El acuerdo para proteger la propiedad intelectual deberá ser ratificado en junio por el Parlamento Europeo

Tomàs Delclós Barcelona

26 ENE 2012

La Unión Europea y 22 de sus estado miembros, entre ellos España, han firmado hoy en Japón el tratado ACTA, cuya inicial negociación en secreto sublevó a la comunidad de Internet. Se trata de un acuerdo comercial que pretende combatir el tráfico de falsificaciones y la violación de la propiedad intelectual. La firma del tratado por parte de la UE debe ser ratificada por el Parlamento Europeo en junio. Organizaciones opuestas al mismo ya preparan movilizaciones para intentar frenar la ratificación. Holanda, Chipre, Eslovaquia, Estonia y Alemania figuran entre los países europeos que no lo han suscrito. Según la UE, se trata de un simple retraso por razones de procedimiento. En Polonia ya hace días que se han organizado movilizaciones contra ACTA.

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vía España firma el polémico tratado ACTA | Tecnología | EL PAÍS.

0.- Los medios de comunicación de todo el planeta lanzan la noticia. Los usuarios la comprueban (o experimentan de forma directa) y confirman que es cierto: Megaupload, probablemente el servicio de almacenamiento de datos y descarga directa más importante del mundo, era clausurado por el FBI. Sus responsables detenidos en una operación a escala internacional. Los servidores cerrados. Cargos como “violación de los derechos de propiedad intelectual” se unen a otros como “conspiración”, “blanqueo de dinero”, etc. La letra pequeña está por descubrirse, el juicio dirá. La cosa podría haberse quedado ahí…

1.- Fase uno: Desconcierto, bloqueo, ¿miedo? ¿Cómo acceder ahora a los contenidos que me proporcionaba Megaupload? ¿Ya no podré ver mis series favoritas? El uso por el que popularmente se conoce y se usa Megaupload es lo primero que te viene a la mente. La industria del entretenimiento siente, quizás, una sensación de consuelo: “Se acabó, se acabó la pesadilla, volverán a comprarnos lo que queramos al precio que decidamos, volveremos a recuperar nuestras audiencias y nuestro monopolio”. La industria del entretenimiento quiere un Delorean de rebajas, una máquina del tiempo con ruedas, alimentada con plutonio.

La realidad es que la industria del entretenimiento se acaba de disparar en el pie con una bala de cañón (es lo que tiene usar tecnología obsoleta). El cierre de Napster no solo generó la extensión del P2P a escala planetaria, sino que retrasó en diez años la aparición de modelos de negocio para la industria discográfica como “Itunes” o “Spotify”. Algo similar sucede con Megaupload que era, sorpresa, un modelo de negocio económicamente sostenible. Ahora la red, como la entidad viva que es, se lanzará a experimentar otros caminos, mejorará el P2P, diseminará espacios para compartir sin ánimo de lucro. En definitiva, la industria del copyright restrictivo no lo tendrá más fácil para hacer negocio (a nada que piense un poquito) sino al revés. Seguirá agonizando.

2.- Fase Dos: Ampliación de la perspectiva: ¿Acaso Megaupload era únicamente un servicio de descarga de contenidos con copyright? Empieza el recuento de los contenidos descatalogados, las piezas de orfebrería cultural imposibles de encontrar, una de las biblioteca multimedia más importantes del mundo se ha cerrado. Otro modelo de negocio que se pone en crisis… El almacenamiento de datos en la nube. Buena maniobra FBI, muy buena. Pero no solo las piezas inencontrables, ¿Cuántas empresas usaban Megaupload como un sustituto de los discos duros compartidos? ¿Cuánto material se almacenaba allí como copia de seguridad de proyectos o para que otros pudieran trabajar en ellos? ¿Cuánto material con licencias copyleft o en dominio público? Notas el calor que se te sube a la cara.

3.- Fase Tres: Contextualización: “Obama cierra Megaupload, pero Guantánamo sigue abierta #cuestiondeprioridades” Un mensaje enviado desde twitter por @axebra es uno entre los miles que describen el contexto. El contexto es la crisis internacional, el contexto es la legislación de un país aplicada a todo el planeta, el contexto es la legislación antiterrorista de Bush utilizada por el gobierno de Obama y el FBI. El contexto es que el consumo de bienes culturales y de entretenimiento no es una esfera separada de la producción de riqueza.

La cultura y los imaginarios nos constituyen, es lo que somos. El acceso al torrente de información, comunicación y relatos no es un capricho para tenerlo “todo gratis” sino una forma masiva de acceder al conocimiento creado globalmente en todo el planeta. Una forma de insertarse (de no quedarse aislado) en el circuito global de conocimiento. Es decir, una forma de lucha contra la precariedad existencial.

Así que, independientemente de los detalles legales de la operación, el sentir colectivo es el de robo. El de expolio de una herramienta que sentíamos nuestra y nos servía para muchas cosas. Y por tanto, un bloqueo a nuestra posibilidad de insertarnos en ese espacio de narraciones, riqueza compartida, etc. Un intento, por tanto, de ahondar en la crisis.

4.- Fase Cuatro: Afortunadamente, todo ese sentimiento de rabia no se vuelca hacia dentro, no se convierte en frustración, sino en alegría, cuando se lanza la OpMegaupload, una llamada internacional de Anonymous para vengarnos de lo que nos han hecho. Una forma de devolver el golpe que tiene mucha menos importancia por el resultado del ataque (bloquear una serie de webs vinculadas al gobierno estadounidense y a otras agencias de la propiedad intelectual internacional) como por el proceso compartido en el ataque. Se recompone un nosotros, no estamos solos en esto. Se abre de nuevo una política de cualquiera. En seguida, los mensajes no dicen solo “FBI, Megaupload, Obama” dicen también “We are the 99%”, “Internet es nuestra” “No tenemos miedo”. El eco del golpe resuena a otra cosa, que es la misma cosa. A las plazas de mayo, al septiembre neoyorquino, al invierno ruso y a la larga primavera árabe.

5.- Hoy, han pasado menos de 24 horas y World War Web es TT mundial. En realidad, la red no está en guerra mundial. La web está siguiendo su proceso, que es el de avanzar en la autonomía colectiva, la producción de riqueza socialmente compartida, etc. Son los dinosaurios que aún tienen el poder económico y la fuerza policial-legal los que siguen a la web, que es la sociedad al completo, dando zarpazos como un oso moribundo, cada vez más ciego por la sangre y su propia crisis, que es la que nos ha impuesto a todos. En realidad, el combate en la World War Web no tiene enemigo al que derrotar porque el enemigo ya está derrotado… El combate es para producir en este nuevo territorio una forma de vida, de riqueza, etc. Que sea razonable, sostenible y económicamente viable para la mayoría del planeta. Es decir, avanzar hacia lo nuevo, conquistar los nuevos derechos y las nuevas formas de vida… Y dejar al anciano asesino atrás, sin miedo y sin remordimientos.

@casiopeaexpres @axebra y @madrilonia

vía Hipervelocidad: Del cierre de Megaupload a la ‘World War Web’ – madrilonia | blog de noticias sobre madrid.

El ministro de Educación, Cultura y Deportes, José Ignacio Wert, explica cómo el dinero del canon pasará a cargo de los Presupuestos del Estado

JESÚS GARCÍA CALERO / MADRIDDía 31/12/2011

El Consejo de Ministros desatascó ayer la ley antidescargas, antes conocida como «ley Sinde», y decidió eliminar el pago del impopular canon digital que grava los dispositivos electrónicos. El canon era una compensación a los autores por la capacidad que tenemos de realizar copias privadas y que debían pagar los fabricantes de dispositivos pero finalmente repercutía en el consumidor. Su monto anual no podía superar los 120 millones, aunque apenas llegaba a los 100, afectado, como todo, por la caída del consumo. Además, ha sido uno de los campos de batalla legal que más sentencias contradictorias ha cosechado.

La ley antidescargas es el primer referente legal español contra la piratería y también nace después de una enorme polémica, sobre todo en la red. Viene a dar un balón de oxígeno a las industrias culturales acosadas por la crisis y la incapacidad de impedir que otros se lucren con sus obras y recuperar inversiones.

Un vuelco

Con estas medidas se da un vuelco a la protección de la propiedad intelectual en España. Su déficit había dañado notablemente la imagen exterior de España, que fue incluida en listas internacionales de países líderes en piratería. El ministro de Educación, Cultura y Deportes, José Ignacio Wert, conversó brevemente con ABC después del Consejo para explicar la nueva política, que levantará ciertas ampollas en internet pero recibe un claro apoyo del sector cultural. La embajada de EE.UU., por su parte, recibía la noticia como «un desarrollo muy positivo de la situación».

—¿Por qué aprueban ahora esta «herencia» que Zapatero les dejó?

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vía «No podemos ser la Somalia de la propiedad intelectual» – ABC.es.

Apreciado Ministro Wert, apreciado Secretario de Estado Sr.Lassalle,

Desde RedSOS, queremos expresar nuestra comprensión hacia su voluntad de actuar rápidamente contra los casos de competencia desleal en lo concerniente a la creación de contenidos culturales. Igualmente estamos convencidos de que los métodos de secretismo y de parcheo parcial del Gobierno anterior no se reproducirán en esta nueva legislatura.

Tenemos la firme esperanza de que finalmente el debate en torno a la adaptación de los derechos de autor al contexto de la era digital y de la expansión de Internet se produzca de modo ágil, aunque siempre desde la coherencia jurídica, la transparencia y el respeto de todos los intereses en juego.

Como ustedes saben, Internet es un espacio de negocio, del que muchos emprendedores se benefician, y del que se pueden generar miles de puestos de trabajo; algo de lo que no podemos prescindir para salir de la crisis. La industria de contenidos sufre una crisis de su sector -previa a la crisis económica mundial- provocada por su incapacidad de adaptarse a las nuevas formas de negocio. La actual redacción de la conocida como “Ley Sinde” promueve un enfrentamiento de los innovadores tecnológicos y los consumidores frente a las actuales industrias culturales; sin embargo, es posible proponer un cuerpo jurídico que garantice la seguridad jurídica y la libertad de desarrollo a ambos sectores.

vía Red-SOStenible | Contra la Ley Sinde.

Libros, discos y festivales dan cuerpo a una teoría que cuestiona la propiedad intelectual y considera las obras de creación bienes pertenecientes a la comunidad

ANTONIO FRAGUAS | Madrid 28/12/2011

Bibliotecas virtuales, elepés, películas, festivales… proyectos y obras de arte que son de todos y de nadie. Al menos eso es lo que propugna la doctrina del procomún, una teoría sobre la que desde hace años se reflexiona en los llamados laboratorios de cultura digital (entre otros el Medialab-Prado en Madrid, el CCCB Lab y Platoniq, en Barcelona, ColaBoraBora, en Bilbao, o el museo Reina Sofía). Los frutos de esa reflexión son ya tangibles. Frutos como Bookcamping, Fundación Robo, Traficantes de Sueños, el festival Zemos98… El concepto de procomún, además, explica buena parte de las actitudes del 15-M y de las acciones de protesta contra la llamada ley Sinde.

Puesto al día por la estadounidense Elinor Ostrom (Nobel de Economía 2009), el término se refiere a los bienes que son de todos, no confundir con bienes públicos (del Estado). Para sus defensores son procomunes, entre otros, el aire, el agua, el conocimiento científico, el software y, también, las obras culturales… De la mano del mundo digital este nuevo paradigma está colonizando el ecosistema de la gestión cultural (pública y privada).

“El procomún está de moda. Para lo bueno y para lo malo. El mercado ya ha entendido que compartir y remezclar son dos palabras que los usuarios han adoptado y ya lo está fagocitando. Por eso hay que defender los proyectos en los que compartir tenga un interés político o social”, señalan desde Sevilla, Sofía Coca, Felipe G. Gil y Pedro Jiménez que cada año trabajan para ofrecer, en marzo, el Festival Internacional Zemos98.

“La digitalización de la cultura ha provocado cambios inesperados para muchos. Sobre todo para el viejo modelo de industria cultural. Sin embargo por nuestro festival han pasado cientos de artistas, activistas, educadores… casi todos comparten la necesidad de generar espacios comunitarios donde compartir ideas, metodologías, procesos…”, añaden.

Las licencias alternativas al copyright (el Creative Commons y el movimiento copyleft, más conocidos por el gran público) son solo un aspecto del procomún. Un término, por cierto, que existe en castellano desde hace siglos: “figuraba en el diccionario de Nebrija”, asegura Antonio Lafuente, responsable del Laboratorio del Procomún del Medialab-Prado (medialab-prado.es) una institución financiada por el Ayuntamiento de Madrid (PP), en la que investigan “académicos y activistas” de diversos campos: biólogos, antropólogos, gestores culturales, hackers, juristas…. Los valedores de esta teoría van un paso más allá respecto a la creación: el creador debe devolver su obra a los demás, es lo que denominan retorno social.

“Para que a alguien creativo se le ocurra algo ha tenido que leer un montón de cosas, participar en seminarios, visitar exposiciones… hay una atmósfera cultural que es el fundamento para que pueda generarse la creatividad. Además se necesita una infraestructura: bibliotecas, transportes, canales de acceso… Hay una dimensión en la creación que es procomunal: por eso es absurdo es que alguien al que se le ocurre algo le den la propiedad en exclusiva por ni se sabe cuántos años y que la pueda transmitir a sus hijos”, afirma Lafuente. Este investigador del Centro de Ciencias Humanas y Sociales del CSIC reconoce que les han colgado las etiquetas de anarquistas, comunistas…

Con las premisas del procomún funciona, por ejemplo, Bookcamping (bookcamping.cc), una biblioteca en Internet: “En ella cualquiera puede colgar libros, vídeos y audios con licencias abiertas: tienen derecho de autor pero su difusión está autorizada”, señala Jessica Romero, una de sus impulsoras. Bookcamping surge en el torbellino del 15-M, al grito de “si no quieres ser como ellos, lee”. El proyecto pone en contacto a editores, autores, libreros…: “Queremos mostrar que hay otras formas de hacer cultura y de editar libros. El caso de Lucía Etxebarría es paradigmático, se queja de lo poco que gana con cada libro al tener que pagar a gestores y a agentes: eso muestra que el discurso habitual sobre la propiedad intelectual no defiende al creador, sino a la industria. Hay que replantear los procesos de producción. Como en la música: los músicos ya no viven de la venta de productos, sino de los conciertos”.

En esta línea ahondaba en verano Daniel Alonso del grupo sevillano Pony Bravo: “Se puede funcionar. Con esta filosofía compartimos nuestros discos en formato mp3. Hemos montado sellos y tenemos gente currando para nosotros. El 80% de nuestros ingresos proviene de los conciertos”.

Para financiar algunos de estos proyectos se ha creado Goteo (goteo.org), “una red social de financiación colectiva (aportaciones monetarias) y colaboración distribuida”, según se definen en su web. Sobre la vinculación de esta teoría con el mundo de los emprendedores investiga la productora cultural YP (www.ypsite.net) y su proyecto denominado “empresas del procomún”, otra muestra de que las ideas, a veces, se convierten en hechos.

vía La revolución cultural del procomún · ELPAÍS.com.

diciembre 26, 2011

Ya tenemos a nuestro nuevo ministro Wert reptiendo argumentos falaces, por lo que creo que es bueno recordar algunos pocos datos objetivos:

1. Es falso que España sea uno de los países más piratas del mundo. Eso lo dicen en todos los países donde las “majors” hacen campaña de presión para endurecer las leyes de derechos de autor.
2. Si España está en la “lista 301″ de los países más “piratas” del gobierno norteamericano, fue para presionar por la ley Sinde, y porque el propio presidente de PROMUSICAE, Guisasola, lo solicitó.
3. Se recurren a argumentos “filosóficos” del tipo “los autores tienen el derecho de vivir de su trabajo”. En realidad están diciendo: “los que deciden ser autores tienen el derecho de vivir de los que les apetece trabajar, la sociedad debe asegurarles ese derecho”. Pero es un derecho que no existe para el resto de los ciudadanos. Somos muy pocos los que podemos vivir de lo que no gusta, y aún así tenemos que buscar formas indirectas de financiación (como poner en marcha un sitio, y ganar de la publicidad, no por programar y liberar el código). La inmensa mayoría tiene que trabajar de lo que puede, o de lo que el “mercado” demanda. Hay muchísimos músicos a los que les gustaría vivir de vender sus discos, pero viven de dar clases, o tocando en hoteles. Hay otros a los que les gustaría vivir de sus vídeos y cortos, pero trabajan en televisiones, o dando clases en la universidad. Hay muchos que les gustaría vivir de sus hobbies pero que no pasan de eso, y hay cinco millones de personas que ni siquiera pueden trabajar. Aunque es algo demagógico recurrir al paro, lo cierto es que con la crisis que estamos pasando, y las necesidades urgentes que hay, es impúdico, insultante y ofensivo que se gaste tanto tiempo y recursos públicos para modificar leyes para defender  ”el derecho de [unos poquísimos] autores a vivir de su trabajo”.
4. Se recurren a argumentos de “puestos de trabajo”, “volumen de negocio”, o “el PIB de la cultura en España”, pero son absolutamente falaces y manipulados. La facturación de las “industrias culturales” en España es ridícula (salvo la editorial -3.500 millones- y prensa en general -unos 4.500 millones-) comparada con otras “industrias”, inclusos las tecnológicas. Para dar un poco de contexto:
   • El cine español factura menos de 100 millones de euros, pero recibe más de 200 millones en subvenciones (el Ministerio de Cultura, Comunidades Autónomas, tasas a televisiones).
   • Las discográficas sólo facturan 200 millones de euros, en sus años de record históricos (1999 y 2000) facturaron 600 millones de euros, una décima parte de lo que factura Vodafone en España.
   • Sólo AdSense factura en España más que la suma de lo que facturan el cine y las discográficas.
   • El “volumen total de negocio” de todas las industrias culturales (incluyendo subvenciones, prensa, editoriales y hasta toros) es de unos 26.000 millones de euros, lo mismo que facturan Telefónica de España y Vodafone en España.
5. En España se subvencionan muchas películas que sólo se estrenan en una sala para cumplir con los requisitos, no para llegar al público. Proporcionalmente a la población y tamaño del mercado, en España se hacen más películas que Hollywood. La razón es que en España es más fácil conseguir subvenciones que paguen más del coste de la película, que hacer películas que tengan éxito de público y facturación.
6. Se difunden estudios falsos, exagerados, manipulados y preparados por la propia industria y lobbies. Son tan absurdos que aseguran que sin la piratería en Internet, la facturación en España sería cinco veces mayor que el record histórico.
7. Una minoría muy pequeña de autores y músicos viven de la venta de libros o discos, esos son de la “élite” que pide leyes más duras. La mayoria de autores de libros tienen otros trabajos e ingresos, no se dedican exclusivamente a escribir libros, ni siquiera los best sellers españoles.
8. En la industria editorial, entre el 70% y 80% del coste del libro se gasta en distribución física (el 50%) y marketing. Los autores se quedan con menos del 10% del precio de venta. Los que más estarán afectados por los libros digitales son los distribuidores y las tiendas de libros físicos.
9. Las películas y canciones españolas no son las que los españoles más bajan de Internet, son las series norteamericanas (que viven en uno de los mejores momentos de su historia) y “blockbusters” de Hollywood (que no tienen precisamente problemas de facturación). Los temas musicales más populares (y más bajados de Internet), están disponibles de forma gratuita  y con altísima calidad de audio en Youtube, subidas por sus propios autores o discográficas (por ejemplo, On the Floor, tiene nueve meses en Youtube, con casi 500 millones de visualizaciones).
10. Las legislación para endurecer los derechos de autor no tiene justificación ideológica posible. Para los progresistas y socialistas, es contradictorio anteponer los derechos de una minoría al acceso universal de la cultura. Para “liberales económicos” no tiene sentido que el estado asegure el “mercado” vía leyes y persecución judicial en vez de que sea la propia oferta y demanda la que decida. En todo caso ambos parecen defender ideas soviéticas, “el interés del estado sobre el de las personas”, empeorado en que en este caso el “estado” es explícitamente la minoría del “politburó”.
11. El discurso político-industrial oficial está falseado, desde la manipulación de la historia que hacen hasta los Ministros de Cultura, hasta el propio abuso de la palabra “propiedad intelectual” equiparándola a “propiedad física”. No tienen nada que ver unas con otras, no existe “posesión” sobre las obras intelectuales digitalizadas, la copia no produce la pérdida del original, ni priva de disfrute al poseedor original, por lo que no se puede hablar de “robo”, como tantas veces se insiste. (Desde el punto de vista económico, los objetos físicos e intelectuales tampoco tienen nada que ver en una era digital. El coste marginal de los primeros sigue siendo elevado, el de los segundos es prácticamente cero.)
12. Si los sitios de enlaces ganan tanto dinero como aseguran ¿cómo es que la propia industria no hace lo mismo? ¿cómo es que no ponen demandas civiles y/o mercantiles por estafa y competencia desleal? La ley española lo permite.
13. Si está tan preocupado por la “cultura de la subvención”, debería empezar a dar datos objetivos de las “subvenciones a la cultura”: cánones, tasas a televisiones, ayudas directas del ministerio y comunidades, IVA super reducido para algunos y casi cinco veces más altas para otros (reducir impuestos discriminadamente es también una forma de subvención), publicidad institucional, ayudas a empresas de medios. No vendrá mal al debate conocer precisamente qué parte de los 25.000 millones de dinero que se mueve en “cultura” son subvenciones que pagamos entre todos, y cómo se reparten.
14. Si para proteger el “derecho a que unos pocos se ganen la vida” vía la “propiedad intelectual”, hacen falta leyes que socavan derechos fundamentales, que intentan criminalizar a la mayoría de la población, que necesitan espiar y regular actividades privadas, que requieren la invención y manipulación de estudios, listas y hasta de la propia historia, que quitan competencias a los jueces para pasarlas a comisiones dependientes del Poder Ejecutivo, ¿dónde reside el problema y la corrupción? ¿en la sociedad? ¿en unas páginas webs? ¿o en el concepto mismo de propiedad intelectual y en defender a toda costa la supervivencia de un negocio obsoleto y que nació [sólo] hace poco más de 50 años?

Un juego de palabras frívolo, pero serio: Deus dedit, Deus abstulid. Deus ex machina.

PS: Minutos después de publicar este apunte, veo que Mangas Verdes publicó algo similar: Nadie respeta a un ministro desinformado.

PS2: También Réplica a José Ignacio Wert de Daniel Rodríguez Herrera, y La Tapadera le estallará a Rajoy en Nacionred.

vía Conviene recordar algunos datos sobre la propiedad intelectual y la ley Sinde « Ricardo Galli, de software libre.

El ministro José Ignacio Wert acude a la toma de posesión de José María Lassalle como secretario de Estado y define sus líneas maestras

JESÚS RUIZ MANTILLA – Madrid – 26/12/2011

Se acabaron los paños calientes y los titubeos en la regulación de la Red. El ministro de Educación, Cultura y Deportes, José Ignacio Wert, ha declarado esta mañana la guerra a la piratería en Internet. “Nadie va a respetar la cultura de un país que lidera el ranking de descargas ilegales. Por ese camino no vamos a ninguna parte”, ha asegurado. Lo ha hecho en la toma de posesión como secretario de Estado de Cultura de José María Lassalle.

Ambos escenificaron el papel de poli bueno y poli malo. Mientras el secretario de Estado definía su disposición al diálogo en la próxima legislatura, el ministro entraba a saco con el asunto más polémico de la legislatura anterior. Lassalle apostaba por hablar “con todas las fuerzas políticas, en especial con el Partido Socialista, y con todos los ámbitos de la cultura”.

El ministro adoptó otro tono en la que era su primera aparición ante un más que numeroso grupo de representantes del sector cultural para dejar claras sus líneas maestras con tres directrices principales: mecenazgo, acción cultural exterior y propiedad intelectual. Muy firme en este último aspecto.

Incidió Wert en un nuevo marco regulatorio en todos esos campos. “El papel potenciador de la cultura tiene una piedra esencial en el derecho a la propiedad intelectual. Muy pronto tendremos novedades al respecto. Pero sin entrar en concreciones, déjenme que les diga con toda claridad que ninguno de los objetivos que nos hemos planteado es compatible con la existencia de agujeros legales que permitan la desprotección de la propiedad intelectual y el expolio de los creadores”.

Aviso a navegantes, pues, y nunca mejor dicho. “Como queremos ir muy lejos y que exista viabilidad en la creación cultural, vamos a actuar con decisión contra quienes se lucran indebidamente del trabajo intelectual o creativo de otros. Les puedo asegurar que lo vamos a hacer y nada ni nadie nos va a arredrar”.

Mecenazgo

El ahorro y la escrupulosa gestión de los recursos dará lugar a otra ley urgente, la de mecenazgo. “Nuestra estrategia cultural será cuidadosa y realista. Tiene que funcionar con los recursos muy ajustados, los propios de la época que nos ha tocado administrar. No es tiempo de sembrar a boleo, sino en el que cada semilla debe ser puesta donde más oportunidades tiene de rendir fruto. No queremos acabar con la subvención de la cultura, pero sí con la cultura de las subvenciones”, ha afirmado.

En este sentido, anunció otra prioridad: “Habrá máxima urgencia para la ley del mecenazgo, que esperamos tener lista en este primer periodo de sesiones. Es la pieza esencial para devolver a la sociedad el protagonismo que le toca en la cultura”.

Finalmente y al igual que hizo en su acto de toma de posesión, Wert ha querido despejar las “suspicacias y recelos” respecto a la integración del departamento de Cultura en Educación: “la cartera de Cultura no ha desaparecido”.

vía “Nadie respeta la cultura de un país que lidera las descargas ilegales” · ELPAÍS.com.

Notícias relacionadas:

José Ignacio Wert afirma al tomar posesión de su cargo que una de sus prioridades será “proteger el derecho de la propiedad intelectual”

J. A. AUNIÓN – Madrid – 22/12/2011

El nuevo ministro de Educación, Cultura y Deporte, José Ignacio Wert, ha asegurado hoy, nada más tomar posesión de su cargo que intentará “enfriar” la “patata caliente” del reglamento de la conocida como ley Sinde, cuya aprobación dejó pendiente el anterior Gobierno tras las disensiones que surgieron en el Ejecutivo de José Luis Rodríguez Zapatero. Wert ha recibido, como es tradicional, la cartera de ministro de manos de sus antecesores: en Educación, Ángel Gabilondo, y en Cultura, Ángeles González-Sinde.

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vía El ministro de Cultura intentará enfriar “la patata caliente” de la ‘ley Sinde’ · ELPAÍS.com.

por Elena Vozmediano

21/12/2011

El fin de semana pasado se celebraron en el MNCARS unas jornadas organizadas por la Unión de Asociaciones de Artistas Visuales (UAAV) centradas en las buenas prácticas profesionales y los derechos de autor. No confundir, como muchos hacen -artistas incluidos-, las buenas prácticas profesionales, que se refieren a las relaciones contractuales y económicas entre artistas y galerías, o entre artistas y centros de arte, con el “Documento de buenas prácticas en museos y centros de arte”, que propone un modelo de gestión para las instituciones artísticas públicas. Con el título de Do the right thing! -¿por qué este título en inglés?-, las dos jornadas congregaron a representantes de las diferentes asociaciones de artistas -menos la de Madrid, AVAM, que sigue fuera de la Unión- para debatir acerca de los desafíos que plantea la dedicación a la creación en estos tiempos cambiantes. La pregunta de fondo, como apuntó Daniel García Andújar, era: ¿de qué viven los artistas?

Una pregunta que quedó flotando en el aire pues los interlocutores a los que se dirigía, representantes del PP, el PSOE, IU y CiU, excusaron su asistencia, al igual que VEGAP.

Los estudios que se han hecho hasta el momento, siempre incompletos, siempre atrasados -las administraciones deberían tomarse ya en serio la cuantificación del sector del arte-, señalan muy claramente que los ingresos de los artistas son casi siempre más que escuetos. También es verdad que las asociaciones de artistas, en el seno de las cuales suelen hacerse las estadísticas, incluyen muchos miembros que no han tenido y no van a tener nunca, por el dudoso interés de su trabajo, una oportunidad de sobresalir. Hay muchísimos artistas en España y no todos pueden aspirar a tener éxito profesional. Esto parecerá de perogrullo pero a veces no se asume, al igual que algunas mujeres artistas atribuyen sus dificultades a su condición femenina sin plantearse si les faltan otras cualidades que no sean la hombría. Pero, dejando de lado esta necesidad de autocrítica, es evidente que las condiciones para ganarse la vida, incluso para los mejores, no son en absoluto las más adecuadas.

El sistema del arte tiene que evolucionar, adaptándose a las necesidades sociales y a las nuevas formas de consumo, y aquí entra la reconsideración de la gestión de los derechos de explotación de las obras de arte. Una parte de los ponentes en estas jornadas coincidieron en la necesidad de un cambio de paradigma en la obtención de un rendimiento económico por el trabajo artístico. No hay soluciones claras; sólo propuestas utópicas o periféricas -gestión comunitaria de los recursos públicos, cultura como resistencia- que son ahora mismo inviables y no ofrecen una solución global para el sector.

Algunos artistas -no puede pretenderse que lo que se defendió aquí sea compartido por todos, pues ciertas ideas fueron bastante radicales y muy marcadas en lo ideológico- se encuentran en un dilema de difícil resolución: reniegan del mercado y de la consideración del arte como “industria” cultural, tienen grandes reservas sobre lo que puede aportar una ley de mecenazgo que dé mayor entrada al sector privado en la financiación de la cultura, reclaman un mayor apoyo por parte del dinero público y, a la vez, consideran que las sociedades de gestión de derechos de autor -VEGAP, básicamente- no han cumplido las iniciales expectativas en el respaldo al artista y ha mostrado una excesiva rigidez que recientes modificaciones del modelo de contrato han comenzado a suavizar. La cuestión, así, sería ¿van a a ser capaces estos artistas de encontrar alternativas realistas en un contexto en la que unas fuentes de ingresos se secan y otras no se quieren ver abiertas?

Personalmente, siempre he defendido que la cultura debe tener toda la financiación pública que sea posible brindarle, y comparto algunas reservas sobre las implicaciones del mecenazgo o la dejación de responsabilidades por parte de las administraciones públicas que puede suponer. Mas defender hoy una cultura de base, barrio, asamblea y ocupación es muy romántico pero tiene poquísimo futuro.

En estas jornadas varias personas, en la línea de lo consensuado en diferentes “acampadas” vinculadas al 15M, hablaron a favor de las licencias Creative Commons, con diferentes argumentos: favorecer la difusión de las obras, garantizar la libertad del artista en la gestión de sus derechos, adaptarse a las formas de distribución que conllevan las nuevas tecnologías, reclamar un modelo de cultura más abierta, participativa y accesible. David Gómez lanzó una propuesta innovadora: que los derechos de explotación, incluyendo su uso comercial, de las obras que un artista ha producido con dinero público -fruto de encargos o ayudas-, habiendo recibido además una remuneración justa por su trabajo, pasen de inmediato al dominio público. Lo llama “retorno social”. Sería de agradecer, pero no sé si va a ser suficiente para convencer a la ciudadanía y a los políticos de que debemos, y así lo defiendo, apoyar a muerte a los creadores. Necesitamos otros argumentos.

Programa y abundante documentación: www.uaav.org/wordpress

Acampada Barcelona: www.culturaacampadabcn.wordpress.com/declaracio-declaracion

Resúmenes y vídeos: www.uaav.org/wordpress/archives/11358, www.uaav.org/wordpress/archives/11372

Retorno social: http://blog.aavc.net/wp-content/uploads/2010/11/RetornSocialAAVC_aDebat.pdf

vía Blogs ElCultural.

Sesión mañana:

Sesión tarde:

Resumen 1ª Jornada pdf
“Do the Right Thing”. Jornadas sobre Buenas Prácticas y Derechos de Autor en las Artes Visuales 2011.1a Jornada

Resumen 2ª Jornada pdf y Conclusiones:

“Do the Right Thing”. Jornadas sobre Buenas Prácticas y Derechos de Autor en las Artes Visuales 2011.2ª Jornada

Vídeo CONCLUSIONES jornadas Sobre las Buenas Prácticas Artísticas, y de Derechos de Autor, UAAV


Más Vídeos:
http://www.youtube.com/user/UAAV3/videos

Francesca Llopis_ Presidenta de la UAAV

Empieza su discurso con el capítulo de agradecimientos a patrocinadores, instituciones implicadas, personas participantes en las jornadas, etc. Así cómo lamenta que Vegap haya declinado la invitación a estar presente en las Jornadas

(… lee textualmente …)

En un momento en el que se viven situaciones polémicas como el cierre del Centro Niemeyer en Avilés, los recortes de presupuestos de los museos, la sombra de nombramientos de directores sin un concurso público en espacios como La Virreina Centre de l’Imatge o el Centre de Cultura Contemporània de Barcelona y el incierto futuro de la LABoral Centro de Arte y Creación Industrial, Do the Right Thing! busca generar un espacio de debate entre profesionales del sector para reflexionar sobre el panorama actual de las artes visuales en España y construir colectivamente los “modos de hacer” para actuar en los próximos años.

Las Buenas Prácticas y los Derechos de Autor son los ejes en torno a los que debatiremos y reflexionaremos. Hablaremos de la aplicación del Código de Buenas Prácticas en todo el territorio español, y no solo desde el punto de vista de los artistas, sino de todos aquellos que estamos involucrados en su correcto cumplimiento: galeristas, instituciones, críticos y comisarios, etc. El Código de Buenas Prácticas ha sido un logro para el sector artístico, pero solo podremos estar satisfechos cuando comprobemos que su aplicación esta totalmente normalizada. También hablaremos de las diferentes maneras de aplicar los Derechos de Autor desde una perspectiva más adecuada a los tiempos y las formas del arte de hoy, en las que la Propiedad Intelectual no signifique un obstáculo para la solidaridad, sino todo lo contrario, visualizando las distintas posibilidades existentes para que cada artista pueda escoger la más conveniente para su sistema de trabajo y para la difusión de su obra. En la actualidad, hay mucho que discutir e informar sobre los Derechos de Autor pero, básicamente, no debemos olvidar que forman parte del sueldo del artista.

(… lee textualmente …)

Hace algo mas de dos años que tengo el honor de ejercer la presidencia de la UNIÓN con el apoyo de la actual ejecutiva y de nuestro presidente honorífico, Luis Gordillo. Durante este tiempo hemos ido avanzando en la concreción de una serie de acciones que incumben a todos los artistas del Estado. Como  muchos de vosotros conoceréis, nuestro programa se basa en cinco puntos:

1º.- ESTATUTO DEL ARTISTA

La creación de  un nuevo marco jurídico regulatorio de la práctica profesional. La necesidad de integrar al artista dentro del sistema de la Seguridad Social de una manera asequible y económicamente sostenible. Un trato fiscal que tenga en cuenta la irregularidad de nuestros ingresos. Una mejora de los derechos de autor traducida en el cumplimiento real de las buenas prácticas profesionales.  El acceso a la formación reglada y continua.

2º.- LEY DE MECENAZGO

Está en nuestro ánimo impulsar este proyecto por cuanto afecta a la economía y oportunidades que puede abrirnos a todos.

3º.- PLAN DE RESCATE

Hemos presentado este Plan al Ministerio de Cultura avanzándonos con ello a la grave crisis actual. En síntesis, se basa en el referente histórico que ante una situación similar, impulsó el presidente Roosevelt de los EEUU, en los años 30 del siglo pasado. Creemos que seria una iniciativa inteligente que el próximo gobierno español considerara esta propuesta, teniendo en cuenta el peso social, económico y sobre todo cultural de nuestro sector.

4º.-APLICACIÓN DEL 1% CULTURAL EN EL ARTE CONTEMPORÁNEO

Exigir a las administraciones competentes el cumplimiento de esta medida legal para que revierta en la creación de obras de arte contemporáneo.

5º.- APOYO A LAS ASOCIACIONES

En el plano interno, trabajamos para reforzar la creación de nuevas asociaciones allí donde se de una masa crítica suficiente de artistas visuales. Nuestras relaciones institucionales se ciñen a la Administración central, pero ello no quita que demos soporte a las diferentes asociaciones de cada autonomía en el momento que lo precisen. Nuestro objetivo final es que a través de esta vía se pueda alcanzar el máximo de eficacia en beneficio de los asociados.

(… lee textualmente …)

Cuando empezamos a trabajar, la actual ejecutiva de la UNIÓN, se encontró un panorama de desorden y de enfrentamientos internos. A consecuencia de esa situación heredada y a partir de ciertas discrepancias ideológicas, la asociación de Madrid AVAM se desvinculó de la UNIÓN. Siempre hemos entendido que, como nuestro propio nombre indica, la unión hace la fuerza y este es el camino por el que debemos seguir. Solo a través de acciones conjuntas de planteamientos comunes se puede beneficiar la causa de nuestros asociados y entender la existencia de una federación de asociaciones, en la que la periferia necesita un interlocutor con el gobierno central. He de decir que hemos intentado sin éxito recuperarles a través del dialogo y que estamos abiertos a nuevas propuestas que puedan acercar las posiciones respectivas, que a nuestro juicio no son tan divergentes.

Sin caer en un optimismo irreal, sí podemos decir que hasta ahora, nuestras propuestas han sido recogidas por el Ministerio de Cultura en el Documento del Plan Estratégico de las Artes Visuales y que vamos a seguir insistiendo, con los nuevos responsables políticos, en la defensa y aceptación de nuevas demandas que sean favorables para nuestro sector.

Sabemos que las asociaciones de artistas visuales tienen muchos puntos en común con lo que seria un sindicato. En algunos aspectos nos mueven cosas muy parecidas como la negociación colectiva, la formación continua, la asesoría legal, etc. Nuestra supervivencia también se basa en buena parte en las subvenciones públicas, pero no con un programa directo con el ministerio de Trabajo, como tienen las organizaciones sindicales. Quizás si así fuera la sociedad tendría otra mirada sobre nuestra profesión.

La UNIÓN solo funciona con las cuotas que pagan las asociaciones, no tenemos un soporte institucional y VEGAP solo colabora en Jornadas como la que ahora iniciamos, lo cual lamentamos ya que es insuficiente para nuestro buen funcionamiento, especialmente si damos cuenta de que VEGAP es una entidad de gestión creada por artistas y para los artistas.

Debemos combatir esa sensación de aislamiento del cuerpo social que a veces podamos sentir los artistas. Todavía algunos nos siguen viendo como un artículo de lujo, especialmente ahora con la crisis manos tijeras. Antes los políticos nos usaban para “decorar” sus campañas electorales y poder llenarse la boca con promesas milagrosas, pero ahora lo único que nos salvará es: la aplicación del Estatuto de Artista, el empleo del Código de buenas prácticas, una buena gestión de los derechos de autor y una buena Ley de Mecenazgo que facilite la inversión privada en el consumo del arte, sin olvidar la reivindicación de que se aplique el 1% cultural en el arte contemporáneo.

Durante estos días, a través de los informes, mesas y ponencias veremos la precariedad actual de los artistas y la necesidad de la denuncia. Es imprescindible que los artistas veamos reconocido nuestro trabajo y cobremos por ello. La sociedad debe comprender que no somos un apéndice extravagante sino parte activa de la misma, en todos los aspectos de la vida. Nuestras necesidades y nuestra aportación son equiparables a las de cualquier otro ciudadano.

Esperamos que estas Jornadas sean útiles para concienciar y concienciarnos, a los artistas, a los profesionales del sector y al público en general de la importancia de la actividad creadora, sin la cual el mundo seria menos bello y menos feliz.

¡Juntos podemos más!

Daniel G. Andújar_ Artista y activista.

Capitulo_1_
Ofrece una serie de datos del 2006 que muestran un panorama dónde la mayoría de los artistas viven en el umbral de la pobreza¹, cuando se invierten cantidades astronómicas en el arte y el mercado del arte mueve millones. Defiende la idea que nunca se ha considerado seriamente des de los estamentos políticos pensar en el colectivo artístico cómo una inversión en I+D. Sin embargo ahora en momentos de crisis se pide a los artistas que sigan proveyendo de contenidos un sistema de museos y centros de arte que cada día se muestra más insostenible.

(… cita textual …)

Nuestra cultura era una “figura con los pies de barro”, y no por falta de medios, sino por falta de iniciativa política destinada a la producción, investigación y patrimonialización. El centro del tsunami liberal se centró en políticas de visibilidad, en el fomento de grandes eventos e infraestructuras espectaculares. Ahora, en tiempos de crisis severa, la cultura se ha convertido en un bien prescindible, asumiendo como obvio que si hay que sanear, será en la cultura, en la ciencia o en la educación. Los artistas, en cambio, pensamos que eso es un grave error y supone una hipoteca para el futuro.

(…)

Ahora se nos pide ir mucho más allá, nos piden que financiemos y proveamos de contenido una maquinaria que resopla agónica y sin recursos. No son conscientes del grado de vulnerabilidad de nuestro trabajo. La actual precariedad de la actividad artística está mermando las posibilidades de más de una generación.

(…)

La cultura, en general, y el arte, en particular, no son un lujo, sino una prioridad inaplazable de cualquier sociedad. Esto que parece una obviedad hay que repetirlo continuamente a gestores culturales y políticos. El arte lo hacen los artistas, no crece en las ramas de los árboles.

Capitulo_2_

La práctica artística esta en un lógica de pérdida permanente. La coyuntura pide un paso hacia la acción, hay que concentrar la mirada y afinar los objetivos. Necesitamos repensar el sistema: productivo y educativo. Reivindica el lenguaje visual cómo una herramienta de la que debemos volver a empoderarnos de algún modo, frente al imaginario dominado por la publicidad y la industria de los media. El lenguaje es lo que puede cambiar el mundo. Al arte tiene ahí una función política de transgresión, confrontación, ruptura, ironía, contestación…

(… cita textual …)

La capacidad de cuestionar está en la naturaleza propia de la práctica artística.

(…)

La escuela, las diferentes corrientes pedagógicas tradicionales, están perdiendo su monopolio como proveedoras de instrucción. No nos proporcionan instrumentos útiles para convertir todo ese ruido, datos, documentos, información, en conocimiento específico. Los sistemas educativos y pedagógicos que hemos seguido hasta ahora nos serán suficiente, la vieja doctrina no nos permitirá oír entre tanto ruido. Necesitamos inventar nuevos métodos, explorar nuevas ideas, reinventar el sistema y los procesos educativos completamente: aprender a aprender. Y deberemos de adoptar nuestros sistemas de producción, de vida, a estos nuevos procesos educativos que nos acompañaran durante toda nuestra vida, actualizando continuamente nuestros conocimientos, de lo contrario el valor de los mismos se devaluará progresivamente. La sociedad postcapitalista pone el conocimiento en el centro de la producción de riqueza, es decir lo más importante no es la cantidad de conocimiento, sino su productividad. En esta sociedad de la información el recurso básico será el saber, y la voluntad de aplicar conocimiento para generar más conocimiento deberá basarse en un elevado esfuerzo de sistematización y organización, exigirá adaptación y aprendizaje durante toda la vida.

(…)

El Arte, como cualquier otro proceso cultural, es básicamente un proceso de transmisión, de transferencia, de diálogo continuo, permanente y necesario… pero no lo olvidemos, también es trasgresión, ruptura, ironía, parodia, apropiación, usurpación, confrontación, investigación, exploración, interrogación, contestación. Busquemos pues el contexto idóneo que permita desarrollar esta idea en condiciones más optimas. Y si no existe, tendremos que crearlo.

Capitulo_3_

El precio del arte. Confrontación entre los que controlan el negocio de la cultura y los agentes activos. ¿Cómo afecta la revolución digital y la cultura del pro-común al sistema y al negocio del arte?

(… cita textual …)

A la vez que las sociedades de gestión se convirtieron en intermediarias entre creadores y se apropiaron del control de la producción, la distribución y la comercialización, las nuevas tecnologías están eliminando, gradualmente, la necesidad de estos intermediarios y de los servicios de gestión.

La brecha digital; el choque entre generaciones; y un proceso de digitalización que esta
transfiriendo gran parte del legado visual desde su formato físico formal; están cuestionando las formas tradicionales de comprensión, gestión y trabajo con los bienes simbólicos. Las formas de pensar, de relacionarnos los unos con los otros, de consumir, de producir y de comerciar están sufriendo cambios sustanciales que cambian nuestra perspectiva tradicional de los procesos de negociación.

No estamos hablando de una moda pasajera, nos estamos refiriendo directamente a una confrontación abierta entre quienes controlan y defienden la industria del ocio, el gran negocio de la cultura, y quienes reclaman una revisión urgente del sistema imperante y una reformulación de la noción de propiedad intelectual en un nuevo contexto de cultura más abierta y por qué no decirlo ‘libre’.

Ignacio Paris_ AVVAC_ Informe Buenas Practicas nº1_

La AVVAC (Artistas Asociados de Valencia, Alacant y castelló) pone especial énfasis en reclamar una serie de prácticas democráticas básicas:

1) la profundización democrática en la gestión de la cultura en base a un proceso de tecnificación o profesionalización de la gestión y dirección de museos y centros de arte que pasa por el establecimiento de concursos públicos y la autonomía gestora y presupuestaria de los centros y museos de arte.

2) el establecimiento de convocatorias públicas transparentes y democráticas de acceso a los recursos puestos por la administración pública para la producción y visibilización de la creación contemporánea.

3) la participación profesional en el diseño de las políticas culturales que le afectan.

4) la implantación en todos los niveles educativos de programas destinados a la educación visual, el desarrollo de la creatividad y el conocimiento del arte contemporáneo.

(… cita textual …) Conclusiones del Informe:

La Comunidad Valencia vive un contexto particular en el que a la crisis económica generalizada se le suman: la percepción de la cultura como un lujo prescindible; un contexto de precariedad en el trabajo creativo muy alto; una descomposición progresiva del tejido creativo y cultural ya anterior a esta crisis; una inexistencia histórica de un mercado del arte; un ejercicio político en el ámbito general en el que una mayoría absoluta conservadora fuerza un repliegue de los usos democráticos y unas políticas culturales que hace años Pau Rausell calificó de “ocurrenciales”, es decir, carentes de análisis de la realidad y de elaboración de un proyecto con lo cual podríamos hablar de unas “no-políticas” en cuanto a su incapacidad de transformar la realidad y que sin embargo y paradójicamente no dejan de intervenir (en el pero sentido de la palabra) en la gestión y producción cultural, la cual es a todas luces excesivamente dependiente del poder. Sin embargo y paradójicamente la inversión en exposiciones, el gasto en cultura en los últimos 15 años ha sido, aunque decreciente, importante. Probablemente una de las grandes razones de esa ineficacia de la inversión pública tenga mucho que ver con la ausencia generalizada de “buenas prácticas profesionales”.

En el desarrollo de nuestro trabajo como asociación hemos podido constatar: la escasa participación de los actores culturales en el desarrollo de los programas culturales y proyectos políticos que les incumben, la ausencia de un diálogo con el sector, la continua injerencia de los poderes públicos en la gestión de la cultura y en definitiva una excesiva dependencia del poder. Es sintomática la ausencia absoluta de concursos públicos para la dirección de museos que alcanza su máximo en el propio incumplimiento por parte de la Generalita en la dirección del Museo de BBAA San Pio V, donde se salta el concurso de meritos que es prescriptivo para el nombramiento del director. Ejemplo importantes de injerencia son también la forzada dimisión de Romas de la Calle en el Muvim y el nombramiento del un nuevo director, Javier Varela, sin atender a ninguna de las demandas del sector, sin ni siquiera contestar las cartas solicitando una entrevista, y el reciente cese de ese mismo director 18 meses después.

ALGUNOS PROBLEMAS HISTÓRICOS

De la ausencia de proyecto de las políticas culturales es un ejemplo sintomático la deriva de un espacio como el Centro del Carmen que alcanzó el máximo de las paradojas cuando tras ser cerrado en el año 2002 como segunda sede del IVAM y proponerlo Como Museo del XIX y se presentó esta proyecto de cerrar un espacio para el arte contemporáneo en una feria de arte Contemporáneo (ARCO). Luego nunca llegó a existir ese museo del XIX aunque eso sí tuvo durante dos años un director. Después fue propuesto como centro de arte experimental y de nuevos medios sin que de nuevo volviera a saberse nada más de ese proyecto y actualmente alberga un centro de estudios sobre la obra de Joaquin Sorolla y acoge las exposiciones patrocinadas por el Consorcio de Museos que pueden referirse tanto al rehabilitación del patrimonio como a celebraciones de índole patriótica e identitaria como al arte contemporáneo.

Todo este “proyecto” era responsabilidad de la entonces Subsecretaria General de Promoción Cultural Dña. Consuelo Ciscar Casaban que dejó una deuda en el Consorcio de Museos, (entidad que reunía entonces a los tres ayuntamientos capitales, las tres diputaciones y la Generalitat) a pesar de su hiperactividad fue incapaz de colaborar en el fortalecimiento del tejido creativo de nuestra comunidad autónoma. La tremenda deuda que dejó –140 millones– a hipotecado durante años las políticas públicas en artes visuales, de y que aún hoy se sigue pagando.

Consuelo Ciscar Casaban dirige actualmente y desde hace 7 años el IVAM. El IVAM el cual fue creado con la consideración de instituto encargado de “el desarrollo de la política cultural de la Generalitat Valenciana en cuanto concierne al conocimiento, tutela, fomento y difusión del arte moderno.” El IVAM absorbe gran parte del presupuesto destinado a las artes visuales contemporáneas sin embargo, en la medida en que El MUSEO es un agente relevante en los procesos de creación de valor de las obras artísticas ( aunque debe ser mucho más) el IVAM en tanto que museo clásico donde el arte de experimentación, el arte crítico, o las nuevas formas de exhibición, no están suficientemente representadas es parte sustancial del empobrecimiento de las estructuras de fomento de la creatividad mediante:

1. la presentación de un programa expositivo desactualizado y ajeno a los debates artístico contemporáneos,

2. las pocas posibilidades de que la producción contemporánea sea conocida directamente y sometida a crítica y a validación.

3. La escasa participación de las propuestas innovadoras, experimentales o comprometidas desarrolladas en el ámbito local

Por tanto las exposiciones del centro no ayudan al desarrollo profesional de los artistas

Por otra parte los parámetros de profesionalidad en la  gestión, en los modelos de relación con los agentes implicados (proveedores, artistas, comisarios, prensa, etc..) y en los sistemas de evaluación y control de los objetivos y del gasto, no cumplen los mínimos criterios deontológicos deseables. AVVAC tuvo una entrevista con D. Juan Carlos Lledó el director de asuntos económicos al que entregó un ejemplar del Manual de Buenas Prácticas .

¿DE QUE VIVEN LOS ARTISTAS?

Aunque es necesario tener en cuenta que en los últimos años el cierre continuado de galerías de arte, algunas con una trayectoria histórica, demuestra el difícil terreno en le que deben trabajar; sin suficientes ayudas institucionales, con un desinterés social importante , con muy poco reflejo mediático de su actividad y en un mercado prácticamente inexistente lo cierto también es que los datos anteriormente citados revelan la ausencia total de implicación de las galerías valencianas en los costes de producción de la obra. La financiación total de la obra según las encuestas en las galerías valencianas es del 0%, no hay un solo caso de financiación total de la obra en Valencia. De manera que cuando un artista valenciano se ha beneficiado de la financiación de su obra a cargo de una galería siempre ha sido una galería de fuera de la Comunidad Valenciana. Los beneficiarios de una financiación parcial son un escaso 8%, pero los casos en que se cubren gastos de adaptación de la obra ya producida tampoco superan el 10%. El bajo nivel de “representación en exclusiva” (20%) en comparación el acuerdo para una exposición puntual (60 %) que dificulta el desarrollo de un proyecto en común y el escaso gasto en producción por parte de los espacios de difusión (se ha cubierto totalmente solo en un 37% de los casos y parcialmente en un 15%) a pesar de que los artistas han realizado obra nueva expresamente para la ocasión en un 92% de los casos junto a la práctica ausencia de cobro de honorarios o de pago en procesos de preproducción que descienden hasta un 14% de los casos y a un solo y simbólico 3% si nos referimos a un cobro en el que se haya alcanzado el 15% de la coste total de la exhibición nos plantean un panorama dificilísimo para el ejercicio pleno y libre de la actividad artística en Valencia.

Las prácticas poco profesionales se extienden paradójicamente hasta la Universidad Politécnica de Valencia, a la que esta adscrita la Facultad de BBAA. Resulta sangrante que la misma institución encargada de formar profesionales en el ámbito de las artes visuales no sea suficientemente respetuosa con las buenas practicas

Por otra parte hemos podido constatar, y así lo refleja un estudio comparativo desarrollado por Juan José Martínez Andrés la contante desaparición de convocatorias públicas , becas , concursos , premios o ayudas que contribuyan a paliar la situación. A esto se suma la amenaza de desaparición de alguna de las salas con mejor y más profesional trayectoria en la Comunidad Valenciana como es la Sala Parpalló (una de las pocas que dentro de sus limitaciones presupuestarias procura trabajar desde una perspectiva de respeto a la profesionalidad de los artistas.

Daniel G. Andújar_ Vicepresidente AACV_

Informe Buenas Practicas nº2_

Informe contrastado con uno realizado en 2009 a cerca de 300 artistas, ahora comparado sobre una encuesta en profundidad a 24 artistas. La sensación es que el sistema se esta cayendo en picado: nombramientos a dedo, estructuras que se paran, procesos de participación que se anulan. La tendencia es que mantener las estructuras se hace insostenible y las programaciones se ven afectadas: menos programación, menos producción o que de algún modo afecta a todo el sistema.

(… cita textual …) Conclusiones del Informe:

La encuesta que realizó la AAVC (Associació d’Artistes Visuals de Catalunya) en el año 2009 se distribuyó entre los últimos 10 artistas que habían mantenido una relación de exposición pública con 100 mediadores del sector profesional del arte contemporáneo. Se remitieron, por tanto, mil encuestas. 63 de los mediadores eran espacios de difusión (museos, centros de arte, fundaciones, espacios independientes, centros cívicos especializados o festivales), los 37 restantes eran galerías de arte. Se obtuvieron 270 respuestas (27 % de los encuestados). Esa primera encuesta arrojó unos resultados que indicaban los cambios y avances producidos en las relaciones profesionales desde la publicación del Codi de Bones Pràctiques Professionals, su distribución entre todos los artistas y los mediadores, la aparición de la web www.bonespractiques/aavc.net, la puesta en marcha de un programa específico de Formación Continua y la celebración de varias e intensas campañas de presentación y debate con las comunidades artísticas de las ciudades más importantes (Girona, Olot, Tarragona, Amposta, Vic, Granollers, Mataró, Lleida y Barcelona).

El primer objetivo del programa de Buenas Prácticas Profesionales de la AAVC era –y sigue siendo- alentar una conciencia profesional entre los propios artistas. Ellos son los que han de producir los cambios en el imaginario y la práctica profesional del mundo del arte. Que incorporen unos estándares éticos y profesionales en su manera de trabajar, en el desarrollo de su carrera. En ese sentido, la asociación acompaña y apoya al artista que ya no está sólo en la reivindicación de un trato equilibrado, justo y satisfactorio en el plano profesional y en el económico. Ese objetivo primer objetivo se ha cumplido con creces: todo artista (o casi) ya conoce el Codi de Bones Pràctiques o ha oído hablar de él.

La encuesta del 2009 presentó, además, algunos buenos indicadores. El uso del contrato por escrito en la relación entre el artista y el espacio de difusión aparecía el el 34 % de los casos, 14 puntos más que en el estudio “La condició de l’artista plàstic a Catalunya” (ARTimetria, Barcelona 2001). El pago de los honorarios alcanzaba al 46 % de los encuestados. Una media del 10 % habían cobrado derechos de explotación (reproducción y comunicación pública) y un 5 % había publicado su obra con una licencia Creative Commons. Un 73 % estaba satisfecho o muy satisfecho con el trato profesional que había recibido. Algunas cosas estaban cambiando en el ámbito de la difusión y los motores de esos cambios eran los propios artistas (individual y colectivamente) y los jóvenes profesionales incorporados al comisariado de exposiciones y a la dirección de museos, centros, fundaciones o espacios independientes.

La reciente encuesta realizada por la AAVC para estas jornadas, ha reducido –por tiempo y recursos- el número de artistas encuestados (33) y se ha focalizado en el circuito más profesional. Veinticuatro artistas que han mantenido una relación con un espacio y nueve con una galería. Dada la situación de profunda crisis económica en la que nos movemos, con constantes y agresivos recortes de los fondos públicos destinados a las artes y un mercado retraído por la falta de excedentes, nos ha parecido interesante e ilustrativo centrar la encuesta en el sector más profesional para compararlo con la encuesta del 2009 que presentaba resultados de la media.

La comparación no deja lugar a dudas y explica los efectos negativos de la crisis en casi todos los indicadores:

2009 2011

Contrato por escrito 34 % 27 % -7 %

Acuerdos respetados 89 % 83 % -6 %

Producción de obra nueva 56 % 71 % +15%

Financiación de la producción 50 % 33 % -17 %

Cobro de honorarios 46 % 42 % -4 %

Derechos de reproducción 12 % 8 % -4 %

Derechos comunicación pública 2 % 4 % +2 %

Uso de licencia CC 5 % 33 % +28 %

Grado de satisfacción:

Muy satisfechos 30 % 21 % -9 %

Satisfechos 43 % 46 % +3 %

Regular 13 % 21 % +8 %

Poco 8 % 8 % = %

Nada 6 % - -

Solo suben dos indicadores. Aumenta en un 15 % la producción de obra nueva para la exhibición pública pero su financiación a cargo del espacio (museo, centro, fundación) baja un 17 %. El otro indicador que sube es el del uso de licencias tipo Creative Commons que sube un 28 %.

La principal conclusión es que se están produciendo retrocesos en aspectos cruciales de los estándares de las Buenas Prácticas Profesionales como la seguridad jurídica del uso del contrato por escrito, la financiación de las nuevas producciones por parte del mediador, la remuneración del artista o el cobro de derechos. Baja el grado de satisfacción. Si eso ocurre en el segmento más profesional de la escena artística catalana podemos inferir cual es la situación en la escena general.

Mesa redonda “Presente y futuro de la aplicación de las Buenas Prácticas²”

Yolanda Romero, vocal de la Junta Directiva de la Asociación de Directores de Arte Contemporáneo de España y directora del Centro José Guerrero

Venimos de una estructura y un modelo deficitario, que se podría afirmar que han estado basado en las malas practicas. Fruto de unas lógicas poco reflexivas producto de decisiones políticas dónde la mayoría de los centros nacen sin proyectos artísticos y sin conexión con el contexto dónde se ubican. (ejemplo de la ciudad dela cultura de Galicia).

El problema no ha sido la falta de dinero o de inversión. Un problema central es la falta de unos estatutos jurídicos propios para la mayoría de los centros de arte. El documento de BBPP aprobado el 2006 no se ha implementado de manera coherente, se ha reducido casi a los procesos de selección de la dirección. Sin profundizar el la capacitación de los centros de autonomía suficiente para que los centros funcionen.

Un museo es un servicio público, ahora con la crisis, no se puede abandonar esa función en base de su sostenibilidad.

Hay que tener en cuenta que los indicadores no son sólo el número de visitantes, sino también la función pedagógica, patrimonial y de cohesión social.

La transparencia, la calidad y la eficacia son valores que debemos implementar desde el propio sector del arte.

Hay que buscar un nuevo de molo de derechos a la carta que permita al artista decidir cómo quiere relacionarse en cada momento con la institución museística.

Defender la cultura cómo una elemento que cada vez aporta más al PIB (4% en 2010) y que tiene un impacto indirecto en otros sectores productivos. Reivindicar eso ayudaría a mejorar las condiciones del trabajo de todo del colectivo.

José Luis Pérez Pont, presidente del Consejo de la Crítica de las Artes Visuales

Autocrítica. Cómo sector venimos de una trayectoria de corte masoquistas dónde los artistas, los comisarios y los críticos nos hemos acostumbrado a rebajar nuestras expectativas y trabajar en condiciones poco favorables. No denunciamos de modo sistemático los múltiples casos que el código de las BBPP o los códigos deontológicos no se cumplen.

Son especialmente preocupantes los múltiples casos que estamos viendo hoy de desmantelamiento de centros y de ejemplos escandalosos de nombramientos de cargos a dedo. Que muestran de fondo una falta de estrategia, en esa línea hay que reivindicar el plan estratégico para las artes visuales.

La falta de transparencia generalizada da cómo consecuencia una dinámica de autocensura realmente preocupante, que el colectivo de críticos vivimos. Así cómo vivimos una lógica de precariedad constante en los trabajos de crítica e investigación.

Rocío de la Villa, presidenta de MAV Mujeres en las Artes Visuales

Documento de Estrategias para las Artes Visuales reconoce por primera vez de manera ampliamente consensuada la discriminación sexista del sistema del arte España.

Hay que profundizar en las practicas que se detallan y seguir la lucha por la igualdad en los ámbitos de poder y representación en el sistema del arte.

Eva Moraga, miembro de la Junta Directiva del Instituto de Arte Contemporáneo

Revisa el origen de Documento de Buenas Practicas: ideas fuerza, referentes y estrategias que definía el documento.

Propone crear un grupo mixto entre el IAC y las Asociaciones para:

• Pensar en las estrategias y acciones para que las administraciones públicas y los museos y centros de arte dependientes de ellas asuman el Documento 0 BBPP.
• Hacer un seguimiento y control del cumplimiento del Documento de Buenas Prácticas por parte de administraciones y organizaciones.
• Actualizar y revisar el documento de BBPP. Uno de los puntos a incidir sería profundizar en la transparencia de la gestión y funcionamiento de centros y museos: queremos saber los presupuestos, los planes estratégicos, las adquisiciones, etc. Información que desde un organismo público se debe facilitar a los ciudadanos.

Así como propone crear un foro en base al código deontológico del IAC para debatir los casos que acontecen.

Jesús Carrillo, Dept. Actividades MNCARS

Bienvenida agradecimientos des del MNCARS. En épocas de cambio es bueno que nos cojan pensando. No para crear un gran lobby de poder sino para tener más herramientas como colectivo para actuar frente a cada caso que se vaya sucediendo.

Estamos en un momento crítico porque se están implementando nuevos modelos que vienen a sustituir sistemas consolidados en largos años. (pone el ejemplo Holanda). Hay de ser capaces de transmitir la necesidad del arte en términos no de supervivencia del propio sector, sino en base a procesos instituyentes y catalizadores de los mismos. De otro modo solo sobreviren las instituciones capaces de demostrar su productividad económicas, de modo que serán más y más dependientes de los flujos económicos. Hay que repensar un nuevo contrato social de la cultura para defender nuestras instituciones. Des de la base de la función pública de las mismas.

Debate_

• Hay varios documentos de BBPP, el primero el 2000 redactado por los artistas, después el Ministerio junto con otras organizaciones adaptaron. (D. García Andújar)

• El Documento 0, esta planteado cómo una base para seguir desarrollando.

Hay que perseverar en el seguimiento de la aplicación de las BBPP. (Santiago Olmo)

• Crear espacios de articulación para seguir trabajando en las líneas concretas de manera consensuada des de las asociaciones. Y si hace falta poner demandas. (Rocío de la Villa)

• Estas cuestiones básicas tienen que convertirse en reglamentos que desde la administración se obligue a seguir ciertas practicas. Hay que concretar algunas líneas claras para darla batalla en base al documento de la estrategia para las AAVV (Yolanda Romero).

• Ese contrato social (al que se refería J. Carrillo), dada la dimensión de la crisis sistémica, pasa por un debate vinculante con los actores políticos (Curro G. UAVA).

• Ni la cultura como derecho, ni la cultura como recurso son ya argumentos validos, ¿des de dónde se defiende, des de dónde se amenaza, desde una lógica sindical, la protección de la estructura pública de la cultura? No estamos en una lógica de generar acuerdos sino confrontación. (Rubén Martínez YP)

Mesa redonda “Buenas Practicas y la dimensión política del arte”

E

stán convocados los partidos políticos pero sólo IU (ICV) accede a venir, PP, PSOE y CIU no consiguen mandar ningún representante. La mesa se replantea y Pablo España de Democracia resume y analiza los programas electorales. D.G Andújar presenta el documento de Estrategia para las Artes Visuales. F. Llopis y Ignacio Paris completan la mesa.

Pablo España analiza los programas_

PP_ Definen cultura como marca, elemento de cohesión nacional, espació de expansión de la emprendería. Pasar del modelo de subvención al del mecenazgo. Fomentar la cultura tradicional. Gestión privada de los derechos intelectuales.

PSOE_ La cultura tiene en base a su dimensión social. A la vez tienen un discurso de promoción del patrimonio y las industrias culturales. Turismo y cultura. Implementación de centros. Redefinir la ley de propiedad intelectual.

IU_ Propone una cultura participativa y de libre acceso. Transparencia, investigación, pluralismo, multicultural. Crear un convenio marco a nivel laboral. Nuevo modelo de propiedad intelectual.

Acampada BCN_ Se puede ver en:

www.culturaacampadabcn.wordpress.com/declaracio-declaracion/

Debate_

• ¿Hacia dónde vamos? A la asimilación de cultura con turismo y con la promoción de la marca España. Potenciar el Cervantes al modo del Goethe o el British. (I. Paris)

• Puntualiza que el Cervantes cuando mueve la obra de artistas visuales no paga ni honorarios ni viajes, cuando si lo hace con músicos. (Ángel Delgado)

• En la asamblea de BCN yo me preguntaba ¿A quién nos dirigimos?. La estrategia de la mediación no parece operativa, me parece mucho mejor ponerse a trabajar en un código, siguiendo las enseñanzas del software libre. Vamos a construir una cultura des de lo colectivo, mas allá de las instituciones que no son operativas para una negociación o gestión comunitaria de los recursos públicos. Ejemplos: Can Batlló (bcn), La casa invisible (Málaga). (R. Martínez)

• Aquí hay que diferenciar entre lo público y lo estatal. Los recursos son públicos y hay que negociar. (I. Paris)

• Defiende un modelo de resistencia y herramientas cómo e-valencia (diez años en marcha y 100 millones de visitas) para reivindicar que los recursos públicos en cultura estén disponibles más allá de los ámbitos de decisión estrictamente políticos. Hay necesidad de trabajar para un consenso de qué recursos son públicos y cuáles son las reglas del juego. La biodiversidad de lo público es lo interesante. (D.G. Andújar)

• En Valencia ha habido una fiesta privada con lo público. Tenemos derecho a ello. (I. Paris)

• Ok, pero hay que tener una parte de acción, la idea de la cultura como consenso es una falacia, la cultura es conflicto, y buscar el conflicto es una estrategia valida para trabajar en pro de una cultura del pro-comun. (R. Martínez)

• El hecho de la cultura tiene que ir por la lógica de la dignidad. Tenemos una tradición de producción cultural potente. El problema viene cuando detectamos que se dan unas condiciones que no garantizan unas situaciones justas. (David Gómez)

• Mejor hablar de acuerdo que de consenso. Defiendo que coexistan modelos de gestión, más allá de momentos coyunturales. Así como prefiero la palabra fricción a conflicto. Y disculpar la ausencia del PSOE seguramente motivada por el momento de reestructuración que padece. (Rafael Conte)

D. G. Andújar presenta el documento de Estrategia para las Artes Visuales.³

Presenta los objetivos, los procesos de confección y la estructura del documento.

Defiende el mismo cómo una herramienta para dar cohesión al colectivo y como herramienta para abrir el espectro y los lugares del arte en España.

Algunos puntos destacados_

1. Plantear la aportación de las artes visuales al I+D, para abrir el abanico dónde se vincula el arte.

2. Remarcar que es el primer plan estratégico que se hace en 30 años de democracia. Por eso era muy importante implicar a varios colectivos representantes del sector.

3. Ir a defender la mejora de la situación laboral del colectivo. Una directiva que viene directamente des del 2006 como mandato de la UE.

4. Profundizar en los manuales y los códigos de buenas prácticas.

5. Revalorar/reorganizar el patrimonio artístico contemporáneo. Crear unas reglas de juego que se benefician del 1% y recursos similares.
6. Fortalecer las infraestructuras existentes y fomentar procesos participativos y mecanismos de gestión ciudadana de recursos. Programas de cultura abierta, espacios efímeros, utilización de espacios.

7. Subvertir el currículum escolar.

Debate_

• Vamos a una situación de falta de justicia social, se esta llevando la cultura a un ámbito de mercantilización inspirado en la doctrina neoliberal. El documento me presenta un cierto desfase cuando estos planes estratégicos en otros ámbitos como el universitario este tipo de estrategias se están desmantelando. (Daniel Villegas)

• Es fundamental un tejido asociativo fuerte, pero para que sea efectivo es necesario un contrato con la ciudadanía, para que los partidos políticos hagan efectivo ese modelo de progreso democrático. Por eso el proyecto Rubalcaba planteaba una mesa el parlamento de seguimiento del cumplimiento de los programas. (Rafael Conte)

El debate salta al tema de la Ley del Mecenazgo.

• Se aboga por seguir el modelo Italiano dónde se escoge en la declaración de la renta a dónde quieres destinar tu aportación.
• Se defiende que los fondos patrimoniales de las cajas se mantengan cómo fondos públicos.

Documentos relacionados:

Resumen de las jornadas día 1 DoTheRighThing_1(pdf)

Vídeos:

• EFE. 14.12.2011 – 09.40h

vía La artista Simona Levi augura una nueva ley Sinde e invita a los creadores a reaccionar – 20minutos.es – El medio social.

MADRID, 13 Dic. (EUROPA PRESS) -

La Unión de Asociaciones de Artistas Visuales de España (UAAV) organiza las Jornadas sobre Buenas Prácticas y Derechos de Autor ‘Do the Right Thing’ para generar un espacio de debate entre profesionales del sector y reflexionar sobre la aplicación de las Buenas Prácticas y los Derechos de Autor.

Con este encuentro, que se celebra en el Museo Reina Sofía el viernes 16 y el sábado 17 de diciembre, la UAAV invita al sector a construir de “manera colectiva los modos de hacer para actuar en los próximos años”.

La UAAV hace este llamamiento tras vivir “situaciones polémicas como el cierre del Centro Niemeyer en Avilés, los recortes de presupuestos de los museos, la sombra de nombramientos de directores sin un concurso público en espacios como La Virreina Centre de l’Imatge o el Centre de Cultura Contemporània de Barcelona y el incierto futuro de la LABoral Centro de Arte y Creación Industrial”.

Francesca Llopis, presidenta de la UUAV, y el artista Daniel García Andújar serán los encargados de inaugurar las jornadas el viernes 16, día dedicado a las Buenas Prácticas, en el que intervendrán representantes del Consejo de Críticos y Comisarios de Artes Visuales, el Instituto de Arte Contemporáneo, el Consorcio de Galerías de Arte Contemporáneo, la Asociación de Directores de Arte Contemporáneo de España y Mujeres en las Artes Visuales.

La tarde del viernes le llega su turno al debate político, con representantes de los cuatro partidos mayoritarios -PP, PSOE, CiU e IU- en la mesa redonda titulada ‘Las Buenas Prácticas y la dimensión política del arte’.

Durante la segunda jornada, el sábado 17, se debatirá sobre la problemática de los Derechos de Autor. Para ello, el encuentro contará con las presentaciones de los abogados especializados en Propiedad Intelectual Eva Soria y David Maeztu, el artista David Gómez y el productor cultural Rubén Martínez, de YPRODUCTIONS.

Según explica la Unión de Asociaciones de Artistas Visuales de España, en estas jornadas se realizará una panorámica general sobre los Derechos de Autor, se hablará de los Creative Commons y la gestión colectiva de la obra artística, se plantearán los problemas de encaje entre Arte contemporáneo y los Derechos de Autor en prácticas como el apropiacionismo y el arte conceptual, se debatirá sobre el retorno social de la producción artística a través de licencias libres y se explorarán las nuevas economías de la cultura y el trabajo de las empresas del procomún.

vía Artistas organizan unas jornadas para promover las “buenas prácticas” y los derechos de autor.

‘Códigos interruptus’

PALOMA LLANEZA 08/12/2011

Tras dos años de códigos interruptus, nos echamos a la cara el texto final del proyecto de reglamento de desarrollo de la ley Sinde. Y nada más comenzar a leer, ya se adivina que uno de los primeros escollos será el de la notificación al titular del servicio. Se empieza por identificarle por la información que habría de constar en la página en aplicación de la Ley de Servicios de la Sociedad de la Información, se continúa buscando los datos en el registrador de dominios o en los archivos de la propia Comisión y, si no, se requiere a las operadoras por vía judicial mediante solicitud de la Comisión al Juzgado Central de lo Contencioso-Administrativo para que la teleco identifique al titular de la web.

vía ‘Códigos interruptus’ · ELPAÍS.com.

Notícias relacionadas:

Andanadas contra la ‘ley Sinde’

Reglamento “Ley Sinde”

http://www.elpais.com/elpaismedia/ultimahora/media/201112/06/cultura/20111206elpepucul_1_Pes_PDF.pdf

El reglamento definitivo que el Gobierno renuncia a desarrollar prevé más dureza con los infractores reincidentes y pone en el punto de mira a las “webs” de enlaces

IKER SEISDEDOS | Madrid 06/12/2011

El reglamento de desarrollo de la ley Sinde -que aterrizó el viernes pasado en la mesa del Consejo de Ministros y tras una enconada discusión quedó sobre ella sin ser aprobado- introducía importantes reformas con respecto al borrador que se envió al Consejo General del Poder Judicial (CGPJ) y al Consejo de Estado para que hiciesen sus aportaciones. Dos son las diferencias fundamentales de un texto que ha renunciado a desarrollar el Gobierno del PSOE e, incluso sin ser aprobado, sigue encendiendo los ánimos de creadores e internautas por igual. Por un lado, se castiga expresamente la reincidencia de los infractores que sirvan sin autorización contenidos sujetos a derechos de autor y por el otro se redobla la convicción de la necesidad de perseguir a las webs de enlaces, pese a que la jurisprudencia de la Fiscalía General del Estado lo venía desaconsejando.

sigue…

vía La ‘ley Sinde’ que el PSOE no culminó · ELPAÍS.com.