades de cinco países. Cada uno intenta recrear una jornada completa en alguno de los ámbitos más significativos del medio para componer entre todos un relato global. Una subasta en la casa Christie’s, de Nueva York; una intensa sesión de crit -”un seminario donde los estudiantes de arte presentan su trabajo para una crítica colectiva”-, en el CalArts de Los Ángeles; un día en la feria suiza Art Basel; la jornada decisiva del Premio Turner, en Londres; un día de trabajo en la revista neoyorquina Artforum; una visita al estudio del artista Takashi Murakami, en Tokio, y la inauguración de la Bienal de Venecia. La comodidad de la estructura y una narración fluida, llena de anécdotas, personajes bien retratados, observaciones comprensivas y también toques de humor, hacen de la lectura de este libro una experiencia placentera e interesante tanto para la gente conocedora del medio como para los que quieran formarse una visión cercana de los mecanismos internos de este extraño y atractivo universo. Aunque los reportajes fueron realizados entre 2005 y 2007 -Thornton dice haber realizado unas 250 entrevistas-, buena parte de los actores de esa gran trama siguen siendo los mismos. Quizá se echan en falta un par de capítulos para tener una visión más completa, Uno dedicado a las galerías y otro a los centros de arte. Dos elementos dinamizadores que cumplen un papel de importancia ante los simples aficionados al arte: los espectadores. Desde que se publicó originalmente, ha sido uno de los libros más recomendados al interior del propio círculo del arte. Traducido a diez idiomas, es lamentable que la portada de la edición española sea la peor, lo más opuesto a la estética de la que se habla. Y es que para comprender e ingresar en este medio hay que cuidar todos los detalles.

Sarah Thornton

Traducción de Laura Wittner

Edhasa. Barcelona, 2010

246 páginas. 15 euros

Primeras páginas del capítulo ‘La feria’, del ensayo ‘Siete días en el mundo del arte’, de Sarah Thornton

DOCUMENTO (PDF – 74,93Kb) – 19-02-2010

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